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Teodor Currentzis ist Chefdirigent des SWR Symphonieorchesters undKünstlerischer Leiter des Ensembles MusicAeterna und des MusicAeterna Kammerchors. Mit MusicAeternareist Currentzis regelmäßig durch Europa und tritt in den Philharmonien in Berlin und Paris auf, im Festspielhaus Baden-Baden, der Mailänder Scala und im Auditorio Madrid. Eine enge Verbindung besteht darüber hinaus zu den »Salzburger Festspielen«. In dieser Saison geben MusicAeterna und Teodor Currentzis ihrDebüt im New Yorker The Shed mit Verdis Requiem und einer Videoinstallation von Jonas Mekas.

Als früherer Künstlerischer Leiter der Oper Perm hat Teodor Currentzis wichtige neue Werke in Auftrag gegeben, darunter Phillipe Hersants »Tristia« (2016), Dmitri Kourliandskis Oper »Nosferatu« (2014), Alexei Syumaks Oper »Cantos« (2016) sowie ein Violinkonzert von Sergey Nevsky (2015).2006 gründete Currentzis das »Territoria Modern Art Festival«, mit dem er sein Wissen und seine Leidenschaft für Alte Musik mit der Musik zeitgenössischer Komponisten verknüpft. Seit 2012 kuratiert er das »Diaghilev Festival« in Russland.

Teodor Currentzis ist Exklusivkünstler bei Sony Classical. Bisher erschienen Mozarts Da-Ponte-Trilogie, Strawinskys »Les Noces«, Tschaikowskys Violinkonzert mit Patricia Kopatchinskaja und Mahlers Sinfonie Nr. 6.Vorherige CD-Veröffentlichungen umfassen die Sinfonie Nr. 14 von Schostakowitsch, Mozarts Requiem, Purcells »Dido and Aeneas« (Alpha) sowie die mit Alexander Melnikow und dem Mahler Chamber Orchestra aufgenommenen Klavierkonzerte von Schostakowitsch (Harmonia Mundi).

2017 wurde die DVD/Blu-ray-Produktion von Purcells »The Indian Queen« in Zusammenarbeit mit dem Regisseur Peter Sellars mit einem »ECHO Klassik« geehrt. Diese Auszeichnung ging zuvor bereits an die Aufnahme von Strawinskys »Le sacre du printemps«. 2015 war Teodor Currentzis gemeinsam mit seinem Bruder Vangelino Currentzis für die Aufnahme und Komposition des Soundtracks zur Eröffnung der Europaspiele 2015 in Baku für einen »Emmy Award« in der Kategorie »Outstanding Music Direction and Composition« nominiert.Er erhielt 2008 den »Orden der Freundschaft« der Russischen Föderation und 2016 den europäischen Kulturpreis »Kairos« der Alfred Toepfer Stiftung. Im selben Jahr wurde er von der Zeitschrift »Opernwelt« für die Leitung von »Macbeth« an der Oper Zürich zum »Dirigenten des Jahres« gekürt. Teodor Currentzis wurde bereits sieben Mal der renommierte russische Theaterpreis »Goldene Maske« verliehen. Zuletzt erhielt er 2017 die Auszeichnung »Bester Operndirigent« für »La traviata« in der Regie von Robert Wilson an der Oper Perm.

Für den gebürtigen Griechen wurde Russland seit den 1990er-Jahren, als er dort sein Dirigierstudium begann, immer mehr zur Heimat. Sein Studium am St. Petersburger Konservatorium absolvierte Currentzis bei Professor Ilya Musin, unter dessen Schülern so große Dirigenten waren wie Odysseas Dimitriadis, Valery Gergiev und Semyon Bychkov.

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Holger Noltze ist Musikjournalist und seit 2005 Professor für Musik und Medien an der TU Dortmund, wo er den Studiengang Musikjournalismus aufgebaut hat. Er studierte Germanistik, Hispanistik und Geschichte in Bochum und Madrid und promovierte über Wolframs »Parzival«. Von 2000 bis 2005 war Holger Noltze Ressortleiter Aktuelle Kultur beim Deutschlandfunk. Im WDR-Fernsehen moderierte er von 2001 bis 2015 die Gesprächsrunde »west.art Talk«. Zwischen 2013 und 2017 war er zudem Sprecher des »Rats für Kulturelle Bildung«. Holger Noltze ist mit Features und Beiträgen vor allem im WDR zu hören und schreibt als Musikjournalist und Literaturkritiker u. a. für »Opernwelt«, die Neue Zürcher Zeitung und die ZEIT.

