Array ( [anz] => 83 [pages] => 1 [0] => Array ( [event_id] => 222174 [date] => 03.03.2021 [saison] => 202021 [name] => 7. Philharmonisches Konzert: Rausch der Sinne [orig_image] => /page/MediaLib/images/events/202021/Philko-7_Anouchka-und-Katharina-Hack-c_Christian-Ruvolo.jpg [repeat] => [time] => 20:00 [image] => /page/event_img/280/bild_222174.jpg [eigene veranstaltung] => [sonderveranstaltung] => 0 [content] => Array ( [event_id] => 222174 [title] => 7. Philharmonisches Konzert: Rausch der Sinne [subtitle] => Die Veranstaltung muss leider entfallen. [pricesInfo] => [due] => [reduction] => Weitere Karten: Tel. 0231 - 50 27 222 / Theater Dortmund [restriction] => [restriction_neu] => [comment] => [concertIntroduction] => Einführung um 19.15 Uhr im Komponistenfoyer

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Leidenschaft, Disziplin, Hingabe – diese Tugenden sind in Dortmund nicht nur auf dem grünen Rasen beheimatet, sondern auch bei den Dortmunder Philharmonikern. Seit seiner Gründung 1887 hat sich der städtische Klangkörper damit konsequent in die vorderste Reihe der großen deutschen Konzert- und Opernorchester gespielt. Besonders geprägt haben das Orchester in der Nachkriegszeit charismatische Chefdirigenten wie Wilhelm Schüchter (1963 – 1974), Marek Janowski (1974 – 1979) und Hans Wallat, heutiger Ehrendirigent der Philharmoniker. In Wallats Ägide – von 1980 bis 1985 sowie noch einmal in der Spielzeit 2001/02 – fallen große Wagner- und Strauss-Zyklen.

Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Aufgrund der aktuellen Entwicklungen in der Corona-Pandemie müssen wir bedauerlicherweise alle bis zum 31. März 2021 im Konzerthaus geplanten Veranstaltungen absagen.

Dance of the Sun

Ein Sinfonieorchester, das ein Konzert auswendig spielt und dabei tanzt? Die Geneva Camerata setzt sich spielend in Bewegung und lässt Tanz und Musik zu einem synästhetischen Erlebnis werden. [short_introduction] => Ein Sinfonieorchester, das ein Konzert auswendig spielt und dabei tanzt? Die Geneva Camerata setzt sich spielend in Bewegung und lässt Tanz und Musik zu einem synästhetischen Erlebnis werden. [search_tags] => , Geneva Camerata , David Grellsammer , Martí Corbera , Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola , Jean-Baptiste Lully Lully: Suite aus »Le bourgeois gentilhomme« Suite aus »Le bourgeois gentilhomme« , Wolfgang Amadeus Mozart Mozart: Sinfonie Nr. 40 g-moll KV 550 Sinfonie Nr. 40 g-moll KV 550 , Konzert-Experiment , Neuland , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Musikalischer Reiseführer – Travelling through the Middle East

Der Nahe Osten bietet außer großen Wüsten, fruchtbaren Oasen und salzigem Meer noch vieles mehr: moderne Beats, urbanen Lifestyle und Hightech-Wolkenkratzer. Macht euch gemeinsam mit den Solisten des Babylon Orchestra und den Reisebloggern Carolin Steig und Martin Merten von We Travel the World auf eine außergewöhnliche, musikalische Entdeckungstour. [short_introduction] => [search_tags] => , Dortmunder Philharmoniker , Motonori Kobayashi , Reiseblogger We Travel the World , Solisten des Babylon Orchestra Berlin , Sinfoniekonzert , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Musikalischer Reiseführer – Travelling through the Middle East

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Der Japaner Motonori Kobayashi kam nach Abschluss seines Studiums in Tokyo nach Deutschland, wo er Dirigieren und Korrepetiton an der Universität der Künste Berlin studierte. Bereits während seiner Studienzeit übernahm er die Musikalische Leitung einiger Opernproduktionen, u. a. »Carmen« und »Così fan tutte« in Tokyo sowie »Una cosa rara« in Berlin. Nach einem Engagement an der Rheinoper Düsseldorf/Duisburg kam er 2008/09 nach Dortmund als Zweiter Kapellmeister, wo er u. a. die Premieren von »Così fan tutte«, »L’elisir d´amore«, »Giulio Cesare«, »L’Italiana in Algeri« und »Lucia di Lammermoor« leitete. Seit der Saison 2013/14 ist Kobayashi Erster Kapellmeister und stellvertretender Generalmusikdirektor.

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Verdis »Maskenball« ist nicht nur auf der Bühne ein Dauerbrenner, auch auf CDs und natürlich DVDs findet sich die Oper unzählige Male. Großartige Sängerbesetzungen mit Luciano Pavarotti, Maria Callas oder Plácido Domingo reihen sich an Einspielungen unter der Leitung von Stardirigenten wie Claudio Abbado und Herbert von Karajan – eine große Auswahl für diesen Kopfhörer. [short_introduction] => In der Reihe »Kopfhörer« diskutieren die Musikwissenschaftler Noltze und Stegemann die Aufführungsgeschichte ausgewählter Werke anhand berühmter Aufnahmen. [search_tags] => , Prof. Dr. Holger Noltze , Prof. Dr. Michael Stegemann , Giuseppe Verdi Verdi: »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball«) Oper in drei Akten »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball«) Oper in drei Akten (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) , Vortrag , Kopfhörer , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Holger Noltze ist Musikjournalist und seit 2005 Professor für Musik und Medien an der TU Dortmund, wo er den Studiengang Musikjournalismus aufgebaut hat. Er studierte Germanistik, Hispanistik und Geschichte in Bochum und Madrid und promovierte über Wolframs »Parzival«. Von 2000 bis 2005 war Holger Noltze Ressortleiter Aktuelle Kultur beim Deutschlandfunk. Im WDR-Fernsehen moderierte er von 2001 bis 2015 die Gesprächsrunde »west.art Talk«. Zwischen 2013 und 2017 war er zudem Sprecher des »Rats für Kulturelle Bildung«. Holger Noltze ist mit Features und Beiträgen vor allem im WDR zu hören und schreibt als Musikjournalist und Literaturkritiker u. a. für »Opernwelt«, die Neue Zürcher Zeitung und die ZEIT.

Noltze veröffentlichte Bücher über Goethe (2007) und Wagner (2008) sowie die opern- und kulturgeschichtliche Darstellung »Liebestod. Wagner, Verdi, Wir« (Hoffmann und Campe, 2013). Außerdem publizierte er die Bände »Die Leichtigkeitslüge. Über Musik, Medien und Komplexität« (Edition Körber, 2010) und zusammen mit dem Pianisten Menahem Pressler »Dieses Verlangen nach Schönheit. Gespräche über Musik« (Edition Körber, 2016).

Holger Noltze ist zudem Mitgründer der Online-Plattform takt1.de für klassische Musik.

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Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Fünf Musikclowns und Vollblutmusiker aus den Niederlanden vereinen in einer turbulenten und grandios inszenierten Show komödiantisches Spiel und bravouröse Musikalität – und das auf über 100 Instrumenten. Liebevoll und spielfreudig erweisen sie dem Genre des Stummfilms die Ehre: Ihre Musik passt wie angegossen zu seinen Bildern und unvergesslichen Vertretern wie Charlie Chaplin, den Marx Brothers oder Laurel und Hardy. [short_introduction] => Fünf Musikclowns und Vollblutmusiker aus den Niederlanden vereinen in einer turbulenten und grandios inszenierten Show komödiantisches Spiel und bravouröse Musikalität. [search_tags] => , Cabaret + Chanson , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Der König seines Fachs

Er ist der neue Curating Artist: Countertenor Philippe Jaroussky. Seit Jahren fasziniert er Kritiker und Publikum mit technisch anspruchsvollsten Koloraturen genauso wie mit melancholisch-leisen Tönen. Auf dem Höhepunkt seiner Karriere ist er jetzt mit einer Reihe außergewöhnlicher Projekte im Konzerthaus zu erleben. So gestaltet er das »Heimspiel« Barockmusik nicht wie gewohnt als Sänger, sondern erstmals auch als Dirigent. Als Kurator stellt er den Organisten Thierry Escaich und die Sopranistin, Schauspielerin und Chansonnière Natalie Dessay im Konzerthaus vor. Doch singen wird der Franzose in Dortmund natürlich auch: Mit einem Arienabend widmet er sich den barocken Meistern Vivaldi und Händel und mit seinen Schützlingen der Académie Musicale Philippe Jaroussky beschließt er seine Residenz singend mit einer Nuit française.

Sein Curating-Artist-Festival beginnt Philippe Jaroussky mit einem Blick in die Zukunft: Er unterrichtet ausgewählte Gesangsstudenten unterschiedlicher Stimmfächer in einem öffentlichen Meisterkurs. [short_introduction] => Philippe Jaroussky unterrichtet ausgewählte Gesangsstudenten unterschiedlicher Stimmfächer in einem öffentlichen Meisterkurs. [search_tags] => , Philippe Jaroussky , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Philippe Jaroussky hat sich mittlerweile als einer der großen Sänger unserer Zeit international etabliert. Mühelos klettert seine Stimme in hohe Sopranlagen und bewältigt virtuoseste Koloraturen nuancenreich und mit schwebender Leichtigkeit. Kein Wunder, dass Philippe Jaroussky bereits zahlreiche Preise erhielt. 2010 bekam er seinen vierten »Victoire de la Musique« als »Sänger des Jahres«. Darüber hinaus war er 2013 nominiert in der Kategorie »Bester männlicher Opernsänger«. Ebenfalls als »Sänger des Jahres« wurde er 2008 mit einem »ECHO Klassik« ausgezeichnet – als erster Countertenor in der Geschichte dieses Preises. 2013 gewann er zusammen mit dem Ensemble Concerto Köln und dem Sänger Max Emanuel Cencic unter der Leitung von Diego Fasolis den »ECHO« für die »Beste Operneinspielung des Jahres« (Vincis »Artaserse«). Zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra und Andrea Marcon war sein Album »Farinelli – Porpora Arias« für den »Grammy Award« 2015 nominiert. Ebenfalls 2015 erhielt Philippe Jaroussky den »Händel-Preis« der Stadt Halle sowie den »ECHO Klassik« für die Welt-Ersteinspielung von Agostino Steffanis Oper »Niobe, regina di Tebe«.

Für seine bisherigen über 25 CD-Veröffentlichungen, die exklusiv bei Erato / Warner Classics erscheinen, bekam er u. a. für sein Vivaldi-Album »Heroes« (2007) die »Goldene Schallplatte« in Frankreich überreicht. Des Weiteren wurde diese CD u. a. mit einem »Diapason d’Or«, einem »Choc du Monde de la Musique« und einem »Gramophone Award« ausgezeichnet. Das Album »Carestini – Story of a Castrato« wurde mit einem »Victoire de la Musique« (2008) und einem »Midem Classical Award« (2009) prämiert. 2010 erhielt Philippe Jaroussky einen »Choc de l’année« des französischen Fachmagazins »Classica« für seine Einspielung »Caldara in Vienna« (mit Concerto Köln unter Emmanuelle Haïm). Mit einem »Diapason d’Or« wurde auch die CD »La Dolce Fiamma« (mit Opernarien Johann Christian Bachs) ausgezeichnet. Einen besonderen Erfolg konnte Philippe Jaroussky mit seinem CD-Projekt »Opium« 2009 feiern. Hier singt er Lieder des Fin de Siècle zusammen mit seinem Klavierpartner Jérôme Ducros. 2014 erschien eine Reihe von CDs mit Philippe Jaroussky, u. a. im Januar Pergolesi Stabat Mater mit Julia Lezhneva, I Barocchisti und Diego Fasolis, im Oktober 2014 Vivaldi (»Pietà – Sacred works«) mit seinem Ensemble Artaserse. Dieses Programm war auch im Anschluss an die Veröffentlichung auf einer internationalen Tournee u. a. in Südamerika, Spanien, Deutschland und Frankreich mit großem Erfolg zu hören. 2015 setzten sich die Veröffentlichungen fort: im Januar die Oper »Niobe« von Agostina Steffani mit Opernaufführungen auch im KONZERTHAUS DORTMUND und im Februar das Nachfolgeprojekt von »Opium«: »Green - Mélodies françaises sur des poèmes de Verlaine« mit einer Reihe von Konzerten u. a. in Baden Baden, Berlin, Düsseldorf, Frankfurt und Wien.

Schon diese kurze Aufzählung zeigt sein vielfältiges Repertoire. Neben den bekannten Arien der Barockzeit sucht er vergessenes Repertoire, etwa von Antonio Caldara, Johann Christian Bach und Nicola Porpora. Daneben widmet er sich aber auch den französischen Liedern sowie zeitgenössischen Kompositionen. Für Philippe Jaroussky ist u. a. das Werk »Sonnets de Louise Labé« für Countertenor und Orchester von Marc-Andre Dalbavie komponiert worden. 2012 wurde die auch eigens für ihn komponierte Oper »Caravaggio« von Suzanne Giraud uraufgeführt. Im März 2016 wirkte er in einer Uraufführung von Kaija Saarihos »Only the Sound Remains« in Amsterdam mit. Auch dieses Werk hat die Komponistin speziell für seine Stimme geschrieben.

Philippe Jaroussky tritt mit den renommiertesten Barockorchestern auf wie dem Venice Baroque Orchestra, Concerto Köln, Ensemble Matheus, Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre, Le Concert d’Astrée, Le Cercle de l’Harmonie, Freiburger Barockorchester und Europa Galante unter Dirigenten wie Andrea Marcon, Fabio Biondi, William Christie, Emmanuelle Haïm, René Jacobs, Marc Minkowski, Jérémie Rhorer und Jean-Christophe Spinosi. In der Saison 2015/16 war Philippe Jaroussky Artist in Residence im Konzerthaus Berlin. Während dieser Residenz zeigte er verschiedene Facetten seines Repertoires in fünf Konzertprogrammen von Monteverdi, Pergolesi und Scarlatti bis zum zeitgenössischen Dalbavie mit verschiedenen Partnern. Zudem singt Philippe Jaroussky zum ersten Mal auf Deutsch Kantaten von Bach und Telemann. In der Saison 2016/17 ist Philippe Jaroussky Artist in Residence beim NDR Elbphilharmonie Orchester. Auch hier präsentiert er dem Publikum ein breit gefächertes Repertoire. Auf der Opernbühne konnte man Philippe Jaroussky u. a. 2012 in der Produktion »Giulio Cesare« mit Cecilia Bartoli bei den »Salzburger Festspielen« hören. Die musikalische Zusammenarbeit mit Cecilia Bartoli spiegelt sich in weiteren gemeinsamen Opernproduktionen sowie der gegenseitigen Einladung zu CD-Einspielungen wider (»Farinelli« bzw. »Mission«). 2015 war Philippe Jaroussky in der Rolle des Ruggiero in Händels »Alcina« beim »Festival d’Aix-en-Provence« zu hören. In der Saison 2016/17 singt er diese Rolle in Zürich.

Philippe Jaroussky, geboren 1978, studierte zunächst Violine, Klavier und Komposition an den renommierten französischen Musikakademien von Versailles und Boulogne. Sein Gesangsstudium begann er 1996 bei Nicole Fallien, daran schlossen sich Studien in Alter Musik bei Michel Laplenie und Kenneth Weiss an der Pariser École de Musique National-Régional an.

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Im März 2019 erklärte Philippe Jaroussky noch: »In drei oder vier Jahren werde ich meine erste Barockoper dirigieren.« 2021 ist es im Konzerthaus schon so weit. Alessandro Scarlattis Oratorium »Il primo omicido« mit seinem hervorragenden Sängercast ist ein Counterfest – das Philippe Jaroussky erstmals vom Dirigentenpult mitgestaltet. [short_introduction] => [search_tags] => , Alessandro Scarlatti Scarlatti: »Il primo omicidio« Oratorium in zwei Teilen (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) »Il primo omicidio« Oratorium in zwei Teilen (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) , Konzertante Oper , Jean de Sainte-Colombe (Vater) , Bruno de Sà , Christophe Dumaux , Sandrine Piau , Kresimir Spicer , Yannis François , Paul-Antoine Bénos-Djian , Ensemble Artaserse , Philippe Jaroussky , Bruno de Sá , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Der 1979 geborene Christophe Dumaux nahm bereits als Teenager an Meisterkursen von Noëlle Barker und James Bowman teil und studierte anschließend am Conservatoire National Supérieur de Musique in Paris

Im Alter von nur 22 Jahren gab Christophe Dumaux im Juli 2002 sein offizielles Debüt als Eustazio in Händels »Rinaldo« beim »Festival de Radio France et Montpellier«. Die Produktion unter der musikalischen Leitung von René Jacobs war anschließend auch bei den »Innsbrucker Festwochen« und an der Berliner Staatsoper zu sehen. Eine Aufnahme wurde 2003 bei Harmonia Mundi veröffentlicht. Es folgten internationale Einladungen zu Opernproduktionen und Konzertengagements an den wichtigsten Häusern und Festivals – darunter die Metropolitan Oper New York, das »Glyndebourne Festival«, die Opéra National de Paris, das Theater an der Wien, die Opernhäuser in Chicago und Santa Fe, die Berliner Staatsoper, die »Salzburger Festspiele« sowie die Opernhäuser in München und Zürich.

Sein Repertoire umfasst die Rollen des Tamerlano (»Spoleto Festival«, USA), La Calisto (Luxemburg), Eliogabalo (La Monnaie in Brüssel), Sosarme (St. Gallen), Orlando (Théâtre des Champs-Elysées Paris); Unulfo in »Rodelinda«(Metropolitan Opera, Dallas); Tolomeo (Paris, Glyndebourne, Pittsburg, Barbican, Vienna, Chicago, Madrid); Armindo in»Agrippina« (Kopenhagen); Giasone (Vlaamse Opera); Fernando in »Don Chisciotte in Sierra Morena« (Amsterdam). Bisherige Engagements umfassen außerdem Neuproduktionen von »Jephta« unter Ivor Bolton und Brittens »Death in Venice« am Theater an der Wien.

2001 kehrte Christophe Dumaux für zwei Neuproduktionen an die Opéra de Paris zurück: »Akhmatova« von Bruno Mantovani und »Giulio Cesare« (in der Rolle des Tolomeo). Im gleichen Jahr gab er seine Debüts in den Titelrollen von »Giulio Cesare« im Schloss von Versailles und »Rinaldo« in Glyndebourne. Beide Produktionen wurden von der Kritik hoch gelobt.

2012 debütierte Dumaux bei den »Salzburger Festspielen« in einer Neuproduktion von »Giulio Cesare« und gab sein Debüt am Opernhaus Zürich. 2013 kehrt er an die Metropolitan Opera, die Opéra de Paris und nach Zürich zurück.

Konzerte führten ihn zu zwei Konzerten mit Cecilia Bartoli (»Semele« und »Giulio Cesare«) in den Salle Pleyel. Er gab außerdem ein Solo-Recital mit den Moscow Soloists und dem renommierten Freiburger Barockorchester und gab sein Debüt im berühmten Concertgebouw Amsterdam.

Dumaux veröffentlichte eine CD mit Bach-Arien, die bei Naïve/Ambroisie erschien, sowie eine Aufnahme von Pergolesis »Septem verba a Christo« bei Harmonia Mundi.

In dieser Saison kehrt Christophe Dumaux nach Zürich zurück und wird in Peter Sellars‘ Produktion von Purcells »Indian Queen« am Teatro Real Madrid und in Perm zu sehen sein.

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»Ein Maskenball« – der Titel der Oper »Un ballo in maschera« deutet nicht nur auf den Ort, an dem ein Mordanschlag auf den Grafen Riccardo verübt wird. Er beschreibt die gesamte Handlung, in der alle Protagonisten zwei Gesichter zeigen, stets irgendetwas verbergen und sich so in die Katastrophe manövrieren. Auch die Musik in Verdis Meisterwerk spiegelt diese Ambivalenz von Wahrhaftigkeit und Fiktion wider, wechselt stetig zwischen Tragödie und Komödie. Ein Glanzstück der Operngeschichte, mit dem der Komponist seinen Stil wesentlich weiterentwickelt hat und das bei unserer Exklusivkünstlerin Mirga in besten Händen ist. [short_introduction] => [search_tags] => , Giuseppe Verdi Verdi: »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball «) Oper in drei Akten »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball «) Oper in drei Akten (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) , Konzertante Oper , Mary Elizabeth Williams , Matteo Lippi , Simone Piazzola , Bongiwe Nakani , Harriet Eyley , City of Birmingham Symphony Orchestra , Mirga Gražinytė-Tyla , Giuseppe Verdi Verdi: »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball«) Oper in drei Akten »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball«) Oper in drei Akten (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) , Maestra Mirga , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Unter der Leitung seiner Chefdirigentin, der jungen litauischen Mirga Gražinytė-Tyla, ist das City of Birmingham Symphony Orchestra (CBSO) ein Aushängeschild des Musiklebens in Birmingham und den West Midlands sowie eines der führenden internationalen Orchester.

Das CBSO hat seinen Stammsitz in Birminghams Symphony Hall und gibt jährlich über 150 Konzerte in Birmingham, Großbritannien und im Ausland mit Musik von klassisch bis zeitgenössisch, Filmmusik und sogar Symphonic Disco. Mit einem umfangreichen Community-Music-Programm und einer Familie aus Chören und Jugendensembles ist es in jeder Facette des Musikmachens in den Midlands involviert. Im Mittelpunkt stehen dabei das Ensemble aus 75 hervorragenden Profimusikern und die 98-jährige Tradition des Musizierens auf Weltniveau im Herzen von Birmingham. Diese Tradition wurde durch das erste Sinfoniekonzert des Orchesters 1920 unter der Leitung von Edward Elgar begründet. 1980 begann mit dem jungen britischen Dirigenten Simon Rattle der internationale Aufstieg des CBSO. Rattles Nachfolger Sakari Oramo und Andris Nelsons festigten das weltweite Ansehen des Orchesters und bauten die Rolle des CBSO als Flaggschiff der Stadt Birmingham aus.

Im Februar 2016 verkündete das CBSO die Verpflichtung von Mirga Gražinytė-Tyla als Chefdirigentin ab September 2016. Mit Wurzeln in der großen Chortradition der baltischen Staaten (ihr Vater ist Chorleiter in Litauen) und nach ihrem Engagement als Musikdirektorin am Salzburger Landestheater leitet sie in Birmingham auch Opernprojekte und arbeitet eng mit Simon Halsey für Projekte mit dem international renommierten CBSO Chorus zusammen.

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Im Frühjahr 2019 erschien Mirga Gražinytė-Tylas Debüt-CD bei der Deutschen Grammophon. Sie begeisterte Kritiker und Zuhörer weltweit und wurde als maßgeblicher Beitrag zur Wiederentdeckung von Mieczysław Weinbergs Œuvre gefeiert. Die Aufnahmen entstanden in Kooperation mit dem City of Birmingham Symphony Orchestra, der Kremerata Baltica und Gidon Kremer, mit dem sie schon seit 2013 einen intensiven künstlerischen Austausch pflegt. Seit Beginn der Saison 2016/17 ist Mirga Gražinytė-Tyla Musikdirektorin des City of Birmingham Symphony Orchestra, wo sie in der Nachfolge von Dirigenten wie Sir Simon Rattle, Sakari Oramo und Andris Nelsons steht. 2020 feiert das City of Birmingham Symphony Orchestra sein 100-jähriges Bestehen und setzt seine umfangreiche Tourtätigkeit mit Konzerten in Deutschland, Frankreich, Belgien, der Schweiz und Österreich fort.

Als Kind einer Musikerfamilie im litauischen Vilnius aufgewachsen, studierte Mirga Gražinytė-Tyla zunächst Chor- und Orchesterdirigieren an der Grazer Universität für Musik und darstellende Kunst in Österreich. Anschließend vertiefte sie ihre Studien am Konservatorium in Bologna, an der Musikhochschule Leipzig und an der Zürcher Hochschule der Künste. Von 2011 bis 2014 wirkte sie als Kapellmeisterin am Theater und Orchester Heidelberg und am Konzert Theater Bern, bevor Sie ans Landestheater Salzburg wechselte, wo sie von 2015 bis 2017 Musikdirektorin war. International machte Mirga Gražinytė-Tyla 2012 auf sich aufmerksam, als sie bei den »Salzburger Festspielen« mit dem begehrten »Salzburg Festival Young Conductors Award« ausgezeichnet wurde. Auf ein Dudamel Fellowship beim Los Angeles Philharmonic folgten Einladungen zahlreicher Orchester und Opernhäuser weltweit. Von 2014 bis 2016 war Mirga Gražinytė-Tyla Assistant Conductor und von 2016 bis 2017 Associate Conductor des Los Angeles Philharmonic.

Der Pianist Martin Stadtfeld gab mit neun Jahren sein Konzertdebüt und studierte ab seinem 14. Lebensjahr an der Musikhochschule Frankfurt bei Lev Natochenny, seinerseits Schüler des legendären Lev Oborin. Die Reihe seiner Wettbewerbserfolge hatte ihren Höhepunkt im Jahr 2002, als er als erster bundesdeutscher Pianist den »Internationalen Johann-Sebastian-Bach-Wettbewerb Leipzig« gewann. Der Erste Preis dieses traditionsreichen Wettbewerbs, der zuvor 14 Jahre lang nicht vergeben worden war, öffnete dem Künstler endgültig die Türen zu den wichtigsten Konzertpodien Europas.

Die Bandbreite der von Martin Stadtfeld interpretierten Werke reicht von Bach über die Wiener Klassik bis hin zu den Werken der Romantik (Schumann, Liszt, Wagner, Brahms) und den großen romantisch-expressiven Klavierkonzerten wie Tschaikowsky und Rachmaninow. Konzertauftritte führen ihn in die wichtigsten Musikzentren und zu den großen Orchestern Europas, der USA und Japans. Er konzertiert mit Orchestern wie den Münchner Philharmonikern, der Academy of St Martin in the Fields, dem Leipziger Gewandhausorchester, der Staatskapelle Dresden, den Wiener Symphonikern, der Tschechischen Philharmonie und dem Mozarteum Orchester Salzburg. Neben regelmäßigen Auftritten auf den großen deutschen Konzertpodien gastiert er zudem in der Sumida Triphony Hall in Tokio, im Seoul Arts Center, National Center of Performing Arts in Peking, Wiener Konzerthaus und Musikverein, in der Tonhalle Zürich, im Concertgebouw Amsterdam und vielen weiteren international renommierten Konzerthäusern. Bei den großen Festivals wie den »Salzburger Festspielen«, dem »Rheingau Musik Festival«, dem »Schleswig-Holstein Musik Festival«, »Lockenhaus Festival«, der »Schubertiade Schwarzenberg« und dem »Menuhin Festival Gstaad« ist er regelmäßig zu Gast.

Martin Stadtfeld nimmt exklusiv für Sony Classical auf. Den furiosen Auftakt zu seinen zahlreichen Einspielungen machte 2003 seine CD mit Bachs »Goldberg-Variationen«, die in der Presse höchste Beachtung fand und zu seinem ersten »ECHO Klassik« als »Nachwuchskünstler des Jahres« führte. Auch für seine zweite CD »Bach Pur«, die Einspielung von Bachs Klavierkonzerten und seine CD mit zwei der großen Sonaten des Spätwerks von Franz Schubert wurde er mit dem »ECHO Klassik« ausgezeichnet. Es folgten das Buch I des »Wohltemperierten Klaviers« von Bach, das Album »Der junge Beethoven«, die CD »Deutsche Romantik« sowie die Einspielung dreier Klavierkonzerte von Bach mit dem Philharmonischen Kammerorchester München. Auf seiner aktuellen CD ist ein Live-Mitschnitt von Mendelssohns Klavierkonzerts Nr. 1 mit der Academy of St Martin in the Fields unter Sir Neville Marriner vom »Rheingau Musik Festival« zu hören sowie Solo-Werke von Mendelssohn.

Ein großes Anliegen des Künstlers ist es, Kindern und Jugendlichen in Schulen den Zugang zur klassischen Musik zu ermöglichen. So spricht Martin Stadtfeld bei regelmäßigen Schulbesuchen mit Schülern über seine Arbeit als Pianist, stellt ihnen die Musik vor und vermittelt so außerhalb des Konzertlebens auf eine unmittelbare, persönliche Art die Begeisterung für klassische Musik.

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Was sein Curating-Artist-Programm ausmacht und wie er sich seine Zukunft ausmalt, darüber spricht Jaroussky mit Intendant Raphael von Hoensbroech in einem Salon. Für musikalische Kostproben und Programmerläuterungen kommt das Publikum natürlich auch in den Genuss seiner Stimme. [short_introduction] => Im Gespräch mit Raphael von Hoensbroech spricht Philippe Jaroussky über sein Festival und seine Zukunft. [search_tags] => , Kammerkonzert , Philippe Jaroussky , Raphael von Hoensbroech , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Ein Arienabend mit dem von ihm gegründeten Ensemble Artaserse zeigt den Sänger ganz »klassisch« barock mit Werken von Vivaldi und Händel. [short_introduction] => [search_tags] => , Philippe Jaroussky , Ensemble Artaserse , Lieder-/Arienabend , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Als Kurator bringt Philippe Jaroussky befreundete Künstler ins Konzerthaus: Der Organist Thierry Escaich präsentiert sich mit französischem Repertoire. [short_introduction] => Der Organist Thierry Escaich präsentiert sich mit französischem Repertoire. [search_tags] => , Orgelkonzert , Thierry Escaich , César Franck Franck: Choral Nr. 2 h-moll FWV 39 Choral Nr. 2 h-moll FWV 39 , Nicolas de Grigny Grigny: Hymnus »Verbum supernum« Hymnus »Verbum supernum« , Thierry Escaich Escaich: »Évocation IV« Fantasie über Grignys »Verbum supernum« »Évocation IV« Fantasie über Grignys »Verbum supernum« , Thierry Escaich Escaich: Fantasie und Fuge (Improvisation) Fantasie und Fuge (Improvisation) , Thierry Escaich Escaich: Poèmes pour orgue (Auszüge) Poèmes pour orgue (Auszüge) , Thierry Escaich Escaich: Suite de danses improvisées Suite de danses improvisées , Olivier Messiaen Messiaen: ›Alleluias sereins d’une âme qui désire le ciel‹ aus »L’Ascension« ›Alleluias sereins d’une âme qui désire le ciel‹ aus »L’Ascension« , Olivier Messiaen Messiaen: ›Joie et clarté des corps glorieux‹ aus »Les corps glorieux« ›Joie et clarté des corps glorieux‹ aus »Les corps glorieux« , Maurice Duruflé Duruflé: Toccata aus Suite pour orgue op. 5 Toccata aus Suite pour orgue op. 5 , Curating Artist Philippe Jaroussky , Orgel im Konzerthaus , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Sopranistin, Schauspielerin und Chansonnière Natalie Dessay präsentiert gemeinsam mit ihrer Tochter Neïma Naouri Hits von Frank Sinatra, Duke Ellington und aus Broadway-Shows wie »West Side Story«, »Yentl« und »Funny Girl«. [short_introduction] => Sopranistin, Schauspielerin und Chansonnière Natalie Dessay singt Broadway-Klassiker. [search_tags] => , Lieder-/Arienabend , Natalie Dessay , Neïma Naouri , Leonard Bernstein Bernstein: Ouvertüre zu »West Side Story« Ouvertüre zu »West Side Story« , Leonard Bernstein Bernstein: ›Somewhere‹ aus »West Side Story« ›Somewhere‹ aus »West Side Story« , Leonard Bernstein Bernstein: ›Something’s coming‹ aus »West Side Story« ›Something’s coming‹ aus »West Side Story« , Leonard Bernstein Bernstein: ›I feel pretty‹ aus »West Side Story« ›I feel pretty‹ aus »West Side Story« , Leonard Bernstein Bernstein: ›Tonight‹ aus »West Side Story« ›Tonight‹ aus »West Side Story« , Cy Coleman Coleman: ›What you don’t know about women?‹ aus »City of angels« ›What you don’t know about women?‹ aus »City of angels« , Burton Lane Lane: ›On a clear day‹ aus »On a clear day you can see forever« ›On a clear day‹ aus »On a clear day you can see forever« , Stephen Sondheim Sondheim: ›On the steps of the palace‹ aus »Into the woods« ›On the steps of the palace‹ aus »Into the woods« , Stephen Sondheim Sondheim: ›Send in the clowns‹ aus »Little night music« ›Send in the clowns‹ aus »Little night music« , Michael Legrand Legrand: ›Papa can you hear me?‹ aus »Yentl« ›Papa can you hear me?‹ aus »Yentl« , Michael Legrand Legrand: ›A piece of sky‹ aus »Yentl« ›A piece of sky‹ aus »Yentl« , Michael Legrand Legrand: ›Mother and Child Duo‹ aus »Between yesterday and tomorrow« ›Mother and Child Duo‹ aus »Between yesterday and tomorrow« , Michael Legrand Legrand: ›Between yesterday and tomorrow‹ aus »Between yesterday and tomorrow« ›Between yesterday and tomorrow‹ aus »Between yesterday and tomorrow« , Jule Styne Styne: ›Don’t rain on my parade‹ aus »Funny girl« ›Don’t rain on my parade‹ aus »Funny girl« , Jule Styne Styne: ›People‹ aus »Funny girl« ›People‹ aus »Funny girl« , George Gershwin Gershwin: ›I got rhythm‹ aus »Crazy girl« ›I got rhythm‹ aus »Crazy girl« , Roger Kelleway Kelleway: »A place that you want to call home« »A place that you want to call home« , Franck Loesser Loesser: ›Luck be a lady‹ aus »Guys and dolls« ›Luck be a lady‹ aus »Guys and dolls« , Jule Styne Styne: »Let it snow« »Let it snow« , Frank Sinatra Sinatra: »I’m a fool to want you« »I’m a fool to want you« , Irving Berlin Berlin: ›There’s no business like show business‹ aus »Annie get your gun« ›There’s no business like show business‹ aus »Annie get your gun« , Duke Ellington Ellington: »It don’t mean a thing« »It don’t mean a thing« , Curating Artist Philippe Jaroussky , Cabaret + Chanson , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Philippe Jaroussky und Musiker der 2017 von ihm eröffneten Académie Musicale gestalten einen Abend mit französischen Melodien. [short_introduction] => Philippe Jaroussky und Musiker der 2017 von ihm eröffneten Académie Musicale gestalten einen Abend mit französischen Melodien. [search_tags] => , Lieder-/Arienabend , Philippe Jaroussky , Studierende der Académie Musicale Philippe Jaroussky , Geneviève Laurenceau , Christian-Pierre La Marca , David Kadouch , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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[image] => /page/artist_img/280x167/bild_192010.jpg [event_role] => Countertenor [artist_role] => Countertenor [artist_id] => 192010 ) [1] => Array ( [name] => Studierende der Académie Musicale Philippe Jaroussky [firstName] => [role] => [role_attr] => [gibbet_bio] => 0 [biography] => [image] => [event_role] => [artist_role] => [artist_id] => 223794 ) [2] => Array ( [name] => Laurenceau [firstName] => Geneviève [role] => Violine [role_attr] => [gibbet_bio] => 0 [biography] => [image] => [event_role] => Violine [artist_role] => Violine [artist_id] => 223795 ) [3] => Array ( [name] => La Marca [firstName] => Christian-Pierre [role] => Violoncello [role_attr] => [gibbet_bio] => 0 [biography] => [image] => [event_role] => Violoncello [artist_role] => Violoncello [artist_id] => 223796 ) [4] => Array ( [name] => Kadouch [firstName] => David [role] => Klavier [role_attr] => [gibbet_bio] => 1 [biography] =>

David Kadouch entwickelt sich zu einem der meist gefragten Pianisten seiner Generation. Seit er 2005 Preisträger der »Beethoven Competition Bonn« und 2009 der »Leeds International Piano Competition« wurde, ist er regelmäßiger Gast bei den renommiertesten Orchestern, Recital-Serien und internationalen Festivals. 2011 gewann er den »International Classical Music Award« in der Kategorie »Young Artist of the Year« und wurde von französischen Kritikern zum »Artist Breakthrough of the Year« gewählt.

Vergangene Auftritte waren etwa mit Schumanns Klavierkonzert in Mülhausen, Bachs Konzert für drei Klaviere d-moll im Salle Pleyel in Paris, Poulencs Konzert für zwei Klaviere und Orchester d-moll mit dem BBC Symphony Orchestra, Beethovens Drittem Klavierkonzert mit der Hong Kong Sinfonietta sowie Recitals in Istanbul, Aix-en-Provence und Lüttich. Orchesterkonzerte umfassten u. a. Auftritte mit dem Orchestre National de Lyon unter Leonard Slatkin, beim »Verbier Festival« unter Charles Dutoit, mit dem Tonhalle-Orchester Zürich unter David Zinman, beim »Contemporary Music Festival« in Luzern unter Pierre Poulez sowie mit dem Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, Orchestre National de Lille, Gulbenkian Orchestra und Israel Philharmonic Orchestra. Seine Zusammenarbeit mit Daniel Barenboim führte ihn u. a. 2008 nach Jerusalem und 2009 nach Ramallah.

2010 gab David Kadouch mit einem Auftritt im Metropolitan Museum of Art sein Recital-Debüt in New York. Weitere Recitals führten ihn ins Louvre in Paris, zum »Verbier Festival« (2009 erhielt er dort den »Prix d’Honneur«), »Klavier-Festival Ruhr«, »Gstaad Menuhin Festival«, »Montreux Festival«, »Gilmore International Keyboard Festival« und »Jerusalem International Chamber Music Festival«. Zu seinen Kammermusikpartnern gehören etwa das Cuarteto Quiroga, Quatuor Ebène und Quatuor Ardeo sowie Radovan Vlatković, Frans Helmerson, Nikolaj Znaider, Antoine Tamestit und Renaud Capuçon. Zudem spielte er gemeinsam mit Itzhak Perlman Schumanns Klavierquintett in der Carnegie Hall.

Kadouchs Diskografie umfasst u. a. einen Live-Mittschnitt von Beethovens Fünftem Klavierkonzert (»Emperor«) mit dem Kölner Kammerorchester bei Naxos; zudem Einspielungen von Mussorgskys »Bilder einer Ausstellung«, Medtners Sonate »Réminiscence« und Taneyevs Präludium und Fuge op. 29 bei Mirare, von Schumanns Dritter Klaviersonate und seinem Klavierquintett mit dem Quatuor Ardeo bei Decca sowie von sämtlichen Präludien Schostakowitschs bei TransArt Live. Er hat außerdem bei Daniel Barenboims DVD-Projekt mit sämtlichen Beethoven-Klaviersonaten mitgewirkt, bei dem auch Nachwuchskünstler bei Auftritten und in Meisterklassen begleitet wurden.

Davide Kadouch wurde in Nizza geboren und studierte am Konservatorium seiner Heimatstadt bei Odile Poisson. Mit 14 Jahren ging er ans Pariser Konservatorium in die Klasse von Jacques Rouvier. Nachdem er dort mit dem »Premier prix« abschloss, setzte der sein Studium an der Escuela Superior de Música Reina Sofía in Madrid bei Dmitri Bashkirov und Ralf Gothóni fort.

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Zum Abschluss seines Festivals präsentiert sich Jaroussky in einem Late-Night-Konzert gemeinsam mit DJ Chloé, die nicht einfach auflegt, sondern live produziert. [short_introduction] => Zum Abschluss seines Festivals präsentiert sich Jaroussky in einem Late-Night-Konzert gemeinsam mit DJ Chloé, die nicht einfach auflegt, sondern live produziert. [search_tags] => , Konzert-Experiment , DJ Chloé , Philippe Jaroussky , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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[short_introduction] => [search_tags] => , Neue Philharmonie , Neue Philharmonie Westfalen , Andreas Schulz , Ivan Denisenko , Franz Anton Hoffmeister Hoffmeister: Konzert für Oboe und Orchester C-Dur Konzert für Oboe und Orchester C-Dur , Wolfgang Amadeus Mozart Mozart: Sinfonie Nr. 35 D-Dur KV 385 »Haffner-Sinfonie« Sinfonie Nr. 35 D-Dur KV 385 »Haffner-Sinfonie« , Franz Schubert Schubert: Sinfonie Nr. 5 B-Dur D 485 Sinfonie Nr. 5 B-Dur D 485 , Sinfoniekonzert , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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[short_introduction] => [search_tags] => , Israel Philharmonic Orchestra , Lahav Shani , Nikolaj Szeps-Znaider , Johannes Brahms Brahms: Konzert für Violine und Orchester D-Dur op. 77 Konzert für Violine und Orchester D-Dur op. 77 , Dmitri Schostakowitsch Schostakowitsch: Sinfonie Nr. 5 d-moll op. 47 Sinfonie Nr. 5 d-moll op. 47 , Sinfoniekonzert , Internationale Orchester III – Sonntags um Vier , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Lahav Shani hat sich als einer der gefragtesten jungen Dirigenten etabliert und beeindruckt mit seiner erstaunlichen Reife und natürlicher, instinktiver Musikalität. Seit September 2018 ist er Chefdirigent beim Rotterdam Philharmonic. In der Saison 2020/21 übernimmt Lahav Shani zudem die Künstlerische Leitung des Israel Philharmonic Orchestra als Nachfolger von Zubin Mehta, der diese Position 50 Jahre lang innehatte. Seit der Saison 2017/18 ist er Principal Guest Conductor der Wiener Symphoniker.

Im Juni 2016 gab Shani sein Debüt beim Rotterdam Philharmonic Orchestra als Dirigent und Solo-Pianist. Nur zwei Monate später wurde seine Ernennung zum Chefdirigenten verkündet und er wurde der jüngste Chefdirigent in der Geschichte des Orchesters. In seiner ersten Spielzeit in dieser Funktion leitete Lahav Shani Konzerte in Europa, China und Taiwan. Im Frühjahr 2020 wird er mit dem Orchester auf eine Tournee durch die USA gehen.

Shanis enge Beziehung zum Israel Philharmonic Orchestra begann vor über zehn Jahren. Er gab sein Debüt bei diesem Orchester im Alter von 16 Jahren und spielte mit 18 Jahren Tschaikowskys Klavierkonzert unter der Leitung von Zubin Mehta. Seitdem spielte er dort auch regelmäßig als Kontrabassist im Orchester. 2013, nach dem Gewinn des »Gustav-Mahler-Dirigentenwettbewerb« in Bamberg, lud ihn das Israel Philharmonic Orchestra ein, als Einspringer seine Saisoneröffnungskonzerte zu leiten. Er kehrte daraufhin jedes Jahr als Dirigent und als Pianist zurück und leitete auch das Abschlusskonzert der Feierlichkeiten zum 80. Jubiläum des Orchesters im Dezember 2016. Ab der Saison 2019/20 wird er die Position des Music Director Designate innehaben.

Lahav Shani arbeitet regelmäßig mit der Staatskapelle Berlin zusammen, sowohl in Opernproduktionen an der Staatsoper Berlin als auch in sinfonischen Konzerten. Aktuelle Engagements als Gastdirigent umfassen Konzerte mit den Wiener Philharmonikern, dem Gewandhausorchester Leipzig, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, den Berliner Philharmonikern, dem London Symphony Orchestra, Boston Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Philadelphia Orchestra, Budapest Festival Orchestra, Orchestre de Paris und Philharmonia Orchestra.

1989 in Tel Aviv geboren, begann Shani mit sechs Jahren sein Klavierstudium bei Hannah Shalgi und später bei Arie Vardi an der Buchmann-Mehta Musikschule in Tel Aviv. Danach absolvierte er sein Dirigierstudium bei Christian Ehwald und sein Klavierstudium bei Fabio Bidini an der Hochschule für Musik »Hanns Eisler« Berlin. Während seines Studiums unterstützte auch Daniel Barenboim seine Karriere.

Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Gabriel Feltz studierte Dirigieren und Klavier an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin. Nach dem Studium war er Assistent bei Gerd Albrecht an der Hamburgischen Staatsoper, weitere Engagements führten ihn an die Städtischen Bühnen Lübeck und das Theater Bremen. Von 2001 bis 2005 war er Generalmusikdirektor am Theater Altenburg-Gera, eine Position, die er von 2004 bis 2013 auch bei den Stuttgarter Philharmonikern innehatte. Ab der Spielzeit 2013/14 ist er Generalmusikdirektor der Stadt Dortmund und Chefdirigent der Dortmunder Philharmoniker. Seit 2008 ist er zudem 1. Gastdirigent am Theater Basel. Er arbeitete u.a. mit der Sächsischen Staatskapelle Dresden, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Konzerthausorchester Berlin, der Staatskapelle Weimar, den Bamberger Symphonikern, dem Orchester der De Vlaamse Opera Antwerpen, den Grazer Philharmonikern, dem KBS Symphony Orchestra Seoul und dem China National Symphony Orchestra zusammen.

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[short_introduction] => [search_tags] => , Clara Schumann Schumann: Drei Lieder nach Gedichten von Heine Drei Lieder nach Gedichten von Heine , Robert Schumann Schumann: Streichquartett Nr. 1 a-moll op. 41 Nr. 1 Streichquartett Nr. 1 a-moll op. 41 Nr. 1 , Johannes Brahms Brahms: Fünf Ophelia-Lieder Fünf Ophelia-Lieder , Aribert Reimann Reimann: »Die schönen Augen der Frühlingsnacht« »Die schönen Augen der Frühlingsnacht« , Robert Schumann Schumann: Sechs Gesänge op. 107 Sechs Gesänge op. 107 , Anna Lucia Richter , Schumann Quartett , Clara Schumann Schumann: Drei Lieder nach Gedichten von Heinrich Heine Drei Lieder nach Gedichten von Heinrich Heine Fassung für Sopran und Streichquartett von Aribert Reimann , Johannes Brahms Brahms: Fünf Ophelia-Lieder Fünf Ophelia-Lieder Fassung für Gesang und Streichquartett von Aribert Reimann , Robert Schumann Schumann: Sechs Gesänge op. 107 Sechs Gesänge op. 107 Fassung für Sopran und Streichquartett von Aribert Reimann , Lieder-/Arienabend , Junge Wilde , Aribert Reimann Reimann: »Die schönen Augen der Frühlingsnacht« Sechs Lieder von Theodor Kirchner »Die schönen Augen der Frühlingsnacht« Sechs Lieder von Theodor Kirchner , Gustav Mahler Mahler: »Lieder aus ›Des Knaben Wunderhorn‹« und »Rückert-Lieder« (Auszüge) »Lieder aus ›Des Knaben Wunderhorn‹« und »Rückert-Lieder« (Auszüge) , Anton Webern Webern: Langsamer Satz für Streichquartett Es-Dur Langsamer Satz für Streichquartett Es-Dur , Richard Wagner Wagner: »Wesendonck-Lieder« WWV 91 (Auszüge) »Wesendonck-Lieder« WWV 91 (Auszüge) , Anton Webern Webern: Sechs Bagatellen für Streichquartett op. 9 Sechs Bagatellen für Streichquartett op. 9 , Henri Marteau Marteau: Acht Lieder op. 10 (Auszüge) Acht Lieder op. 10 (Auszüge) , Hugo Wolf Wolf: »Mörike-Lieder« (Auszüge) »Mörike-Lieder« (Auszüge) , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Anna Lucia Richter erhielt ihre Ausbildung bei Kurt Widmer in Basel und schloss ihr Gesangsstudium bei Klesie Kelly-Moog an der Musikhochschule Köln ab. Die Solistin gewann bereits zahlreiche internationale Preise wie den »Borletti-Buitoni Trust Award«.

Als Konzertsängerin ist Anna Lucia Richter gern gesehener Gast beim »Lucerne Festival«. Weitere Konzerthöhepunkte der letzten Zeit waren Auftritte mit dem Orchestre de Paris sowie dem NDR Elbphilharmonie Orchester jeweils unter Thomas Hengelbrock, dem Orchester der Accademia Nazionale di Santa Cecilia und Daniel Harding, dem London Symphony Orchestra und Bernard Haitink, dem hr-Sinfonieorchester und Paavo Järvi, dem Budapest Festival Orchestra und Iván Fischer – zuletzt bei den »BBC Proms« – oder mit Arcangelo unter Jonathan Cohen.

Die aktuelle Saison steht ganz im Zeichen von Mahlers Sinfonie Nr. 4, u. a. beim NHK Symphony Orchestra unter Paavo Järvi, auf Tournee mit Teodor Currentzis sowie mit dem London Symphony Orchestra unter Bernard Haitink in London und Paris.

Ein besonderes Anliegen ist Anna Lucia Richter der Liedgesang. Sie ist mit einem umfangreichen Repertoire in allen großen Liedzentren zu Gast. Ihr US-Debüt gab sie mit drei Liederabenden im New Yorker Park Avenue Armory mit Gerold Huber, ein weiteres US-Recital in der Weill Hall der Carnegie Hall mit ihrem viel beachteten und außergewöhnlichen Liederkreis-Programm, begleitet von Michael Gees. Zum Kernrepertoire der Künstlerin zählt Johann Sebastian Bach: Ein Kammerkonzert mit Liedern aus »Schemellis Gesangbuch«, bereits auf CD (Alpha) erschienen, führt sie diese Saison u. a. in die Philharmonie Essen und die Elbphilharmonie Hamburg. Ihr neues Schubert-Liedprogramm präsentiert sie Anfang 2019 mit Gerold Huber in der Philharmonie Luxembourg und im KONZERTHAUS DORTMUND, wo für sie eine dreijährige Residenz als »Junge Wilde« beginnt. Gleichzeitig wird das Programm auf CD erscheinen.

[image] => /page/artist_img/280/bild_222935.jpg [event_role] => Mezzosopran [artist_role] => Servilia [artist_id] => 222935 ) [1] => Array ( [name] => Schumann Quartett [firstName] => [role] => Erik Schumann, Violine · Ken Schumann, Violine · Liisa Randalu, Viola · Mark Schumann, Violoncello [role_attr] => [gibbet_bio] => 1 [biography] =>

Das Schumann Quartett ist dort angekommen, wo alles möglich ist, weil man auf Sicherheiten verzichtet. Das schließt auch das Publikum mit ein, das sich Abend für Abend auf alles gefasst machen muss: »So wirklich entwickelt sich ein Werk nur live«, sagen sie, »Das ist ›the real thing‹, weil wir vorher selbst nie wissen, was passiert. Spätestens auf der Bühne fällt jede Imitation weg, man wird automatisch ehrlich zu sich selbst. Dann kann man in der Musik eine Verbindung mit dem Publikum herstellen, kommunizieren.« Die Live-Situation wird in naher Zukunft noch weiter aufgeladen: Sabine Meyer, Menahem Pressler, Albrecht Mayer, Kit Armstrong, Edgar Moreau und Anna Lucia Richter zählen zu den aktuellen Partnern der Vier.

Highlight der Saison 2017/18 ist weiterhin die bereits im Dezember 2016 begonnene, drei Jahre währende Residenz bei der Chamber Music Society des Lincoln Centers in New York.Das Schumann Quartett wird auf USA-Tour gehen und zu Gast bei Festivals in Südamerika, Italien und der Schweiz sowie bei der Salzburger »Mozartwoche« und beim »Mozartfest Würzburg« sein. Konzerte geben die Musiker in den großen Musikmetropolen London, Hamburg, Berlin, Amsterdam, Florenz und Paris. Darüber hinaus sind sie »artisteétoile« bei den Oraniensteiner Konzerten und freuen sich auch wieder auf die zwei Konzerte im Rahmen ihrer Residenz am Robert-Schumann-Saal in Düsseldorf.

Ihr aktuelles Album »Landscapes«, in dem sie den eigenen Wurzeln nachspüren und Werke von Haydn, Bartók, Takemitsu und Pärt kombinieren, erfreut sich national und international bester Resonanz, wurde u. a. mit fünf »Diapason d’Or« ausgezeichnet und war »Editor’s choice« beim »BBC Music Magazine«. Für ihr vorhergehendes Album mit Werken von Mozart, Ives und Verdi waren sie bereits 2016 als »Best Newcomer« mit dem »BBC Music Magazine Award« ausgezeichnet worden.

Seit ihrer frühesten Kindheit spielen die drei Brüder Mark, Erik und Ken Schumann zusammen. 2012 ist die in Tallinn geborene und in Karlsruhe aufgewachsene Liisa Randalu als Bratschistin dazugekommen. Immer wieder bemerken Außenstehende, wie stark die Bindung zwischen ihnen ist. Die Vier genießen die nonverbale Kommunikation: »Ein Blick, und ich weiß, wie er/sie die Musik in dem Moment spielen möchte.« Unterschiedliche Persönlichkeiten treten deutlicher hervor, gleichzeitig entsteht in jedem musikalischen Werk ein gemeinsamer Raum, findet eine geistige Metamorphose statt. Vielleicht sind diese Offenheit und Neugierde die entscheidenden Einflüsse von Lehrern wie Eberhard Feltz oder Partnern wie Menahem Pressler; weitere sind ihre Veröffentlichungen, das Studium beim Alban Berg Quartett, die Residenz auf Schloss Esterházy sowie der Gewinn des renommierten »Concours de Bordeaux« und des Ponto Preises.

Preise, Lehrer, musikalische Partner – gerne werden Stufen konstruiert, um herzuleiten, warum viele das Schumann Quartett heute zu den besten überhaupt zählen. Die Vier fassen solche Daten eher als Begegnungen auf, als Bestätigung für ihren Weg. Sie empfinden die musikalische Entwicklung der letzten zwei Jahre als Quantensprung. »Wir haben Lust darauf, es bis zum Äußersten zu treiben, zu probieren, wie die Spannung und unsere gemeinsame Spontaneität trägt«, sagt Ken Schumann, der mittlere der drei Schumann-Brüder. Versuche, ihnen einen Klang, eine Position, eine Spielweise zuzuordnen, hebeln sie charmant aus, lassen allein die Konzerte für sich sprechen. Und Kritiker geben ihnen recht: »Feuer und Energie. Das Schumann Quartett spielt umwerfend gut. Zweifellos eine der allerbesten Formationen der jetzigen Quartettblüte – blitzende Virtuosität und Überraschungsbereitschaft« (»Süddeutsche Zeitung«). Ausreichend Raum für nächste Abenteuer.

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[short_introduction] => [search_tags] => , Wolfgang Amadeus Mozart Mozart: Sonate für Klavier Nr. 18 D-Dur KV 576 Sonate für Klavier Nr. 18 D-Dur KV 576 , Ludwig van Beethoven Beethoven: Sonate für Klavier Nr. 32 c-moll op. 111 Sonate für Klavier Nr. 32 c-moll op. 111 , Franz Schubert Schubert: Sonate für Klavier B-Dur D 960 Sonate für Klavier B-Dur D 960 , Elisabeth Leonskaja , Klavierabend , Meisterpianisten , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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The Art of the Duo

Zwei Duos, vier Ausnahmekönner wagen sich auf einen musikalischen Seiltanz ohne Netz und doppelten Boden. Während Vincent Peirani und Émile Parisien die Klangfarben von Akkordeon und Saxofon miteinander verschmelzen lassen, ergänzen sich mit Nils Wülker und Arne Jansen zwei Songwriter des Jazz an Trompete und Gitarre. [short_introduction] => Zwei Duos, vier Ausnahmekönner wagen sich auf einen musikalischen Seiltanz ohne Netz und doppelten Boden. [search_tags] => , Émile Parisien , Vincent Peirani , Nils Wülker , Arne Jansen , Jazz , JazzNights , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Große Passion

Gerade einmal 14 Jahre jung ist das Ensemble Pygmalion, das 2006 anlässlich des »Europa Bach Festivals« von Raphaël Pichon gegründet wurde. In kürzester Zeit etablierte sich der Orchester und Chor umfassende Klangkörper zu einem der interessantesten jungen Ensembles für historische Aufführungspraxis. Sein musikalischer Leiter Pichon wird als derzeit spannendster Bach-Dirigent gehandelt. Mit Bachs Matthäus- Passion eine Woche vor Ostern gibt er sein Konzerthaus-Debüt. [short_introduction] => [search_tags] => , Hana Blažíková , Maïlys de Villoutreys , Lucile Richardot , Robin Tritschler , Johann Sebastian Bach Bach: Passio secundum Matthaeum (Matthäus-Passion) BWV 244 Passio secundum Matthaeum (Matthäus-Passion) BWV 244 , Chorkonzert , Thomas Hobbs , Julian Prégardien , Stéphane Degout , Ensemble Pygmalion , Tim Mead , Christian Immler , Raphaël Pichon , Chorklang , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Der Countertenor Tim Mead wird für seinen eleganten und warmen Ton, seine makellose Technik und stilvolle Interpretationen gelobt. Seine virtuosen Auftritte haben international Aufmerksamkeit erregt und ihn als einen der besten Countertenöre bekannt gemacht. Engagements in der Saison 2015 /16 umfassen die Rolle des Oberon in Brittens »A Midsummer Night’s Dream« an der Glyndebourne Festival Opera und der Bergen National Opera, George Benjamins »Written on Skin« am Lincoln Center und auf Tour mit dem Mahler Chamber Orchestra sowie Arsamene in Cavallis »Xerse« mit Le Concert d’Astrée an der Opéra de Lille, am Theater an der Wien und am Théâtre de Caen. Im Mai 2016 singt Tim Mead im Programm »Melancholia« des Theater Basel. Er kehrt für »Messias»-Aufführungen zum New York Philharmonic zurück, macht eine Spanien-Tournee mit dem Gabrieli Consort und singt Bachs h-moll-Messe mit Les Arts Florissants und William Christie in Frankreich und Spanien. Höhepunkte der letzten Saison waren die Uraufführung von Theo Loevendies »Spinoza« am Concertgebouw Amsterdam, Bachs h-moll-Messe mit dem English Concert, »Messias« mit der Handel and Haydn Society und der Academy of Ancient Music, ein Liederabend in Rom, die Titelrolle in Philip Glass’ »Akhnaten« an der Opera Vlaanderen und die Titelrolle in Händels »Riccardo Primo« am Opera Theatre of Saint Louis.

Wichtige Opernengagements waren Händels »Rinaldo« in Glyndebourne, »La Calisto« an der Bayerischen Staatsoper, Deborah Warners Produktion von Brittens »Death in Venice« an der English National Opera und der Nederlandse Opera, George Benjamins »Written on Skin« am Théâtre du Capitole Toulouse und Gulbenkian Lissabon sowie »Julius Caesar in Egypt« an der English National Opera. Konzerte hat Tim Mead u. a. mit dem New York Philharmonic, Orchestra of the Age of Enlightenment, Le Concert d’Astrée, Royal Scottish National Orchestra, Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai, Accademia Bizantina und Concerto Köln gegeben. Bachs Weihnachtsoratorium sang er mit Les Arts Florissants, Bachs Magnificat mit Le Concert d’Astree, Bachs Matthäus-Passion beim »London Handel Festival« mit der Nederlandse Bachvereniging, Händels »Theodora« mit The English Concert, Händels »Solomon« mit der Akademie für Alte Musik, Händels »Judas Maccabäus« mit dem Orchestra of the Age of Enlightenment, Händels »Saul« mit dem Dresdner Barockorchester, Händels »Joseph und seine Brüder« bei den »Internationalen Händel-Festspielen Göttingen«, Händels »Susanna« mit der Early Opera Company und Dusapins »La Melancholia« mit dem SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. Mead arbeitet mit renommierten Dirigenten wie Alan Gilbert, Ivor Bolton, William Christie, Laurence Cummings, Christian Curnyn, Alan Curtis, Ottavio Dantone, Paul Goodwin, Emmanuelle Haïm, Vladimir Jurowski, Nicholas McGegan, Marc Minkowski und Masaaki Suzuki.

Tim Meads Diskografie umfasst Bachs Matthäus-Passion und h-moll-Messe, die Händel-Oratorien »Messias«, »Saul«, »Solomon«, »Israel in Egypt« und »The triumph of time and truth«, die Händel-Opern »Admeto«, »Flavio«, »Riccardo Primo« und »Rinaldo« sowie Monteverdis »L’incoronazione di Poppea«. Aufnahmen hat er u. a. für EMI Classics, Harmonia Mundi, Opus Arte, Chandos und Linn Records gemacht. Mead war Chorknabe am King’s College in Cambridge, bevor er seine Gesangsstudien als Stipendiat am Royal College of Music fortsetzen konnte.

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Julian Prégardien wurde 1984 in Frankfurt geboren und erhielt seine erste musikalische Bildung in den Chören der Limburger Dommusik. Nach Studien in Freiburg und im Rahmen der Akademie des Opernfestivals in Aix en Provence war er von 2009 bis 2013 Ensemblemitglied der Oper Frankfurt. Parallel entwickelte sich seine internationale Konzerttätigkeit. Inzwischen ist der Tenor ein international herausragender Vertreter der jungen Sängergeneration.

Als Opernsänger gastierte er beim »Festival d’Aix en Provence«, an der Hamburgischen und Bayerischen Staatsoper sowie an der Opéra Comique in Paris. 2018 debütierte er bei den »Salzburger Festspielen« in Richard Strauss’ »Salome« mit den Wiener Philharmonikern unter Leitung von Franz Welser-Möst. 2019 folgte sein Debüt in einer Neuproduktion von Mozarts »Zauberflöte« an der Staatsoper Berlin unter der Leitung von Alondra de la Parra. In der Saison 2020/21 kehrt er an die Staatsoper Berlin zurück und wird in einer Neuproduktion von Strauss’ »Salome« im Festspielhaus Baden-Baden unter der Leitung von Valery Gergiev singen. Höhepunkte der jüngsten Vergangenheit im Konzertbereich waren Auftritte mit den Münchner Philharmonikern, dem Orchestre Symphonique de Montréal und dem Chor des Bayerischen Rundfunks. Anfang März 2020 debütierte er beim Cleveland Orchestra mit Mendelssohns »Lobgesang« unter Franz Welser-Möst.

Julian Prégardien ist Exklusivkünstler des Labels Alpha Classics. Er ist Professor für Gesang an der Hochschule für Musik und Theater München, Mitglied des Schumann-Netzwerkes und Künstlerischer Leiter der Brentano-Akademie Aschaffenburg.

Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Aufgrund der aktuellen Entwicklungen in der Corona-Pandemie müssen wir bedauerlicherweise alle bis zum 31. März 2021 im Konzerthaus geplanten Veranstaltungen absagen.

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Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Das SWR Symphonieorchester ist hervorgegangen aus der Zusammenführung des Radio-Sinfonieorchesters Stuttgart des SWR und des SWR Sinfonieorchesters Baden-Baden und Freiburg im September 2016. Seit der Gründung 1945/46 formten profilierte Chefdirigenten die SWR-Orchester: In Baden-Baden/Freiburg waren es Hans Rosbaud, Ernest Bour, Michael Gielen, Sylvain Cambreling und François-Xavier Roth, in Stuttgart Hans Müller-Kray, Sergiu Celibidache, Sir Neville Marriner, Gianluigi Gelmetti, Georges Prêtre, Sir Roger Norrington und Stéphane Denève. Zu Beginn der Saison 2018/19 trat Teodor Currentzis sein Amt als Chefdirigent des SWR Symphonieorchesters an. Mit Currentzis steht damit einer der international gefragtesten Dirigenten an der Spitze des Orchesters.

Zum Profil des SWR Symphonieorchesters gehören neben der Neuen Musik die sinfonische Orchesterliteratur vorangegangener Epochen, Interpretationsansätze aus der historisch informierten Aufführungspraxis und Musikvermittlung an alle Altersstufen.

Dirigenten von Weltrang wie Christoph Eschenbach, Herbert Blomstedt, David Zinman, Peter Eötvös, Sir Roger Norrington, Ingo Metzmacher, Kent Nagano, Eliahu Inbal, Michael Sanderling, Jakub Hrůša und Omer Meir Wellber sind beim SWR Symphonieorchester zu Gast. Unter den hochkarätigen Solisten finden sich u. a. als Artists in Residence Nicolas Altstaedt, Antoine Tamestit, Gil Shaham und Tzimon Barto sowie viele weitere Gastsolisten, darunter Hilary Hahn, Fazıl Say, Julia Fischer, Mischa Maisky, Patricia Kopatchinskaja, Martin Grubinger, Renaud Capuçon und Janine Jansen.

Neben zahlreichen Auftritten in den SWR-eigenen Konzertreihen in Stuttgart, Freiburg und Mannheim ist das SWR Symphonieorchester bei den »Donaueschinger Musiktagen« und den »Schwetzinger SWR Festspielen« präsent. Einladungen führten bzw. führen das SWR Symphonieorchester u. a. nach Wien, London, Salzburg, München, Edinburgh, Dortmund, Warschau, Essen, Basel, Frankfurt und Tallinn, wiederholt in die Elbphilharmonie Hamburg, zum »Rheingau Musik Festival«, »Heidelberger Frühling«, »Festival Acht Brücken« in Köln und »Musikfest Berlin«, auf Spanien- und China-Tourneen, zu den »Salzburger Festspielen« und den »Pfingstfestspielen« im Festspielhaus Baden-Baden.

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Teodor Currentzis ist Chefdirigent des SWR Symphonieorchesters undKünstlerischer Leiter des Ensembles MusicAeterna und des MusicAeterna Kammerchors. Mit MusicAeternareist Currentzis regelmäßig durch Europa und tritt in den Philharmonien in Berlin und Paris auf, im Festspielhaus Baden-Baden, der Mailänder Scala und im Auditorio Madrid. Eine enge Verbindung besteht darüber hinaus zu den »Salzburger Festspielen«. In dieser Saison geben MusicAeterna und Teodor Currentzis ihrDebüt im New Yorker The Shed mit Verdis Requiem und einer Videoinstallation von Jonas Mekas.

Als früherer Künstlerischer Leiter der Oper Perm hat Teodor Currentzis wichtige neue Werke in Auftrag gegeben, darunter Phillipe Hersants »Tristia« (2016), Dmitri Kourliandskis Oper »Nosferatu« (2014), Alexei Syumaks Oper »Cantos« (2016) sowie ein Violinkonzert von Sergey Nevsky (2015).2006 gründete Currentzis das »Territoria Modern Art Festival«, mit dem er sein Wissen und seine Leidenschaft für Alte Musik mit der Musik zeitgenössischer Komponisten verknüpft. Seit 2012 kuratiert er das »Diaghilev Festival« in Russland.

Teodor Currentzis ist Exklusivkünstler bei Sony Classical. Bisher erschienen Mozarts Da-Ponte-Trilogie, Strawinskys »Les Noces«, Tschaikowskys Violinkonzert mit Patricia Kopatchinskaja und Mahlers Sinfonie Nr. 6.Vorherige CD-Veröffentlichungen umfassen die Sinfonie Nr. 14 von Schostakowitsch, Mozarts Requiem, Purcells »Dido and Aeneas« (Alpha) sowie die mit Alexander Melnikow und dem Mahler Chamber Orchestra aufgenommenen Klavierkonzerte von Schostakowitsch (Harmonia Mundi).

2017 wurde die DVD/Blu-ray-Produktion von Purcells »The Indian Queen« in Zusammenarbeit mit dem Regisseur Peter Sellars mit einem »ECHO Klassik« geehrt. Diese Auszeichnung ging zuvor bereits an die Aufnahme von Strawinskys »Le sacre du printemps«. 2015 war Teodor Currentzis gemeinsam mit seinem Bruder Vangelino Currentzis für die Aufnahme und Komposition des Soundtracks zur Eröffnung der Europaspiele 2015 in Baku für einen »Emmy Award« in der Kategorie »Outstanding Music Direction and Composition« nominiert.Er erhielt 2008 den »Orden der Freundschaft« der Russischen Föderation und 2016 den europäischen Kulturpreis »Kairos« der Alfred Toepfer Stiftung. Im selben Jahr wurde er von der Zeitschrift »Opernwelt« für die Leitung von »Macbeth« an der Oper Zürich zum »Dirigenten des Jahres« gekürt. Teodor Currentzis wurde bereits sieben Mal der renommierte russische Theaterpreis »Goldene Maske« verliehen. Zuletzt erhielt er 2017 die Auszeichnung »Bester Operndirigent« für »La traviata« in der Regie von Robert Wilson an der Oper Perm.

Für den gebürtigen Griechen wurde Russland seit den 1990er-Jahren, als er dort sein Dirigierstudium begann, immer mehr zur Heimat. Sein Studium am St. Petersburger Konservatorium absolvierte Currentzis bei Professor Ilya Musin, unter dessen Schülern so große Dirigenten waren wie Odysseas Dimitriadis, Valery Gergiev und Semyon Bychkov.

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Der amerikanische Heldentenor Stephen Gould begann die Saison 2019/20 mit einem Wagner-Konzert bei den »BBC Proms« in London und einem Auftritt beim Semperopernball in St. Petersburg. Es folgten »Ariadne auf Naxos« in Hamburg und Wien, »Tristan und Isolde« an der Deutschen Oper Berlin sowie »Tannhäuser« in Riga. 2020 stehen u. a. die »Gurrelieder« in Dresden und Salzburg unter Christian Thielemann, »Tannhäuser« und eine Neuproduktion der »Götterdämmerung« in Bayreuth, »Tristan und Isolde« in Berlin und in Los Angeles sowie »Otello« in Mannheim auf dem Programm.

Stephen Gould arbeitet mit Dirigenten wie Daniel Barenboim, Ivor Bolton, Riccardo Chailly, Daniele Gatti, Zubin Mehta, Ingo Metzmacher, Kent Nagano, Andris Nelsons, Seiji Ozawa, Sir Simon Rattle, Esa-Pekka Salonen, Christian Thielemann, Franz Welser-Möst und David Zinman. Er sang Beethovens 9. Sinfonie in Berlin und München, Beethovens Missa solemnis in Chicago, Schönbergs »Gurrelieder« in Amsterdam, Helsinki und beim »Lucerne Festival«, Mahlers 8. Sinfonie in Bergen und New York unter Pierre Boulez, Mahlers »Lied von der Erde« in Chicago, Paris und Prag sowie Strawinskys »Oedipus Rex« in London.

Zu seinen Aufnahmen zählen u. a. Beethovens 9. Sinfonie unter Donald Runnicles, »Siegfried«, »Götterdämmerung« und »Tristan und Isolde« unter Christian Thielemann sowie »Siegfried« und »Tristan und Isolde« unter Marek Janowski. Im Mai 2015 wurde Stephen Gould der Titel »Österreichischer Kammersänger« verliehen.

20 Years Tour

Naturally 7 erzeugt den facettenreichen Klangkosmos einer ganzen Band, vom Sound des Schlagzeugs über Bass, Gitarre und Mundharmonika bis zur Posaune – und das vollkommen ohne Instrumente. Mal mit R ’n’ B, Soul oder Hip-Hop, mal Gospel, Pop oder auch Rock, aber immer mit spielerischer Perfektion und absolut beeindruckender musikalischer und zwischenmenschlicher Harmonie erreicht Naturally 7 sein Publikum. Auf dem Programm stehen beliebte Songs, darunter auch Coverversionen wie »Bohemian Rhapsody« (Queen), »Fix you« (Coldplay), »Bridge over troubled water« (Simon & Garfunkel) und »Englishman in New York« (Sting). [short_introduction] => Mit spielerischer Perfektion und absolut beeindruckender musikalischer und zwischenmenschlicher Harmonie erreicht Naturally 7 sein Publikum. [search_tags] => , Pop & Folk , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

20 Years Tour

Ersatztermin für den 22. November 2020

Enissa Amani ist derzeit als einzige Frau in Europa auf Netflix mit mit zwei internationalen Netflix-Originals vertreten. Mit authentischem Standup im amerikanischen Sinn hat sie, wie die Presse schrieb, »wahrhaftiges Talent gepaart mit Coolness ohne unnötigen Klimbim«, auf die Bühne gebracht. Die Netflix Specials werden weltweit in 42 Sprachen mit Untertiteln ausgestrahlt und waren ein grosser Erfolg. Dazu unterschrieb Enissa Amani als erste deutsche Frau 2019 einen internationalen Management Deal bei dem Giganten, United Talent Agency, in der Größen wie Angelina Jolie, Dave Chappelle oder Johnny Depp gesignt sind. Nach dem erfolgreichen Auftakt der »Krassismuss«-Tour, die noch vor Tourstart komplett ausverkauft war, tankt Enissa ordentlich Inspiration in New York. Sie bespielt die bekanntesten amerikanischen Bühnen wie Comedy Cellar NY, Laugh Factory LA und Gotham Comedy Club. Auf diesen weltbekannten englischen Bühnen wird Enissa standardmäßig mit »The German Girl« angekündigt, woran sie in der neuen Tour anknüpft. Inhaltlich ist das Programm unverschnörkelter Standup, der sich auch mit kritischen Themen auseinandersetzt. [short_introduction] => Inhaltlich ist Enissa Amanis Programm unverschnörkelter Standup, der sich auch mit kritischen Themen auseinandersetzt. [search_tags] => , Enissa Amani , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Ersatztermin für den 22. November 2020

Holger Noltze ist zudem Mitgründer der Online-Plattform takt1.de für klassische Musik.

Abtauchen in Mahler 1

Abtauchen in Mahler 1

Bereits im Alter von 19 Jahren bemerkt Gustav Mahler: »Die höchste Glut der freudigsten Lebenskraft und die verzehrendste Todessehnsucht: [shorttext_cnt] => 157 ) [artists] => Array ( [0] => Array ( [name] => Orchestra Filarmonica della Scala [firstName] => [role] => [role_attr] => [gibbet_bio] => 1 [biography] =>

Die Filarmonica della Scala wurde von Claudio Abbado und den Musikern der Mailänder Scala mit dem Ziel gegründet, ein sinfonisches Repertoire aufzubauen. Carlo Maria Giulini dirigierte das Orchester in über 90 Konzerten. Riccardo Muti war von 1987 bis 2005 Chefdirigent des Orchesters und trug entscheidend zur künstlerischen Entwicklung des Orchesters bei. Seit November 2015 ist Riccardo Chailly Chefdirigent der Filarmonica della Scala. Darüber hinaus arbeitete das Orchester mit den renommiertesten Dirigenten ihrer Zeit zusammen, darunter Georges Prêtre, Lorin Maazel, Wolfgang Sawallisch, Zubin Mehta und Leonard Bernstein. Daniel Barenboim und Valery Gergiev sind Ehrenmitglieder des Orchesters, enge Beziehungen bestehen außerdem zu Myung-Whun Chung, Daniel Harding und Daniele Gatti.

Seit 2013 ist die Filarmonica della Scala Gastgeber des »Concerto per Milano«, einem renommierten Konzertformat, dem jährlich mehr als 40.000 Zuschauer beiwohnen. Ein weiteres Projekt, das sich besonders Grundschülern widmet, ist die Initiative »Sound, Music!«. Das Orchester unterhält seit vielen Jahren enge Verbindungen zu wichtigen wissenschaftlichen Einrichtungen und ehrenamtlichen Organisationen in Mailand und organisiert für sie öffentliche Proben und Benefizkonzerte im Rahmen der Reihe »Prove Aperte«.

Das Orchestra Filarmonica della Scala setzt seit jeher einen besonderen Fokus auf zeitgenössische Musik und gibt in jeder Saison ein Werk bei einem bedeutenden Komponisten dieser Zeit in Auftrag.

In den letzten 35 Jahren konzertierte die Filarmonica della Scala in mehr als 800 Konzerten auf Tourneen. Zu den Meilensteinen der letzten Jahre gehören das Debüt des Orchesters in den USA unter der Leitung von Riccardo Chailly sowie in China unter der Leitung von Myung-Whun Chung.

Die Filarmonica della Scala hat bereits eine Vielzahl an Einspielungen für bekannte Labels vorgenommen, darunter das Album »Viva Verdi« für Decca mit Riccardo Chailly und das Projekt »900 Italiano« unter der Leitung von Georges Prêtre, Fabio Luisi und Gianandrea Noseda für Sony, welches drei DVDs umfasst. Decca veröffentlichte 2018 das Album »Overtures, Preludes & Intermezzi« des Orchesters unter Riccardo Chailly.

Die Filarmonica della Scala wird von der UniCredit Group gesponsert, dem Institutional Major Partner des Orchesters.

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Riccardo Chailly ist Musikdirektor des Teatro alla Scala und Chefdirigent der Filarmonica della Scala. Zuvor war er Kapellmeister beim Gewandhausorchester Leipzig, dem ältesten Orchester Europas, und wirkte 16 Jahre lang als Chefdirigent beim Royal Concertgebouw Orchestra in Amsterdam. Chailly ist Musikdirektor des Lucerne Festival Orchestra, eine Position, die zuvor Claudio Abbado innehatte. Regelmäßig dirigiert er die renommiertesten Sinfonieorchester Europas: die Wiener Philharmoniker, Berliner Philharmoniker, das New York Philharmonic, Cleveland Orchestra, Philadelphia Orchestra und Chicago Symphony Orchestra. Regelmäßig folgt er Einladungen zu international renommierten Festivals wie den »Salzburger Festspielen« und den »BBC Proms« in London. Opernproduktionen leitet er am Teatro alla Scala, an der Wiener Staatsoper, New York Metropolitan Opera, San Francisco Opera, Bayerischen Staatsoper, am Royal Opera House Covent Garden und Opernhaus Zürich.

Riccardo Chailly nimmt exklusiv für Decca auf. Für viele seiner über 150 CDs erhielt er Auszeichnungen, darunter zweimal den »ECHO Klassik« (2012 und 2015) und zuletzt den »Gramophone Award« als »Aufnahme des Jahres« für seine Gesamtaufnahme der Brahms-Sinfonien. Vor kurzem erschien eine Box mit 55 CDs, die die 40-jährige Zusammenarbeit mit dem Label feiert. Mit der Filarmonica della Scala erschien 2013 die CD »Viva Verdi« anlässlich des 200. Geburtstags des Komponisten und 2017 »Overtures, Preludes & Intermezzi« mit Opern, die ihre Premiere im Teatro alla Scala feierten. Eine CD, die den Werken von Nino Rota gewidmet ist, wird 2019 veröffentlicht werden.

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Gautier Capuçon hat sich längst als einer der führenden Cellisten seiner Generation etabliert und sorgt regelmäßig mit seinen Aufnahmen und Konzerten für Aufsehen. 1981 in Chambéry geboren, begann Capuçon im Alter von fünf Jahren mit dem Cellospiel. Er studierte am Conservatoire National Supérieur in Paris bei Philippe Muller und Annie Cochet-Zakine und anschließend in der Meisterklasse von Heinrich Schiff in Wien. Als Gewinner zahlreicher Erster Preise bei internationalen Wettbewerben, darunter der »Internationale André Navarra Preis«, wurde Capuçon 2001 bei den »Victoires de la Musique« als Nachwuchskünstler des Jahres ausgezeichnet und erhielt 2004 einen »Borletti-Buitoni Trust Award«. Seitdem wurde er auch mit mehreren »ECHO Klassik«-Preisen geehrt, zuletzt für seine Aufnahme mit Valery Gergiev und für die Einspielung von Faurés kompletter Kammermusik.

Gautier Capuçon spielt als Solist mit den großen Orchestern weltweit und arbeitet regelmäßig mit Dirigenten wie Valery Gergiev, Gustavo Dudamel, Semyon Bychkov, Bernard Haitink, Myung-Whun Chung, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach und Yannick Nézet-Séguin. Er ist gern gesehener Gast beim Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, New York Philharmonic, bei den Berliner Philharmonikern, der Sächsischen Staatskapelle Dresden, dem Boston Symphony Orchestra, Orchestre de Paris, Chamber Orchestra of Europe und den Wiener Symphonikern. Als leidenschaftlicher Kammermusiker tritt Gautier Capuçon regelmäßig bei großen Festivals in ganz Europa auf wie dem »Verbier Festival« und dem »Progetto Martha Argerich« in Lugano. Darüber hinaus ist er auch immer wieder mit Partnern wie Martha Argerich, Nicholas Angelich, Daniel Barenboim, Yuri Bashmet, Lisa Batiashvili, Frank Braley, Gérard Caussé, Myung-Whun Chung, Jérôme Ducros, Hélène Grimaud, Angelika Kirchschlager, Katia und Marielle Labèque, Mikhail Pletnev, Leonidas Kavakos, Stephen Kovacevich, Gabriela Montero, Viktoria Mullova, Menahem Pressler, Vadim Repin, Jean-Yves Thibaudet, Maxim Vengerov und Yuja Wang sowie mit seinem Bruder Renaud zu hören.

Gautier Capuçon ist Exklusivkünstler bei Warner Classics/Erato. Für das Label nahm er unter anderem das Dvořák-Konzert mit dem hr-Sinfonieorchester und Paavo Järvi, Tschaikowskys »Rokoko-Variationen« und Prokofiews Sinfonia Concertante mit dem Orchester des Mariinsky-Theaters unter Valery Gergiev, das Brahms-Doppelkonzert mit Renaud Capuçon und dem Gustav Mahler Jugendorchester unter Myung-Whun Chung sowie Haydns Cellokonzerte mit dem Mahler Chamber Orchestra und Daniel Harding auf. Zudem spielte er mehrere CDs mit Kammermusik ein, u. a. mit Martha Argerich, Renaud Capuçon, Frank Braley, Nicholas Angelich und Gabriela Montero. Mit der CD »La muse et le poète«, die im Herbst 2013 erschien, präsentieren Gautier und Renaud Capuçon mit dem Orchestre Philharmonique de Radio France und Lionel Bringuier Werke von Saint-Saëns. Das Europakonzert vom Mai 2012 mit den Berliner Philharmonikern unter Gustavo Dudamel und dem Haydn-Cellokonzert wurde 2013 von der Deutschen Grammophon auf DVD veröffentlicht. Seine letzte CD bei Warner Classics/Erato mit dem Titel »Arpeggione« beinhaltet Werke für Violoncello und Klavier von Debussy, Schubert, Schumann und Britten. Partner am Klavier ist Frank Braley, veröffentlicht wurde die Aufnahme im November 2013.

Seit Dezember 2014 gibt er im Auftrag der Louis Vuitton Stiftung Meisterkurse für exzellente Nachwuchs-Cellisten. Gautier Capuçon wird von der Firmengruppe Colas unterstützt, die u. a. seine Aufnahme mit Valery Gergiev koproduzierte und sich an dem Kauf eines Bogens von Dominique Peccatte beteiligte. Seit 2007 ist er Botschafter des Projekts Zegna & Music, das 1997 von der Luxuskleidermarke Ermenegildo Zegna als wohltätiges Projekt zur Förderung der klassischen Musik ins Leben gerufen wurde.

Gautier Capuçon spielt auf einem Instrument von Matteo Goffriler aus dem Jahre 1701.

In den 65 Jahren seines Bestehens hat sich das WDR Sinfonieorchester als Orchester von Weltformat in und für Nordrhein-Westfalen etabliert. In Zusammenarbeit mit großen Dirigenten, Solisten und Komponisten und in regelmäßiger Partnerschaft mit den wichtigsten Konzerthäusern und Festivals prägt und repräsentiert das WDR Sinfonieorchester die Musiklandschaft im Sendegebiet des WDR in besonderer Weise. Darüber hinaus ist es nicht nur regelmäßig auf internationalen Podien zu Gast, sondern macht im Hörfunk und Fernsehen des WDR große Klassik einem breiten Publikum zugänglich. Zudem leistet es mit vielfältigen Projekten im Bereich der Musikvermittlung einen wichtigen Beitrag zur kulturellen Bildung. Herausragende Produktionen der Sinfonik des 19. Jahrhunderts entstanden unter der Leitung Gary Bertinis, der dem WDR Sinfonieorchester von 1983 bis 1991 als Chefdirigent vorstand und das Orchester zu einem führenden Interpreten der Sinfonien Gustav Mahlers machte. Weiter geschärft wurde das Profil durch die Zusammenarbeit mit Semyon Bychkov, der als Chefdirigent zwischen 1997 und 2010 zahlreiche preisgekrönte und hochgelobte Produktionen mit Werken von Dmitri Schostakowitsch, Richard Strauss, Sergej Rachmaninow, Giuseppe Verdi und Richard Wagner vorlegte. Erfolgreiche gemeinsame Tourneen durch Europa, Amerika und Asien haben zu einer beträchtlichen Steigerung des internationalen Renommees des WDR Sinfonieorchesters beigetragen. Mit zahlreichen Uraufführungen von Auftragswerken des WDR sowie der Zusammenarbeit mit herausragenden Komponisten unserer Zeit hat das Orchester einen wichtigen Beitrag zur Musikgeschichte und zur Pflege der zeitgenössischen Musik geleistet. Luciano Berio, Hans Werner Henze, Mauricio Kagel, Krzysztof Penderecki, Igor Strawinsky, Karlheinz Stockhausen und Bernd Alois Zimmermann gehören zu den Komponisten, die ihre Werke mit dem WDR Sinfonieorchester Köln aufführten. Darüber hinaus dokumentiert die große Anzahl ausgezeichneter Produktionen zeitgenössischer Musik den besonderen Rang des WDR Sinfonieorchesters.

Seit Beginn der Saison 2010 /11 ist Jukka-Pekka Saraste Chefdirigent des WDR Sinfonieorchesters. Die gemeinsame Aufführung der 9. Sinfonie Gustav Mahlers in der Kölner Philharmonie im November 2009 wurde von der Presse als »Ankündigung einer großen Ära« gefeiert. Dies bestätigen auch die Auszeichnungen durch die Deutsche Schallplattenkritik und die Zeitschrift »Gramophone«, die Dirigent und Orchester für die Veröffentlichung dieses Konzertes auf CD erhalten haben. Weitere gemeinsame CD-Veröffentlichungen mit Werken von Igor Strawinsky, Arnold Schönberg und Johannes Brahms sowie Einladungen zu bedeutenden Festivals und Konzerthäusern in Europa dokumentieren den künstlerischen Erfolg der Zusammenarbeit.

PROGRAMM

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Das Amatis Piano Trio wurde 2014 von der deutschen Geigerin Lea Hausmann, dem britischen Cellisten Samuel Shepherd und dem niederländisch-chinesischen Pianisten Mengjie Han gegründet. Kurz darauf gewann es bereits den Publikumspreis beim »Grachtenfestival Concours« in Amsterdam. Dies führte zu seinem Debüt im Amsterdamer Concertgebouw und weiteren Konzerten in den Niederlanden. Die Gewinner des Kammermusikwettbewerbs »Parkhouse Award« waren bei vielen internationalen Wettbewerben erfolgreich. Das Trio gewann den Zweiten Preis des »Joseph Joachim Kammermusikwettbewerbs« in Weimar, wurde in den Niederlanden als »Classical Talent 2016« geehrt und gehörte von 2016 bis 2018 zu den »BBC New Generation Artists«.

Inzwischen gehört das Trio zu den führenden Klaviertrios der jungen Generation und erhält begeisterten Zuspruch von Publikum und Kritikern in Großbritannien, Europa und Asien. Zu den Höhepunkten der letzten Spielzeit gehören Konzerte in der Wigmore Hall und im Concertgebouw Amsterdam sowie Konzertreisen nach Hongkong und Indonesien. Die Musiker spielen regelmäßig bei Festivals wie dem »Salzburger Kammermusik Festival«, »Grachtenfestival Amsterdam«, »Festival de Monteléon«, »Utrecht Chamber Music Festival«, »Trondheim Chamber Music Festival« und »Wimbledon Music Festival«.

Das Amatis Piano Trio widmet sich auch der Neuen Musik und hat so 2015 den »Dutch Piano Trio Composition Prize« gegründet, der junge Komponisten ermutigt, das Repertoire für Klaviertrio zu erweitern. Ebenfalls seit 2015 ist es Mitglied der European Chamber Music Academy. Das Trio arbeitete intensiv mit Wolfgang Redik (Wiener Klaviertrio) und Rainer Schmidt (Hagen Quartett), darüber hinaus waren Hatto Beyerle, das Trio Jean Paul, Lukas Hagen, Fabio Bidini, Ilya Grubert, Anner Bylsma, Christian Schuster, Ib Hausmann, Imre Rohmann und Menahem Pressler musikalische Ratgeber.

Wenn Kian Soltani musiziert, öffnen sich Welten: Individualität, Ausdruckstiefe und ein charismatisches Auftreten zeichnen den jungen Österreicher mit iranischen Wurzeln aus. Darüber hinaus besticht er durch seine Bühnenpräsenz, seine technische Brillanz und die Fähigkeit, stets unmittelbar eine besondere emotionale Verbindung mit dem Publikum entstehen zu lassen. Der »Rising Star« ist inzwischen einer der gefragtesten Cellisten unserer Zeit und wird von den führenden Orchestern, Dirigenten und Konzertveranstaltern eingeladen.

In der Saison 2018/19 debütiert Soltani bei Orchestern wie den Wiener Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra, der Staatskapelle Berlin, dem London Philharmonic Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Orchestre National de Lyon und National Symphony Orchestra. Wiedereinladungen führen Soltani u. a. zum Tonhalle-Orchester Zürich. Als Solist der großen USA-Tournee des West-Eastern Divan Orchestra unter Daniel Barenboim wird er in der Carnegie Hall, der Walt Disney Concert Hall, im Symphony Center in Chicago und im Kennedy Center in Washington auftreten. Im Oktober 2018 eröffnete Soltani als Artist in Residence die Saison des Residentie Orkest in Den Haag.

Sein Recital-Debüt in der Carnegie Hall wird Soltani im Frühjahr 2019 geben und erneut bei den Festspielen in Salzburg und Luzern, in der Wigmore Hall und im Pierre Boulez Saal gastieren. Weitere Recital-Auftritte führen ihn als »Rising Star« der European Concert Hall Organisation (ECHO) in die Pariser Philharmonie, ins Wiener Konzerthaus, Amsterdamer Concertgebouw, in die Hamburger Elbphilharmonie, ins Barbican Centre, in die Kölner Philharmonie und die Stockholm Concert Hall.

2017 unterzeichnete Soltani einen Exklusivvertrag bei Deutsche Grammophon, die seine erste CD »Home« mit Werken für Cello und Klavier von Schubert, Schumann und Reza Vali im Februar 2018 unter internationalem Beifall veröffentlichte und die von der Zeitschrift »Gramophone« als schlicht »grandios« bezeichnet wurde. Seine Aufnahme der Klavierquartette von Mozart zusammen mit Daniel und Michael Barenboim sowie Yulia Deyneka erschien im August 2018.

Seinen internationalen Durchbruch hatte Soltani im Alter von neunzehn Jahren mit seinen gefeierten Debüts im Goldenen Saal des Wiener Musikvereins und bei der »Schubertiade« in Hohenems. Der Gewinn der »International Paulo Cello Competition« in Helsinki im April 2013, in dessen Rahmen er vom »Ostinato«-Magazin als »Solist der neuen Cellistengeneration auf höchstem Niveau« gepriesen wurde, machte international auf ihn aufmerksam. Im Februar 2017 gewann Soltani den renommierten »Leonard Bernstein Award« in Schleswig-Holstein und wurde im Dezember 2017 mit dem prestigeträchtigen »Credit Suisse Young Artist Award« ausgezeichnet.

Kian Soltani wurde 1992 in Bregenz in eine persische Musikerfamilie hineingeboren. Mit vier Jahren begann er Cello zu spielen. Im Alter von zwölf Jahren wurde er in die Klasse von Ivan Monighetti an der Musikhochschule Basel aufgenommen und 2014 Stipendiat der Anne-Sophie Mutter Stiftung. Im gleichen Jahr schloss er sein Studium an der Kronberg Academy ab. An der Internationalen Musikakademie in Liechtenstein konnte er weitere wichtige Erfahrungen sammeln.

Kian Soltani spielt ein 1680 in Mailand angefertigtes Cello der Gebrüder Giovanni und Francesco Grancino ‒ eine großzügige Leihgabe des Merito String Instruments Trust.

Ersatztermin für den 9. Oktober 2020

Der Singer-Songwriter Thomas Dybdahl ist im gesamten skandinavischen Raum seit Jahren ein Star. Nun erobert er mit seinem zarten Gesang und melancholischem Gitarrenspiel das Pop-Abo. Dybdahls Sound nutzt die poppigeren Kanten der akustischen Alt-Folk-Szene, während er Einflüsse von Roots, Soul, Rock und Country einbezieht. Doch auch Anklänge an Künstler wie Arvo Pärt und Morton Feldman sind zu erkennen. Mit seiner feinen Antenne für Stile und Stories hat er auch Karriere als Komponist für Film und Theater gemacht. Dabei basiert sein Schreiben auf Geschichten und Ideen: Manchmal ist es ein Riff auf der Gitarre, ein Satz oder eine alte Tonbandaufnahme, die zu fließen beginnt und zum Song wird. »Ich liebe es zu komponieren. Ich liebe es auch zu texten. Aber am meisten liebe ich es, mit anderen zu spielen. Im Studio oder live.« Wie bei seinem Konzert in Dortmund. [short_introduction] => Der Singer-Songwriter Thomas Dybdahl ist im gesamten skandinavischen Raum seit Jahren ein Star. Nun erobert er mit seinem zarten Gesang und melancholischem Gitarrenspiel das Pop-Abo. [search_tags] => , Thomas Dybdahl , Pop-Abo , Pop & Folk , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Ersatztermin für den 9. Oktober 2020

Die junge Sopranistin Lavinia Dames wurde in Göttingen geboren und erhielt ihren ersten Gesangsunterricht bereits im Alter von elf Jahren. 2006 setzte sie ihre Ausbildung bei Prof. Gerhard Faulstich an der Musikhochschule Hannover fort. Von 2007 bis 2010 war sie Studentin des Instituts der Frühförderung musikalisch Hochbegabter (IFF) der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. 2010 begann sie ihr Studium bei Prof. Gabriele Lechner und Prof. Peter Edelmann an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, welches sie im Juni 2014 mit Auszeichnung abschloss.

Als Stipendiatin der Jungen Musiker Stiftung Bayreuth wurde ihr 2011 die Teilnahme an der Masterclass Sabbioneta bei Prof. Edda Moser und Prof.

Renato Bruson ermöglicht. Sie nahm an Meisterkursen bei KS Catarina Ligendza, Prof. Rudolf Piernay, Prof. KS Wolfgang Brendel, Prof. KS Hans Sotin, Prof. Ritterbusch und Prof. Gabriele Lechner teil. In der Spielzeit 2015/2016 ist sie Stipendiatin der Mozart Gesellschaft Dortmund.

Lavinia Dames ist Preisträgerin des »Cantilena Gesangswettbewerb« in Bayreuth 2009 und des internationalen »Ferruccio Tagliavini Wettbewerbs« 2012. 2011 gewann sie das Internationale Kärntner Sparkassen Musikstipendium im Fach Operette und »deutsche Spieloper«. Zusätzlich wurde ihr der Publikumspreis zugesprochen.

Erste Bühnenerfahrungen sammelte die junge Sopranistin als Blumenmädchen und Knappe in Parsifal beim »Richard-Wagner-Festival« in Wels und als Daniel in Händels »Susanna« im Schlosstheater Schönbrunn. Dort sang sie in den Sommern 2012 und 2013 mit großem Erfolg die Susanna in »Le nozze di Figaro« und ebenso die Pamina in der »Zauberflöte für Kinder«. Es folgten Auftritte als die Euridice in Glucks »Orfeo ed Euridice« und die Jungfrau in Schumanns »Das Paradies und die Peri« im Wiener Konzerthaus. Sie sang diverse Konzerte u. a. Haydns »Schöpfung«, zahlreiche Konzerte mit dem Göttinger Symphonieorchester, ein Operetten-Galakonzert beim »Carinthischen Sommer« 2012 sowie einen Liederabend im Rahmen des Bruno Walter Symposiums im Gläsernen Saal des Wiener Musikvereins. Im Dezember 2013 war sie am Vorarlberger Landestheater in Verdis »Rigoletto« als Gräfin Ceprano, Giovanna und als Page zu hören. 2015 führt sie ein Gastspiel an die Komische Oper Berlin, wo sie als Lauretta in »Gianni Schicchi« zu hören ist.

Seit Sommer 2014 ist Lavinia Dames fest an die Deutsche Oper am Rhein nach Düsseldorf engagiert, wo sie u. a. mit Partien wie Susanna in »Le nozze di Figaro«, Stasi in der »Csardasfürstin«, Gretel, Zerlina und Pamina zu hören ist.

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»Vokale Harmonie in Perfektion« – so lautete die Überschrift einer Rezension in der »Hildesheimer Allgemeinen Zeitung« nach einem A-cappella-Konzert des Jugendkonzertchores der Chorakademie Dortmund. »Vom ersten Akkord an herrschte Homogenität und Ausgewogenheit zwischen den Stimmen«, schreibt die »Süddeutsche Zeitung« über den Jugendkonzertchor: »Die Intonation war durch die Bank makellos.« Auch die Rheinpfalz lobt in ihrer Kritik das Ensemble: »Zum Träumen schön war der Chorklang mit seinen weiten Bögen.« Er sei von »bestechender Reinheit und Geschlossenheit« und die »musikalischen Charaktere wurden mit nuanciertem Raffinement gespiegelt«. Der Opernfreund schrieb in einer Rezension der Ballett-Produktion »Prosperos Insel« am Musiktheater im Revier Gelsenkirchen: »Das Niveau des Chores ist atemberaubend.«

Unter der Anleitung des künstlerischen Teams mit Felix Heitmann, Heike Susanne Daum und Jens Hamann widmen sich die Mitglieder des Jugendkonzertchores in intensiver Chorprobenarbeit und ergänzender Einzelstimmbildung der A-cappella-Chormusik sämtlicher Epochen. Das breite Repertoire des Chores schließt oratorische und chorsinfonische Werke genauso ein wie populäre Chormusik. Die Sängerinnen und Sänger im Alter von 13 bis 19 Jahren werden zu Gesangssolisten und Ensemblesängern ausgebildet. Das Ausbildungskonzept des Chores zielt auf eine Kombination aus besonderem Leistungsvermögen und jugendlichem Esprit ab. Der hohe Standard des Jugendkonzertchores verbindet eine große emotionale Ausstrahlung durch die Begeisterungsfähigkeit der Jugendlichen mit einem außergewöhnlichen Chorklang. »Der Chor hat tatsächlich auch einen Luxusklang« beschrieben die Ruhr Nachrichten: »Raumgreifend und mit Kraft in den jungen, frischen Stimmen. Ausgezeichnet geschulte Solisten hat dieser Chor und einen perfekten, homogenen Gesamtklang.« Die Zeitschrift »Pizzicato« bescheinigte dem 2012 gegründeten Chor »einen erfrischenden Klang.« und schrieb weiter: »Er verfügt über ein breites Spektrum an Klangfarben, die sehr sicher und konsequent eingesetzt werden, und bleibt stets authentisch im Ausdruck.«

In den vergangenen Jahren etablierte sich das junge Ensemble als feste Größe im Kulturleben des Ruhrgebiets. Die Zusammenarbeit mit Bridget Breiners Ballett im Revier im Rahmen der Ruhrfestspiele und die Aufführung der Marienvesper von Claudio Monteverdi mit der Akademie für Alte Musik Berlin waren künstlerische Höhepunkte der vergangenen Jahre. In der Saison 2018/19 waren die Jugendlichen unter anderem erneut mit Bachs Weihnachtsoratorium im Konzerthaus Dortmund zu hören und bieten in ihrer eigenen Konzertreihe auf der Zeche Zollern Dortmund den Besuchern vielfältige Klangerlebnisse. Darüber hinaus führt sie ihr neues A-cappella-Konzertprogramm »I Himmelen – Europäische Chormusik« an viele bedeutende Konzertorte Deutschlands. Eine neue Kooperation mit dem WDR Rundfunkchor gibt den Jugendlichen die Gelegenheit, praktische Erfahrungen mit Profisängern zu sammeln.

Im Januar 2017 veröffentlichte der Jugendkonzertchor beim renommierten Label Hänssler Classic seine erste CD-Einspielung »Romantic Choral Music« mit A-cappella-Werken deutscher Komponisten der Romantik. Eine weitere CD mit skandinavischer Chormusik wird in Zusammenarbeit mit dem WDR Rundfunkchor produziert und voraussichtlich Ende 2019 beim Label Hänssler Classic erscheinen.

Mit ihrer regen Konzerttätigkeit in ganz Deutschland und den vielfachen Auszeichnungen bei Wettbewerben haben sich die Sängerinnen und Sänger des Jugendkonzertchores in der deutschen Chorszene einen Namen gemacht: Zuletzt erhielt das Ensemble beim 10. Deutschen Chorwettbewerb 2018 in Freiburg den 1. Preis in der Kategorie »Gemischte Jugendchöre« und bekam mit 23,4 von 25 möglichen Punkten das Prädikat »mit hervorragendem Erfolg teilgenommen« zuerkannt. Überdies gewann der Jugendkonzertchor 2018 den internationalen »Bärenreiter Chorwettbewerb« und konnte als einziger teilnehmender Jugendchor gegenüber Chören aus USA, Skandinavien, Polen und Deutschland mit seiner herausragenden Interpretation von Mårten Janssons Chorwerk »Maria IV« überzeugen. Bereits 2015 bekam der Jugendkonzertchor beim 6. »Erwitter Wettbewerb für Kinder- und Jugendchöre« den 1. Preis und einen Sonderpreis für die beste chorische Gesamtleistung zuerkannt. Im Rahmen des »Deutschen Chorfestes 2016« in Stuttgart wurde das Ensemble außerdem mit dem 1. Preis in der Kategorie Jugendchöre und im Wettbewerb der Erwachsenenchöre mit dem 2. Preis in der Kategorie »Romantik geistlich« ausgezeichnet. In den Gesangskategorien von »Jugend musiziert« erhalten darüber hinaus Mitglieder des Chores jedes Jahr aufs Neue im Bundeswettbewerb Bestplatzierungen und Sonderpreise für herausragende künstlerische Leistungen, darunter den Sonderpreis der Walter und Charlotte Hamel Stiftung und der Manfred-Vetter-Stiftung für Kunst und Kultur.

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Felix Heitmann studierte nach dem Besuch der Berufsfachschule in Bad Königshofen Schulmusik und Chorleitung an der Hochschule für Musik in Detmold. Wesentliche Impulse erhielt er durch die Chorarbeit bei Prof. Anne Kohler und Prof. Fritz ter Wey sowie durch die Klavierimprovisation bei Prof. Dr. Bernd Englbrecht. Seine Ausbildung wurde durch Meisterkurse bei Frieder Bernius und Paul van Nevel ergänzt. Überdies ist er 1. Preisträger des Bundeswettbewerbs Schulpraktisches Klavierspiel »Grotrian-Steinweg«.

Er ist Lehrbeauftragter an der Hochschule für Musik Detmold in den Fächern Chorleitung und Schulpraktisches Klavierspiel und veröffentlicht in dieser Disziplin regelmäßig Klavierarrangements in der Zeitschrift »Musik und Bildung« des Schott-Verlags. Für den Bundesverband Musikunterricht e. V. konnte er 2016 seine Fachkompetenz als Jugendchorleiter in die Entwicklung und Veröffentlichung des vom Carus-Verlag herausgegebenen neuen Chorbuchs »chorissimo blue!« miteinbringen.

Durch Mitgliedschaft in zahlreichen Chören (unter anderem bei den Würzburger Domsingknaben, des Kammerchores »Modus Novus« und dem Kammerchor der HfM Detmold) führten ihn Konzertreisen unter anderem nach Südafrika, China und die USA. Inspiriert durch die Zusammenarbeit mit Prof. Anne Kohler im Vokalensemble PopUp befasste er sich Zeit seines Studiums auch sehr intensiv mit populärer Chormusik. Er hat an der Chorakademie als Fachbereichsleiter des Jugendbereichs die Leitung des von ihm gegründeten Jugendkonzertchores inne.

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Beatrice Rana hat für Begeisterung in der internationalen Klassikszene gesorgt und Interesse bei Musikliebhabern und Kritikern weltweit erregt. Sie gastiert in den international renommiertesten Konzertsälen wie im Konzerthaus und Musikverein in Wien, in der Berliner Philharmonie, im Concertgebouw Amsterdam, im Lincoln Center und in der Carnegie Hall in New York, in der Tonhalle in Zürich, der Wigmore Hall, Royal Albert Hall und Royal Festival Hall in London, im Théâtre des Champs-Élysées in Paris und im KKL Luzern. Bei internationalen Festivals ist sie regelmäßiger Gast, darunter »Ferrara Musica«, das »Verbier Festival«, »Klavier-Festival Ruhr«, »Festival de La Roque d’Anthéron«, »Festival de Radio France et Montpellier«, »San Francisco Performances« und »Mostly Mozart«.

Sie arbeitete bereits mit Yannick Nézet-Séguin, Antonio Pappano, Fabio Luisi, Riccardo Chailly, Yuri Temirkanov, Gianandrea Noseda, Mirga Gražinytė-Tyla, Lahav Shani, Andrés Orozco-Estrada, Susanna Mälkki, Leonard Slatkin, Kent Nagano und Zubin Mehta zusammen. Als Gast verschiedener internationaler Orchester konzertierte sie mit dem Royal Concertgebouw Orchestra, London Philharmonic Orchestra, City of Birmingham Symphony Orchestra, BBC Symphony Orchestra, Philadelphia Orchestra, Los Angeles Philharmonic, NHK Symphony Orchestra, Orchestre National de France und dem Orchestra Filarmonica della Scala.

Beatrice Rana ist Exklusivkünstlerin bei Warner Classics. Für ihr Debütalbum hat sie Prokofiews Klavierkonzert Nr. 2 und Tschaikowskys Klavierkonzert Nr. 1 eingespielt, begleitet vom Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia unter der Leitung von Sir Antonio Pappano. Die Aufnahme erhielt internationales Lob und wurde von »Gramophone« und »BBC Music Magazine« ausgezeichnet. Auch die darauffolgende Aufnahme von Bachs »Goldberg-Variationen« ist preisgekrönt u. a. mit dem niederländischen »Edison Klassiek« und einem »Gramophone Award«. 2018 wurde sie bei den »BRIT Awards« in der Royal Albert Hall für ihr Bach-Album geehrt. Ihre Diskografie umfasst weiter Bernsteins Sinfonie Nr. 2 »The Age of Anxiety« im Rahmen von Sir Antonio Pappanos Gesamtaufnahme der Bernstein-Sinfonien und ihr gerade erschienenes Solo-Album mit Werken von Stravinsky und Ravel.

Beatrice Rana errang internationale Aufmerksamkeit, nachdem sie 2011 den Ersten Preis und alle Jury-Preise bei der »Montreal International Musical Competition« gewann. Zu ihren weiteren Auszeichnungen zählen die Silbermedaille und der Publikumspreis bei der »Van Cliburn International Piano Competition« sowie Erste Preise bei der »Muzio Clementi Competition«, der »International Piano Competition of the Republic of San Marino« und dem »Bang & Olufsen PianoRAMA Wettbewerb«. 1993 als Tochter einer Musikerfamilie geboren, erhielt Beatrice Rana als Vierjährige ersten Musikunterricht und gab im Alter von neun Jahren ihr Debüt als Solistin mit Bachs Klavierkonzert in f-moll. Ihre Studien schloss sie mit Bestnoten und Ehrung durch ihren Mentor Benedetto Lupo am Conservatorio di Musica Nino Rota im italienischen Monopoli ab, wo sie außerdem Komposition bei Marco della Sciucca studierte. Sie ergänzte ihr Studium bei Arie Vardi an der Hochschule für Musik in Hannover und bei Benedetto Lupo an der Accademia di Santa Cecilia. Beatrice Rana lebt derzeit in Rom.

Der Namenspatron des Delian Quartetts ist der griechische Gott Apollon, der als Gott der schönen Künste, der Musen und besonders der Musik verehrt und nach seinem Geburtsort, der Insel Delos, auch Delian genannt wurde. Die Mitglieder des Delian Quartetts, die drei verschiedenen Nationen entstammen, verbindet dieselbe Leidenschaft für die große Streichquartett-Literatur. Im gemeinsamen Streben nach einem unverwechselbaren Ensembleklang widmet sich das Quartett einem Repertoire, das vom Barock bis hin zur Gegenwart reicht.

Gegründet im Januar 2007, hat sich das Delian Quartett im Zuge seiner aufsehenerregenden Karriere innerhalb kürzester Zeit mitten in die internationale Konzertwelt gespielt. Bereits in seinem ersten Jahr war es ein umjubelter Gast bei so bedeutenden Festivals wie den »Ludwigsburger Schlossfestspielen« oder dem »Schleswig-Holstein Musik Festival«; es folgten von Publikum und Presse gleichermaßen gefeierte Auftritte in Deutschland, Italien, Spanien, Portugal und – als Kulturbotschafter des Goethe-Instituts – in Afrika. Auch in Frankreich wurde das Ensemble enthusiastisch begrüßt, ebenso in Österreich, wo es unter anderem 2009 in den Wiener Musikverein geladen war. Das Debüt des Delian Quartetts im selben Jahr in der Berliner Philharmonie gemeinsam mit Menahem Pressler entfachte wahre Begeisterungsstürme und wurde bereits nach dem Eröffnungsstück mit stehenden Ovationen aufgenommen.

Eine rege Zusammenarbeit verbindet das Delian Quartett mit verschiedenen Rundfunkanstalten wie dem SWR, HR, WDR, Catalunya Música, Radio France, BR, SR, ORF oder Deutschlandfunk, die Live-Mitschnitte seiner Auftritte übertrugen, das Ensemble in diversen Porträt-Sendungen präsentierten oder die CDs des Quartetts koproduzierten. Die bereits im Mai 2008 beim Label OehmsClassics erschienene Debüt-CD des Delian Quartetts mit Werken von Robert Schumann hielt sich in der renommierten Musikzeitung »Crescendo« über ein Jahr lang in der Bestenliste der Neuerscheinungen; der Rundfunksender Bayern 4 Klassik stellte sie als CD-Tipp vor. Der im Januar 2010 veröffentlichten zweiten CD des Ensembles mit Werken Joseph Haydns wurden gleichfalls begeisterte Reaktionen zuteil; unter anderem wurde sie Referenz-CD beim Klassikportal »Klassik Heute« und erhielt eine Nominierung für den »ECHO Klassik« 2010. 2012 erscheint, zusammen mit dem Bratschisten Gérard Caussé, eine weitere Einspielung, die der Kammermusik Ludwig van Beethovens gewidmet ist. 2013 wird in Kooperation mit dem Pianisten Anatol Ugorski eine Doppel-CD zum Werk Dmitri Schostakowitschs folgen.

Bereicherung und zusätzliche Inspiration erfährt die musikalische Arbeit des Delian Quartetts durch das regelmäßige Zusammenwirken mit anderen Künstlern von internationalem Rang in erweiterter Besetzung. Zu den Gästen des Ensembles gehören Menahem Pressler, Gérard Caussé, Alfredo Perl, José Luis Estellés, Gilles Apap, Anatol Ugorski, Dora Schwarzberg, Herbert Schuch, Sophie-Mayuko Vetter, Andreas Frölich, Hartmut Rohde, Adrian Oetiker, Ya Dong, Per Arne Glorvigen, Ralph Manno, Bernd Glemser, Dimitri Ashkenazy, Igor Kamenz, Michel Lethiec, Lisa Smirnova, François Salque, Pavel Gililov, Peter Lohmeyer und Bruno Ganz.

Das hr-Sinfonieorchester, 1929 als eines der ersten Rundfunk-Sinfonieorchester Deutschlands gegründet, meistert erfolgreich den Spagat zwischen der Pflege der Tradition und den Herausforderungen eines modernen Spitzenorchesters. Konzertreihen mit unterschiedlichen Programmschwerpunkten, in denen große Sinfonik auf Alte Musik und Konzerte mit Neuer Musik auf Projekte für junge Konzertbesucher treffen, markieren sein künstlerisches Profil. Mit internationalen Gastspielen und preisgekrönten CD-Produktionen genießt das Orchester als Frankfurt Radio Symphony zugleich weltweit einen hervorragenden Ruf. Regelmäßige Konzertreisen nach Asien sind ebenso selbstverständlich wie die stete Präsenz auf bedeutenden europäischen Konzertpodien. Aktuelle Tourneen führen in der Saison 2015/16 nach Italien, Spanien sowie nach Japan und Südkorea.

Für seine hervorragenden Bläser, seinen satten Streicherklang und seine dynamische Spielkultur berühmt, steht das hr-Sinfonieorchester mit seinem Chefdirigenten Andrés Orozco-Estrada heute gleichermaßen für musikalische Exzellenz wie für ein interessantes und vielseitiges Repertoire. Bekannt geworden durch seine Maßstäbe setzenden Einspielungen der romantischen Literatur, zählt das hr-Sinfonieorchester Frankfurt seit Jahrzehnten zu den international führenden Mahler- und Bruckner-Orchestern – eine Tradition, die vom langjährigen Chefdirigenten Eliahu Inbal über seine Nachfolger Dmitrij Kitajenko und Hugh Wolff ausstrahlte bis hin zur vielbeachteten Arbeit von Paavo Järvi, dem heutigen Conductor Laureate des hr-Sinfonieorchesters.

Entscheidende Akzente in seinem Engagement für die Tradition wie für die zeitgenössische Musik setzte das Orchester bereits mit seinem ersten Chefdirigenten Hans Rosbaud unmittelbar nach der Gründung. Nach dem Krieg und dem Wiederaufbau unter Kurt Schröder, Winfried Zillig und Otto Matzerath entwickelte sich das hr-Sinfonieorchester in den 1960er- bis 1980er-Jahren unter Dean Dixon und Eliahu Inbal schließlich zu einem Orchester von internationalem Format mit Gastspielen in aller Welt und wichtigen, vielfach ausgezeichneten Schallplatten- und CD-Editionen.

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Andrés Orozco-Estrada ist seit der Spielzeit 2014/15 Chefdirigent des hr-Sinfonieorchesters Frankfurt und Music Director beim Houston Symphony Orchestra. Außerdem ernannte ihn das London Philharmonic Orchestra im September 2015 zu seinem Ersten Gastdirigenten. Ab der Spielzeit 2021/22 wird er Chefdirigent der Wiener Symphoniker, beginnt aber seine Zusammenarbeit mit dem Orchester schon in der Saison 2020/21 als Designierter Chefdirigent.

Andrés Orozco-Estrada dirigiert viele der führenden Orchester weltweit, darunter die Wiener Philharmoniker, Berliner Philharmoniker, Staatskapelle Dresden, das Gewandhausorchester Leipzig, Royal Concertgebouw Orchestra, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia und Orchestre National de France ebenso wie bedeutende amerikanische Orchester in Philadelphia, Pittsburgh, Cleveland und Chicago. Beim »Glyndebourne Festival«, bei den »Salzburger Festspielen« und bei der »Styriarte« leitete er sehr erfolgreiche Konzerte und Opernaufführungen.

Zu den Höhepunkten der Spielzeit 2018/19 zählen sein Konzert mit den Wiener Philharmonikern bei der »Mozartwoche Salzburg« und die Neuproduktion des »Rigoletto« an der Staatsoper Unter den Linden Berlin. Außerdem dirigierte er sein Debütkonzert bei den »BBC Proms« mit dem London Philharmonic Orchestra und leitete erstmals das Chamber Orchestra of Europe. Als Gast kehrt er ans Pult der Staatskapelle Dresden und des Mahler Chamber Orchestra zurück. Mit seinem hr-Sinfonieorchester ist er mit einer konzertanten Aufführung von Strauss’ »Elektra« in Frankfurt und Dortmund zu erleben. Im Dezember leitet er als designierter Chefdirigent der Wiener Symphoniker die Konzerte mit Beethovens 9. Sinfonie zum Jahreswechsel. Darüber hinaus erhielt er Wiedereinladungen zum Chicago Symphony Orchestra und zum Philadelphia Orchestra. Andrés Orozco-Estrada führt auch sein Engagement für junge Musiker fort: Er dirigiert ein Konzert der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker und leitet ein gemeinsames Education-Projekt des Tonhalle-Orchesters Zürich mit der Filarmónica Joven de Colombia, mit der er anschließend auf Tournee geht.

Große Aufmerksamkeit finden seine Plattenveröffentlichungen bei Pentatone: Mit dem hr-Sinfonieorchester legte er Strawinskys »Feuervogel« und »Sacre du printemps« vor. Jüngst erschien die Einspielung der »Alpensinfonie« aus seinem Richard-Strauss-Zyklus mit dem hr-Sinfonieorchester. Mit dem Houston Symphony hat er einen Dvořák-Zyklus eingespielt; außerdem liegen mit ihm sämtliche Brahms- und Mendelssohn-Sinfonien vor.

In Medellín (Kolumbien) geboren, begann Andrés Orozco-Estrada seine musikalische Ausbildung mit dem Violinspiel. Als 15-Jähriger erhielt er seinen ersten Dirigierunterricht und ging 1997 zum Studium nach Wien, wo er an der renommierten Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in die Dirigierklasse von Uroš Lajovic, einem Schüler des legendären Hans Swarowsky, aufgenommen wurde. Orozco-Estrada lebt in Wien.

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In den zwei Dekaden seit ihrem Debüt hat die zweimalige »Grammy«-Gewinnerin Hilary Hahn sich mit ihrer Virtuosität, ihren ausdruckstarken Interpretationen und ihrer kreativen Programmauswahl weltweit einen Namen gemacht.

Während ihrer diesjährigen Frühlingstournee führt Hahn die Zusammenarbeit mit Paavo Järvi und der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, Leonard Slatkin und dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin und der Pianistin Natalie Zhu fort; außerdem tritt sie mit dem Barcelona Symphony Orchestra, dem Catalonia National Orchestra und den Göteburger Symphonikern auf und begibt sich auf eine Recital-Tour durch Asien, Europa und die USA. Kürzlich ist ihre neuste CD-Einspielung erschienen: Mozarts fünftes und Vieuxtemps’ Violinkonzert Nr. 4 mit Paavo Järvi und der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen.

Hahn hat 15 Alben bei der Deutschen Grammophon und Sony aufgenommen, zudem drei DVDs, einen »Oscar«-nominierten Soundtrack, eine Aufnahme für Kinder und diverse Compilations. Diese umfassen ein breites Repertoire von Bach, Strawinsky, Elgar, Beethoven, Mozart über Paganini und Spohr bis Schönberg, Barber, Bernstein und viele weitere. Ihre Aufnahmen haben beinahe alle Kritikerpreise der internationalen Presse gewonnen und hatten ebenso populären Erfolg, welches sich in Top-Ten-Platzierungen der Billboard-Klassik-Charts niederschlug. Ihre CD, auf der sie die Konzerte Schönbergs und Sibelius’ gegenüberstellt, hielt sich 23 Wochen in den Charts und brachte ihr 2009 ihren zweiten »Grammy« ein. Den ersten erhielt sie 2003 für ihr Album mit Violinkonzerten von Brahms und Strawinsky. 2010 veröffentlichte sie Jennifer Higdons Violinkonzert, welches die Komponistin für Hahn geschrieben hatte und das den »Pulitzer Prize« verliehen bekam.

Hahn bekam ihren ersten Geigenunterricht kurz vor ihrem vierten Geburtstag. Mit fünf Jahren kam sie in Kontakt mit Klara Berkovich, bei der sie studierte, bis sie mit zehn Jahren am Curtis Institute of Music angenommen wurde. Als sie dort ihren Abschluss machte, hatte sie bereits ihre Solo-Debüts mit den Baltimore und Pittsburgh Symphony Orchestra, dem Philadelphia und dem Cleveland Orchestra sowie dem New York Philharmonic gefeiert. Als sie mit 19 Jahren ihren Bachelor machte, war sie bereits Vollzeit-Musikerin und tourte um die Welt.

Hahn ist auch eine eifrige Autorin; sie bloggt regelmäßig und schreibt Artikel für ihre Webseite (hilaryhahn.com). Außerdem hat sie einen You-Tube-Kanal, auf dem sie häufig Gäste interviewt. Ihr Geigenkasten erstattet überdies als Alter Ego Bericht über die vielen Reisen auf Twitter und Instagram unter @violincase. Sie hat zahlreiche Zeitschriftencover der Klassik-Fachpresse geschmückt und in populären Magazinen wie »Vogue«, »Elle« und »Marie Claire« wurde über sie berichtet. 2001 ernannte das »Time Magazine« sie zu »America’s Best Young Classical Musician«. 2010 trat sie als Gaststar in der »Tonight Show with Conan O'Brien« auf und spielte dort Bartók und Brahms. Sie hat auch an einigen nicht-klassischen Musical-Produktionen mitgewirkt, zwei Alben der Alternative-Rock-Band …And You Will Know Us By The Trail of Dead mit eingespielt und war mit dem Singer-Songwriter Josh Ritter auf Tour.

Der WDR Rundfunkchor Köln existiert seit 1947. Die 45 Sängerinnen und Sänger des Profi-Ensembles zeichnen sich durch ihre Repertoire-Vielseitigkeit ebenso aus wie durch ihre Spezialisierung auf sehr anspruchsvoll zu singende Werke. Das Spektrum reicht dabei von der Musik des Mittelalters bis zu zeitgenössischen Kompositionen. A-cappella-Konzerte, groß besetzte Oratorien mit Orchester und solistisch besetzte Vokal-Musik bilden ebenso das Profil wie sinfonisches Repertoire oder Filmmusik und Oper. Mehr als 150 Ur- und Erstaufführungen zeichnen das bisherige Programm des WDR Rundfunkchores Köln aus, darunter Werke von Schönberg, Henze, Stockhausen, Nono, Boulez, Zimmermann, Penderecki, Xenakis, Berio, Eötvös und Tüür. Der Rundfunkchor ist in steter Bewegung, dringt in neue Räume vor, sucht engagiert nach Herausforderungen und bringt Partituren größter Schwierigkeitsgrade zum Klingen. Die Freude an Chormusik und die Einladung an alle Menschen zum Singen ist dem Chor ein Anliegen und gehört gleichermaßen zum Aufgabenspektrum wie die Kinder- und Familienkonzerte. Von 2004 bis 2011 war Rupert Huber Chefdirigent. Durch seine kreativen Programmkonzepte entstanden einzigartige Konzerte, die dem Publikum neue Perspektiven des Hörens eröffneten. Verschiedene CD-Veröffentlichungen dokumentieren diese Arbeit. 2012 erhielt der WDR Rundfunkchor Köln den »ECHO Klassik« für die »Chorwerkeinspielung des Jahres« von György Ligetis Requiem.

Ständiger Einstudierer des Chores ist Robert Blank. Seit 2014/15 besetzt der renommierte schwedische Chordirigent Stefan Parkman die Chefdirgentenstelle beim WDR Rundfunkchor Köln. Er erweitert das Repertoire des Chores um bedeutende Werke der skandinavischen Chormusik. Aber auch Zentralwerke der romantischen A-cappella-Chorliteratur und die Pflege der europäischen Oratorientradition sind ihm ein Anliegen.

»Sing mal mit der Maus« muss leider entfallen.

Bedauerlicherweise muss das für den 5. Mai 2021 geplante Konzert »Sing mal mit der Maus« abgesagt werden, da solch ein großes Mitsingkonzert angesichts der aktuellen dynamischen Pandemielage nicht planbar ist. Es wurde aber ein ausgezeichneter Ersatz aus der WDR-Familie gefunden: Dackl und Isabel Hecker laden zum selben Termin ins KONZERTHAUS DORTMUND zu einem besonderen Familienkonzert ein.

Wenn die Maus zum großen Mitsingkonzert einlädt, ist eine lustige Gesangsstunde garantiert! Da darf man Grimassen schneiden und natürlich ganz laut mitschmettern – vor allem altbekannte Kinder- und Volkslieder. André Gatzke stimmt in den riesigen Chor mit ein und erklärt, warum es sich lohnt, auf dem Kopf stehend zu singen. [short_introduction] => [search_tags] => , Die Maus , WDR Kinderchor Dortmund , WDR Rundfunkchor , Bernhard Gaube , Rolf Schmitz-Malburg , Kinder & Jugend , André Gatzke , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Der 1983 in Baden-Baden geborene Mischa Meyer begann sein Studium 1996, zunächst als Jungstudent, bei Prof. Martin Ostertag. 2004 wechselte er an die Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin, wo er sein Konzertexamen absolvierte. Er ist Mitglied des Ovid-Trios und des Eisler-Quartetts und engagiert sich im Solistenensemble Kaleidoskop, das vor allem Neue und neueste Musik zur Aufführung bringt. Neben dem Gewinn des »Deutschen Musikwettbewerbs« 2007 ist er u. a. Preisträger des »Internationalen Johannes Brahms Wettbewerbes«, des »Internationalen David Popper Wettbewerbs«, des »Wettbewerbs des Bundes deutscher Industrie« und Träger des »Stenebrüggen-Preises« der Stadt Baden-Baden.

Solistisch trat Mischa Meyer u. a. mit der Augsburger Philharmonie, dem Kyoto-Kammerorchester, der Polnischen Kammerphilharmonie, der Baden-Badener Philharmonie, der Sinfonietta München, dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin und dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin auf. Zur Saison 2007/08 wurde er vom Deutschen Symphonie-Orchester Berlin auf die Position des Solo-Cellisten berufen.

Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Bedauerlicherweise muss das ursprünglich am 09.05.2021 geplante Konzert von Meow Meow aus tourtechnischen Gründen ersatzlos entfallen. Ticketinhaber werden informiert.

Hinter dem Künstlernamen Meow Meow steckt eine sturz-schrille Performerin, die sich in ihrem New Yorker Alter Ego als Fabelwesen, internationales Stimmwunder und Kamikaze-Körper nach Herzenslust austoben kann. Mit dem Genre Chanson geht sie auf bis dato unerhörte Weise um. Wie muss man sich diese Sally Bowles des 21. Jahrhunderts vorstellen? Ein wilder Zug von Brel und Brecht, chinesische Kurtisanengesänge wirbeln mit Piazzollas Tangos durch Hongkongs Popkitsch-Kulisse, eine Mischung aus Liza Minelli und Amy Winehouse – zusammen einfach Meow Meow. [short_introduction] => Ein wilder Zug von Brel und Brecht, chinesische Kurtisanengesänge wirbeln mit Piazzollas Tangos durch Hongkongs Popkitsch-Kulisse, eine Mischung aus Liza Minelli und Amy Winehouse – zusammen einfach Meow Meow. [search_tags] => , Meow Meow , Cabaret + Chanson , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Das Konzert muss leider auf den 22. Mai 2022 verschoben werden.

Tickets behalten ihre Gültigkeit. Sollten Sie den neuen Termin allerdings nicht wahrnehmen können, wenden Sie sich für eine Rückerstattung bitte telefonisch an unser Ticketing unter 0231 – 22 696 200.

Die Idee zu seinem neuen Projekt »Side-Eye« entstand aus Pat Methenys eigenen Erfahrungen: Zu Beginn seiner Karriere profitierte er vom Zusammenspiel mit älteren Musikern. Oft stellte ihn deren fortgeschrittenes Niveau vor Herausforderungen, half ihm aber gleichzeitig, sich und sein eigenes Spiel kontinuierlich weiterzuentwickeln. Eine überaus positive Lernsituation, die Pat Metheny nun selbst an eine junge Generation von Musikern weitergeben möchte. Ausgewählt hat er für »Side-Eye« junge Kollegen, mit deren musikalischer Vision er sich verbunden fühlt. [short_introduction] => In seinem neuen Projekt »Side-Eye« holt Gitarren-Star Pat Metheny sich junge Musiker an die Seite, die seiner musikalischen Vision verbunden sind. [search_tags] => , Pat Metheny , James Francies , Joe Dyson , Jazz , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Das Konzert muss leider auf den 22. Mai 2022 verschoben werden.

Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Als Geburtsstunde der Wiener Philharmoniker gilt ein am 28. März 1842 von Otto Nicolai und den Mitgliedern des Wiener Hofopernorchesters veranstaltetes Konzert. Seit damals bestehen bis heute gültige Prinzipien: Nur im Orchester der Hofoper (heute: Wiener Staatsoper) engagierte Musiker können Mitglieder der Wiener Philharmoniker werden, alle Entscheidungen werden von der Hauptversammlung auf demokratische Weise getroffen, wobei absolute Unabhängigkeit und Eigenverantwortlichkeit bestehen, und die eigentliche Verwaltungsarbeit wird von einem demokratisch gewählten Ausschuss durchgeführt.

Hatten die Wiener Philharmoniker, die sich 1908 als Verein konstituierten, die Leitung ihrer Abonnementkonzerte zunächst einem einzigen, auf die Dauer einer Saison gewählten Dirigenten anvertraut, so praktizieren sie seit 1933 das Gastdirigentensystem, in dessen Rahmen sie mit den bedeutendsten Künstlern arbeiten.

Die Einmaligkeit dieses Ensembles, welches seit seiner Gründung rund 9000 Konzerte bestritten hat, beruht auf seiner einzigartigen Struktur und Geschichte, der Symbiose zwischen Opernhaus und Konzertsaal sowie der von einer Generation an die nächste weitergegebenen Homogenität des Musizierens. Seit 1922 nimmt das Orchester an den »Salzburger Festspielen« teil. Seit 1989 bzw. 1993 absolviert es »Wiener Philharmoniker-Wochen« in New York und Japan. Das Neujahrskonzert wird in über 90 Länder weltweit übertragen und das Sommernachtskonzert Schönbrunn im einzigartigen Ambiente des historischen Schlossparks, ebenfalls im Fernsehen weltweit übertragen, zieht alljährlich bis zu 100.000 Besucher an.

Seit 2008 ist Rolex der Exklusivpartner der Wiener Philharmoniker.

Die Wiener Philharmoniker haben es sich zur Aufgabe gemacht, die humanitäre Botschaft der Musik in den Alltag und ins Bewusstsein des Publikums zu tragen. Im Jahr 2012 wurden sie zum Goodwill Ambassador der IIASA (International Institute for Applied Systems Analysis) ernannt. Die Wiener Philharmoniker möchten jenes Motto verwirklichen, das Ludwig van Beethoven, dessen sinfonischem Schaffen sie ihre Entstehung verdanken, seiner Missa solemnis voranstellte: »Von Herzen – möge es wieder zu Herzen gehen.«

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Der in Oxford geborene Daniel Harding begann seine Laufbahn als Assistent von Sir Simon Rattle beim City of Birmingham Symphony Orchestra, mit dem er 1994 sein professionelles Debüt gab. Er wurde Assistent von Claudio Abbado bei den Berliner Philharmonikern und debütierte mit diesem Orchester 1996 beim »Berlin Festival«. Harding ist heute Musikdirektor des Swedish Radio Symphony Orchestra und des Orchestre de Paris. Das Mahler Chamber Orchestra ehrte ihn mit dem Titel Conductor Laureate auf Lebenszeit. 2018 wurde er zudem Artistic Director des »Anima Mundi Festival«.

Daniel Harding steht regelmäßig als Gastdirigent bei den Wiener Philharmonikern, dem Royal Concertgebouw Orchestra, den Berliner Philharmonikern, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem Orchestra Filarmonica della Scala am Pult. 2005 eröffnete er die Saison an der Mailänder Scala mit einer Neuproduktion von Mozarts »Idomeneo«. Er kehrte in den folgenden Jahren zurück und leitete »Salome«, »Herzog Blaubarts Burg«, »Il prigioniero«, »Cavalleria rusticana« und »I pagliacci« (ausgezeichnet mit dem Kritikerpreis »Franco Abbiati«), »Falstaff« und zuletzt »Fierrabras«. Seine Opernerfahrung umfasst zudem »Ariadne auf Naxos«, »Don Giovanni« und »Le nozze di Figaro« mit den Wiener Philharmonikern bei den »Salzburger Festspielen«, »The Turn of the Screw« und »Wozzeck« am Royal Opera House Covent Garden, »Die Entführung aus dem Serail« an der Bayerischen Staatsoper, »Die Zauberflöte« bei den »Wiener Festwochen« sowie »Wozzeck« am Theater an der Wien. Dem »Festival d’Aix-en-Provence« eng verbunden hat Harding dort Neuproduktionen von »Così fan tutte«, »Don Giovanni«, »The Turn of the Screw«, »La traviata«, »Eugen Onegin« und »Le nozze di Figaro« dirigiert.

Hardings Aufnahmen für die Deutsche Grammophon, Mahlers Sinfonie Nr. 10 mit den Wiener Philharmonikern und Orffs »Carmina Burana« mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, erhielten beide höchste Anerkennung. Bei Virgin/EMI erschienen Mahlers Sinfonie Nr. 4 mit dem Mahler Chamber Orchestra, die Sinfonien Nr. 3 und 4 von Brahms mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, »Billy Budd« mit dem London Symphony Orchestra (ausgezeichnet mit dem »Grammy Award« für die »Beste Opernaufnahme«), »Don Giovanni« und »The Turn of the Screw« mit dem Mahler Chamber Orchestra (ausgezeichnet mit dem »Choc de l’Année« 2002, dem »Grand Prix de l’Academie Charles Cros« und einem »Gramophone Award«), Werke von Lutosławski mit Solveig Kringelborn und dem Norwegian Chamber Orchestra sowie Werke von Britten mit Ian Bostridge und der Britten Sinfonia (ausgezeichnet mit dem »Choc de l’Année« 1998). Auch mit Harmonia Mundi arbeitet er regelmäßig zusammen: Seine letzten Veröffentlichungen, »The Wagner Project« mit Matthias Goerne und Mahlers Sinfonie Nr. 9 mit dem Swedish Radio Symphony Orchestra, wurden von der Kritik hochgelobt.

In der Saison 2018/19 geht er auf Tourneen mit dem Swedish Radio Symphony Orchestra durch Europa, mit dem Orchestre de Paris durch Japan, mit dem Mahler Chamber Orchestra durch Australien, Japan und China sowie mit dem Royal Concergebouw Orchestra durch die USA. Zwei Projekte führen ihn zu den Berliner Philharmonikern, darunter das prestigeträchtige Europakonzert im Musee d’Orsay in Paris. Harding kehrt außerdem zum Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony und zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks zurück.

2002 verlieh die französische Regierung Daniel Harding den Ehrentitel eines »Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres« und erhob ihn 2017 in den Stand des »Officier«. 2012 wurde er zum Mitglied der Royal Swedish Academy of Music ernannt. Harding ist ausgebildeter Flugzeugpilot.

Das WDR Funkhausorchester Köln (vormals WDR Rundfunkorchester Köln) in seiner heutigen Gestalt wurde 1947 gegründet.

Mehrere kleinere und größere Instrumentalformationen, deren Gründung teilweise bis in das Jahr 1927 zurückreicht, gingen in ihm auf. Heute hat das prominente Aushängeschild des WDR 56 Mitglieder und ist europaweit das einzige Sinfonieorchester, das auf Unterhaltungsmusik in ihrer gesamten Bandbreite spezialisiert ist: Musical, Spieloper und Operette, Filmmusik und Nischen der klassischen Musik, unbekannte Oratorien und Jazzverwandtes.

Neben regelmäßigen Auftritten in den Konzertsälen Nordrhein-Westfalens und bei internationalen Musikfestivals bestreitet das WDR Funkhausorchester beliebte Konzertreihen in der Kölner Philharmonie und im Klaus-von-Bismarck-Saal des Funkhauses am Wallrafplatz. Durch regelmäßige Sendereihen, vor allem bei WDR 4, wird das WDR Funkhausorchester Woche für Woche von mehr Menschen gehört als jedes andere Orchester – und das nicht nur im Sendegebiet, sondern dank moderner Satellitentechnik mittlerweile nahezu weltweit. Die Anzahl der Schallplatteneinspielungen, die das WDR Funkhausorchester seit den 1950er-Jahren produziert hat, ist heute äußerst umfangreich. Viele dieser Produktionen wurden mit internationalen Schallplattenpreisen ausgezeichnet.

Das Wirkungsspektrum des Orchesters hat sich in seiner mehr als 65 Jahre umfassenden Geschichte stark erweitert. In jüngster Zeit hat das Orchester etwa die faszinierende Welt der Computerspielemusik für sich entdeckt und 2012 ein Dubstep-Projekt aus der Taufe gehoben. Damit sowie mit zahlreichen anderen Konzertformen für Kinder und Jugendliche erreicht das WDR Funkhausorchester stets ein neues Publikum und begeistert auch die jüngsten Hörerinnen und Hörer für sinfonische Musik. Außerdem widmet es sich verstärkt der originalgetreuen Rekonstruktion von Operettenpartituren verfolgter und verfemter Komponisten wie zum Beispiel von Paul Abraham und Leo Fall. Hinzu kommt auch die Einspielung historischer und neu komponierter Stummfilmmusiken in Zusammenarbeit mit ZDF/ARTE.

Auch außerhalb des Sendegebietes ist das WDR Funkhausorchester regelmäßig zu erleben. So gastierte es 2011 unter anderem in der Alten Oper in Frankfurt und in Berlin, wo es als erstes Orchester überhaupt das Weltkulturerbe »Neues Museum« bespielte. Darüber hinaus war und ist das WDR Funkhausorchester stets gern gesehener Gast bei den wichtigen deutschen Festivals, etwa dem Rheingau Musik Festival, den Musikfestspielen Mecklenburg-Vorpommern oder dem Internationalen Musikfestival Heidelberger Frühling.

Von der Spielzeit 1997/98 bis zum Jahr 2003 war Helmuth Froschauer Chefdirigent des Orchesters. In Würdigung seiner besonderen Verdienste wurde er nach dem Ende seiner aktiven Dienstzeit zum Ehrendirigenten ernannt. Als Chefdirigenten folgten Michael Jurowski und Niklas Willén. Mit Beginn der Saison 2014/2015 übernimmt der Brite Wayne Marshall als Chefdirigent die Leitung des WDR Funkhausorchesters.

Ihr unmittelbarer Zugang zur Musik lässt Isabelle Faust zum Wesentlichen der Werke vordringen. Das Publikum spürt ihre natürliche Musikalität ebenso wie den Drang, die Kenntnis des Repertoires durch ein genaues Studium der Partituren und musikhistorische Recherchen zu vertiefen. Als Preisträgerin des »Leopold-Mozart-Wettbewerbs« in Augsburg und des »Paganini-Wettbewerbs« in Genua musizierte sie bereits in jungen Jahren mit bedeutenden Orchestern in aller Welt wie den Berliner Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra, dem NHK Symphony Orchestra, Freiburger Barockorchester und Chamber Orchestra of Europe. Seit 2016 ist sie »Artistic Partner« des Mahler Chamber Orchestra.

Isabelle Faust spielt ein Repertoire, das von Bach bis hin zu Werken zeitgenössischer Komponisten wie Ligeti, Lachenmann oder Widmann reicht. So führt sie neben den großen sinfonischen Violinkonzerten Schuberts Oktett auf historischen Instrumenten ebenso wie Kurtágs »Kafka-Fragmente« mit Anna Prohaska auf. Für die nächsten Spielzeiten sind Uraufführungen von Adámek, Stroppa, Strasnoy und Furrer in Vorbereitung. Regelmäßig arbeitet sie mit Dirigenten wie Sir John Eliot Gardiner, Philippe Herreweghe, Daniel Harding, Bernard Haitink und Andris Nelsons zusammen. Eine besonders enge Beziehung verband sie in den letzten Jahren mit Claudio Abbado, mit dem sie in mehreren Ländern konzertierte und für Harmonia Mundi eine mehrfach preisgekrönte CD mit den Violinkonzerten Beethovens und Bergs einspielte. Die Aufnahme mit dem Orchestra Mozart wurde mit dem »Diapason d’Or«, einem »ECHO Klassik«, dem »Gramophone Award 2012« und japanischen »Record Academy Award« ausgezeichnet.

Mit ihrem Kammermusikpartner Alexander Melnikov hat sie für Harmonia Mundi zahlreiche Alben eingespielt, zuletzt Sonaten für Violine und Klavier von Brahms und Klaviertrios von Schumann. Demnächst erscheinen Mozarts Violinkonzerte mit Il Giardino Armonico unter Giovanni Antonini und Bachs Sonaten für Cembalo und Violine mit Kristian Bezuidenhout.

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Als Stipendiatin der Jungen Musiker Stiftung Bayreuth wurde ihr 2011 die Teilnahme an der Masterclass Sabbioneta bei Prof. Edda Moser und Prof.

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Claus Dieter Clausnitzer absolvierte sein Schauspielstudium an der Neuen Münchner Schauspielschule. Engagements und Gastspiele führten ihn u. a. an das Residenztheater München, Theater St. Gallen, Deutsche Theater Göttingen, Theater Bremen, Schauspielhaus Bochum und ans Theaterlabor George Tabori. Bis 2010 gehörte Clausnitzer zum Ensemble des Schauspiel Dortmund, das ihn 2007 mit dem Titel Kammerschauspieler ehrte. In den 1970er-Jahren gehörte Clausnitzer zusammen mit Heinz Meier und Evelyn Hamann zum festen Stamm von Loriots Sketchpartnern. Danach übernahm er Rollen in zahlreichen Fernsehproduktionen, u. a. in Nico Hofmanns »Der Sandmann«, Kaspar Heidelbachs »Das Wunder von Lengede« und Adolf Winkelmanns »Contergan«. Seit 2002 ist er regelmäßig als taxifahrender Vater des Kommissars Thiel im Münsteraner »Tatort« zu sehen.

Als Stipendiatin der Jungen Musiker Stiftung Bayreuth wurde ihr 2011 die Teilnahme an der Masterclass Sabbioneta bei Prof. Edda Moser und Prof.

Ersatztermin für den 17. Mai 2020

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Ersatztermin für den 17. Mai 2020

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Friedrich Haider studierte an der Wiener Musikakademie und war Schüler von Nikolaus Harnoncourt. Von 1991 bis 1995 war er Chefdirigent der Opéra National du Rhin in Strassburg, heute gastiert er an vielen bedeutenden Opernhäusern weltweit, u. a. an der Wiener und der Bayerischen Staatsoper, der Sächsischen Staatsoper Dresden und am Teatro La Fenice Venedig. 2006 gab er sein Debüt an der Metropolitan Opera New York mit Verdis »Rigoletto«. Sein Repertoire umfasst über 70 Titel aus allen Stilepochen. Er steht am Pult zahlreicher Symphonieorchester wie dem London Symphony Orchestra, der Tschechischen Philharmonie oder dem Tokyo Philharmonic Orchestra. Bei der Slowakischen Philharmonie ist er seit 2001 ständiger Gastdirigent. Von 2004 bis 2011 war Friedrich Haider Chefdirigent der nordspanischen Oviedo Filarmonía. Seit 2012 ist er Chefdirigent und künstlerischer Leiter der Oper am Slowakischen Nationaltheater in Bratislava. In der aktuellen Saison dirigiert er dort u. a. »Rigoletto« und »La traviata« von Verdi, »La Bohème«von Puccini und »Die Fledermaus« von Johann Strauß. Bei Klangvokal war er bereits 2012 beim Doppelabend mit »Le Villi« von Puccini und der »Misa tango« von Luis Bacalov zu Gast.

Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

Mit Substanz

Der Bariton Matthias Goerne singt mit Prinzip: »Einfach nur zu singen, des Gefühls wegen, das man beim Singen hat, im Sinne eines Sports – das ist etwas, was ich nicht kann, was ich nicht begreife.« Deshalb schließt er gewisses Repertoire von vornherein aus. Nicht nur der sängerische Anspruch ist ihm wichtig, sondern auch der Inhalt. »Wenn Sie einem Auto die Batterie rauben, fährt es auch nicht mehr«, erklärt der Sänger seinen Standpunkt. Bei seinem Dortmunder Liederabend kreisen die Themen um Sehnsucht und Abschied. Begleitet wird er von einem Senkrechtstarter am Klavier: Seong-Jin Cho aus Südkorea überzeugt mit seinem seelenvollen Klavierspiel. [short_introduction] => [search_tags] => , Matthias Goerne , Seong-Jin Cho , Hugo Wolf Wolf: »Michelangelo-Lieder« »Michelangelo-Lieder« , Hans Pfitzner Pfitzner: Ausgewählte Lieder Ausgewählte Lieder , Richard Wagner Wagner: »Wesendonck-Lieder« WWV 91 »Wesendonck-Lieder« WWV 91 , Richard Strauss Strauss: Ausgewählte Lieder Ausgewählte Lieder , Lieder-/Arienabend , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Mit Substanz

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Der deutsche Bariton Matthias Goerne zählt zu den vielseitigsten und weltweit gefragtesten Sängern seines Stimmfachs. Er ist regelmäßig zu Gast in den international renommierten Konzertsälen und Opernhäusern sowie bei bedeutenden Festivals und hat mit nahezu allen namhaften Dirigenten und Orchestern in Europa, Amerika und Asien zusammengearbeitet.

Zuletzt war er mit Lutosławskis »Les espaces du sommeil« unter der Leitung von Esa Pekka-Salonen beim »Musikfest Berlin« zu erleben, mit dem Mahler Chamber Orchestra auf Tournee und sang Brittens »War Requiem« mit dem London Philharmonic, Boston Symphony und Chicago Symphony Orchestra, Brahmsʼ Requiem mit dem Orchestre de Paris, Lieder von Richard Strauss mit dem Gewandhausorchester Leipzig und Arien von Richard Wagner mit dem NHK Symphony Orchestra Tokio. Liederabende mit Programmen von Schubert bis Berg führen ihn in die New Yorker Carnegie Hall, ins Chicago Symphony Center, in Londons Wigmore Hall, ans Théâtre des Champs-Élysées in Paris sowie an die Opernhäuser in Zürich und Oslo.

Seit seinem Operndebüt als Papageno bei den »Salzburger Festspielen« im Jahr 1997 singt Matthias Goerne auf den großen Bühnen der Welt, darunter die Wiener Staatsoper, die Bayerische Staatsoper, die Semperoper Dresden, das Royal Opera House Covent Garden in London, die Opéra National de Paris, das Teatro Real in Madrid, das Opernhaus Zürich und die Metropolitan Opera in New York. Das Spektrum seiner sorgfältig ausgewählten Opernrollen reicht vom Pizarro (»Fidelio«), Wolfram (»Tannhäuser«), Amfortas (»Parsifal«), Kurwenal (»Tristan«) und Orest »(Elektra«) bis zu den Titelpartien in Béla Bartóks »Herzog Blaubarts Burg«, Alban Bergs »Wozzeck«, Paul Hindemiths »Mathis der Maler« und Aribert Reimanns »Lear«.

Goernes erfolgreiche künstlerische Tätigkeit ist in zahlreichen, teils mehrfach preisgekrönten Aufnahmen dokumentiert. Er ist Ehrenmitglied der Royal Academy of Music in London.

Der 1987 in Essen geborene Perkussionist Alexej Gerassimez ist als Musiker so vielseitig wie sein Instrumentarium. Sein Repertoire reicht von Klassik und Neuer Musik über Jazz bis zu Minimal Music und erweitert sich zusätzlich durch eigene Kompositionen.

Als Solist ist Alexej Gerassimez Gast international renommierter Orchester wie der NDR Radiophilharmonie Hannover, Münchner Philharmoniker, des Konzerthausorchesters Berlin, SWR Symphonieorchesters und Rundfunksinfonieorchesters Berlin unter der Leitung von Dirigenten wie Gerd Albrecht, Tan Dun, Kristjan Järvi, Eivind Gullberg Jensen und Michel Tabachnik. Daneben gestaltet Alexej Gerassimez Solo-Programme und ist ein begeisterter Kammermusiker. Zu seinen Partnern zählen u. a. die Pianisten Arthur und Lucas Jussen, der Jazzpianist Omer Klein und das Signum Saxophone Quartet.

In dem neuen Konzept-Programm »Genesis of Percussion« nehmen Alexej Gerassimez und seine Percussion Group das Publikum mit auf eine Entdeckungsreise durch unterschiedlichste rhythmische und stilistische Kulturen und zeigen die Entstehung von Klängen und Rhythmen aus unserer alltäglichen Umgebung. Weitere Highlights der Saison 2018/19 sind sein Japan-Debüt, der Beginn einer dreijährigen Residenz am KONZERTHAUS DORTMUND als »Junger Wilder« und der Auftakt als stART-Künstler von Bayer Kultur.

Seine eigenen Kompositionen sind sowohl durch die Auslotung rhythmischer und klanglicher Möglichkeiten als auch durch die Kreation eigenwilliger Sounds und die Freude an Grenzüberschreitungen gekennzeichnet. Dementsprechend integriert Alexej Gerassimez neben den üblichen Schlag- und Melodieinstrumenten auch Objekte aus eigentlich musikfernen Kontexten wie Flaschen, Bremsscheiben, Fässer oder Schiffsschrauben. Seine 2012 bei Genuin erschienene erste CD, die auch eigene Werke beinhaltet, wurde von der Presse begeistert aufgenommen.

Konzerte führten den Preisträger des »ARD-Musikwettbewerbs« bereits nach China, Südkorea, in die USA, die Schweiz und die Niederlande und zu Festivals wie dem »Schleswig-Holstein Musik Festival«, »Beethovenfest Bonn« und den »Niedersächsischen Musiktagen«. Regelmäßig ist er bei den »Festspielen Mecklenburg-Vorpommern« zu Gast; im Sommer 2017 hat er als Artist in Residence seine Instrumente und Kompositionen in über 20 unterschiedlichen Konzerten vorgestellt.

Im Januar 2017 hat Alexej Gerassimez im Rahmen der Eröffnungsfeierlichkeiten der Elbphilharmonie in Hamburg an Sasha Waltz’ choreografischer und musikalischer Raumerkundung mitgewirkt. Seitdem war er unter anderem als Solist mit der NDR Radiophilharmonie unter der Leitung von Tan Dun im Großen Saal der Elbphilharmonie zu erleben.

Seit November 2017 ist Alexej Gerassimez Professor für Schlagzeug an der Hochschule für Musik und Theater in München und hat dort die Stelle seines ehemaligen Lehrers Peter Sadlo übernommen. Am Birmingham Conservatoire ist er als Gastdozent tätig.

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Pianist und Komponist Omer Klein kreiert originelle, aufregende und sehr persönliche Musik, die von der »New York Times« als »grenzenlos« beschrieben wurde. Die »Süddeutsche Zeitung« schreibt: »Klein zeigt mit seinem Tempo, Gefühl, seiner Raffinesse und Kreativität, dass er zur ausgewählten Gruppe der Meisterpianisten zählt.« Kleins siebtes Album »Sleepwalkers« erschien im Februar 2017 und ist seine Debüt-CD bei Warner Music. Er tourt weltweit sowohl als Solist als auch mit seinem Omer Klein Trio, zu dem Bassist Cohen Milo und Schlagzeuger Armir Bresler gehören.

Omer Klein wuchs in Israel auf, wo er als »einer der faszinierendsten Künstler, die im letzten Jahrzehnt aus diesem Land kamen« (»City Mouse«, Tel Aviv) gefeiert wird. Er studierte am New England Conservatory in Boston bei Danilo Pérez und setzte seine Ausbildung in New York bei Fred Hersch fort. Dort wurde er bald ein namhaftes Mitglied der New Yorker Jazzszene, spielte als Bandleader auf den renommiertesten Bühnen der Stadt, darunter im Blue Note und Jazz at Lincoln Center. Zurzeit lebt Klein in Deutschland.

Mit seinem Trio-Album »Fearless Friday« stieg Omer Kleins Bekanntheit enorm an; die Aufnahme wurde als »eine der hörenswertesten Klaviertrio-Alben der letzten Jahre« (»All About Jazz«) gelobt. Weitere Alben sind: »Duet« (Fresh Sound), »Introducing Omer Klein« und »Heart Beats« (Smalls Records), »Rockets on the Balcony« (Tzadik), das zum »Editor’s Pick« des Magazins »Downbeat« gewählt wurde, und »To The Unknown« (Plus Loin Music), ebenfalls mit seinem Trio aufgenommen.

Omer Klein ist auch als Lehrer sehr gefragt. Er gab zahlreiche Meisterklassen und unterrichtet einen jährlich stattfindenden Kurs am Jerusalem Music Centre, der im Rahmen eines von Murray Perahia initiierten Programms stattfindet.

Für die Bühne komponierte Klein die Musik zum Stück »Lemon Tree«, das am Schauspielhaus Düsseldorf uraufgeführt wurde, und zu der Komödie »Popper« von Hanoch Levin am Cameri-Theater in Tel Aviv. Omer Klein hat zahlreiche Preise gewonnen, darunter den Ersten Preis bei der »Jazz Hoeilaart International Competition« in Belgien sowie den »Förderpreis für Musik 2013« der Stadt Düsseldorf.

Andreas Ottensamer, 1989 in Wien geboren, stammt aus einer österreichisch- ungarischen Musikerfamilie. Mit vier Jahren erhielt er seinen ersten Klavierunterricht, im Alter von 10 Jahren studierte er zunächst Violoncello und ab 2003 Klarinette bei Johann Hindler an der Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien. Er machte erste Orchestererfahrungen als Aushilfe im Orchester der Wiener Staatsoper und der Wiener Philharmoniker sowie als Mitglied des Gustav Mahler Jugendorchesters. 2009 unterbrach er ein Studium an der Harvard University, um ein Stipendium der Orchester-Akademie der Berliner Philharmoniker anzunehmen. Heute ist er Solo-Klarinettist der Berliner Philharmoniker.

Der Erste Preisträger zahlreicher Wettbewerbe für Klarinette, Violoncello und Klavier konzertiert weltweit als Solist mit Orchestern wie den Berliner Philharmonikern, den Wiener Philharmonikern, dem Konzerthausorchester Berlin, dem Rotterdam Philharmonic Orchestra und der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter der Leitung von Dirigenten wie Sir Simon Rattle, Yannick Nézet-Séguin, Andris Nelsons, Pablo Heras-Casado und Alan Gilbert. Künstlerische Partnerschaften als Kammermusiker verbinden ihn unter anderem mit Murray Perahia, Leif Ove Andsnes, Leonidas Kavakos, Janine Jansen, Sol Gabetta und Yo-Yo Ma. Gemeinsam mit dem Pianisten José Gallardo hat er die künstlerische Leitung des »Bürgenstock Festival« in der Schweiz inne.

Im Februar 2013 unterzeichnete Andreas Ottensamer einen Exklusivvertrag mit der Deutschen Grammophon – dies machte ihn zum ersten Solo-Exklusivkünstler seines Fachs in der Geschichte des gelben Labels. Mit seinem zweiten DG-Album »Brahms – The Hungarian Connection« gewann er 2015 den »ECHO Klassik« als »Instrumentalist des Jahres«. Im Februar 2017 erschien bei Decca Classics sein neuestes Album »New Era« mit Werken von Johann sowie Carl Stamitz, Danzi und Mozart.

Einen Höhepunkt der vergangenen Saison bildete das Europakonzert der Berliner Philharmoniker, in dem Ottensamer als Solist unter Mariss Jansons das erste Klarinettenkonzert von Carl Maria von Weber spielte; eine Aufzeichnung des Konzerts wird auf DVD erscheinen.

2005 gründete Andreas Ottensamer mit seinem Vater Ernst und Bruder Daniel, Solo-Klarinettist im Orchester der Wiener Staatsoper und der Wiener Philharmoniker, The Clarinotts. Eine CD des Trios erschien 2016 bei der Deutschen Grammophon.

In der Saison 2017/18 ist Andreas Ottensamer »Junger Wilder« am KONZERTHAUS DORTMUND, »Menuhin’s Heritage Artist« beim »Gstaad Menuhin Festival« sowie »Artist in Residence« der Kammerakademie Potsdam und des Bournemouth Symphony Orchestra.

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Gautier Capuçon spielt auf einem Instrument von Matteo Goffriler aus dem Jahre 1701.

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Die Superlative der Kritiker und Ovationen des Publikums haben die einzigartige Karriere Yuja Wangs von Anfang an begleitet. Die in Peking geborene Pianistin, gefeiert für ihr charismatisches Spiel und ihre fesselnde Bühnenpräsenz, ist in der Saison 2018/19 bereit für Recitals, Konzertreihen, Residenzen und Tourneen mit einigen der größten Ensembles und Dirigenten der Welt. Im Sommer 2018 spielte sie Beethovens Klavierkonzert Nr. 1 beim »Tanglewood Music Festival« mit dem Boston Symphony Orchestra unter der Leitung von Andris Nelsons, gefolgt von einer Tournee mit den Berliner Philharmonikern unter Kirill Petrenko und Prokofiews Klavierkonzert Nr. 3. Weitere Höhepunkte der Saison umfassen eine Recital-Tournee durch Südamerika und Konzerte mit den Münchner Philharmonikern unter Valery Gergiev in Asien. Residenzen führen sie zur Reihe »Perspectives« der Carnegie Hall, ins Wiener Konzerthaus, die Philharmonie Luxembourg und ins KONZERTHAUS DORTMUND.

Sie spielt Konzerte mit den Wiener Philharmonikern in Versailles und beim »Sommernachtskonzert Schönbrunn« unter Gustavo Dudamel, auf einer Tournee mit dem City of Birmingham Symphony Orchestra unter Mirga Gražinytė-Tyla und tritt in Istanbul, Toronto, Los Angeles, Chicago und Kotor auf. 2019 bricht sie zu einer Tournee nach Los Angeles, Seoul und Tokio mit dem Los Angeles Philharmonic auf, um die Uraufführung von John Adams’ jüngstem Klavierkonzert zu spielen. Für Konzerte in den USA trifft sie erneut mit dem Cellisten Gautier Capuçon zusammen, ihrem regelmäßigen Kammermusikpartner.

Als Kind einer musikalischen Familie erhielt Yuja Wang ihren ersten Klavierunterricht in China und setzte ihre Ausbildung in Kanada sowie am Curtis Institute of Music in Philadelphia bei Gary Graffman fort. Ihr internationaler Durchbruch folgte 2007, als sie für Martha Argerich als Solistin beim Boston Symphony Orchestra einsprang. Zwei Jahre später schloss sie einen Exklusivvertrag mit der Deutschen Grammophon und hat seither ihren Platz unter den großen Künstlern der Welt mit einer Reihe von gefeierten Auftritten und Einspielungen gefunden.

Yuja Wang ist »Artist of the Year 2017« des Magazins »Musical America«.

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Junge Wilde – Kian Soltani

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