Noltze veröffentlichte Bücher über Goethe (2007) und Wagner (2008) sowie die opern- und kulturgeschichtliche Darstellung »Liebestod. Wagner, Verdi, Wir« (Hoffmann und Campe, 2013). Außerdem publizierte er die Bände »Die Leichtigkeitslüge. Über Musik, Medien und Komplexität« (Edition Körber, 2010) und zusammen mit dem Pianisten Menahem Pressler »Dieses Verlangen nach Schönheit. Gespräche über Musik« (Edition Körber, 2016).

Holger Noltze ist zudem Mitgründer der Online-Plattform takt1.de für klassische Musik.

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Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.

Meisterstück

Einer Konzertreise nach Dublin 1741 verdanken wir eines der populärsten Oratorien der Musikgeschichte. Händels »Messias« widmet sich in dieser Saison mit dem La Folia Barockorchester ein historisch informiertes Ensemble, das den Originalklang der Uraufführung auf die Bühne zu bringen weiß. Für die 21 anspruchsvollen Chorsätze tritt der Windsbacher Knabenchor an, der zu den führenden Ensembles seiner Art gehört und sowohl mit technisch bestens ausgebildeten Stimmen als auch einem natürlichen, klaren Klangbild begeistert. Ein vierköpfiges Solistenensemble, zu dem auch die ehemalige »Junge Wilde« Anna Prohaska gehört, ergänzt die erstklassige Besetzung für Händels meisterliches Oratorium. [short_introduction] => [search_tags] => , Anna Prohaska , Alex Potter , Ilker Arcayürek , Nikolay Borchev , Windsbacher Knabenchor , Georg Friedrich Händel Händel: »Messiah« (»Der Messias«) »Messiah« (»Der Messias«) Oratorium für Chor, Soli und Orchester HWV 56 , Chorkonzert , La Folia Barockorchester , Martin Lehmann , Chorklang , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.

Meisterstück

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Anna Prohaska studierte an der Hochschule für Musik »Hanns Eisler« Berlin bei Norma Sharp, Brenda Mitchell und Wolfram Rieger. Bereits mit 17 Jahren gab sie ihr Debüt an der Komischen Oper, mit 23 Jahren war sie erstmalig an der Staatsoper Unter den Linden zu hören und ein Jahr darauf, mit 24 Jahren, gab sie ihr Debüt mit den Berliner Philharmonikern. Anna Prohaska erhielt den begehrten »ECHO Klassik«, den »Daphne-Preis« und 2010 den »Schneider-Schott-Musikpreis«.

Bei den »Salzburger Festspielen« verkörperte Anna Prohaska die Rollen der Zerlina (»Don Giovanni«) und Despina (»Così fan tutte«) und trat gemeinsam mit dem Cleveland Orchestra und den Wiener Philharmonikern auf. Für die Bayerische Staatsoper München stand Anna Prohaska als Blonde (»Die Entführung aus dem Serail«) und als Inanna (»Babylon«) auf der Bühne. Am Teatro alla Scala in Mailand trat sie dann erneut in der Partie der Zerlina auf – eine Rolle, die sie auch im Rahmen einer Tournee am Bolschoi-Theater in Moskau gab. Weitere Verpflichtungen waren unter anderem Constance in »Les Dialogues des Carmelites« am Royal Opera House London, Blonde in »Die Entführung aus dem Serail« an der Pariser Oper, Morgana in »Alcina« bei den Festspielen in Aix-en-Provence, Sophie in »Der Rosenkavalier« in Baden-Baden und Anne Trulove und Marzellina am Theater an der Wien. Sie ist festes Ensemblemitglied der Staatsoper Unter den Linden, wo sie bereits ein breites Repertoire an Rollen unter Beweis stellen konnte, u. a. als Anne Trulove, Susanna, Sophie, Blonde, Zerlina, Despina, Poppea in Händels »Agrippina«, Oscar und Frasquita. Sie arbeitet mit bedeutenden Dirigenten wie Daniel Barenboim, Sir Simon Rattle, Philippe Jordan, Ingo Metzmacher und René Jacobs zusammen.

Neben dem Standardrepertoire widmet Anna Prohaska sich auch der zeitgenössischen Musik, somit umfasst ihr Repertoire u. a. Jörg Widmanns »Babylon« (komponiert und uraufgeführt an der Bayerischen Staatsoper) und Wolfgang Rihms »Mnemosyne«, welches ihr gewidmet wurde und mit dem Leipziger Gewandhausorchester Premiere feierte. Außerdem bedient sie das Genre Alte Musik und trat mit Nikolaus Harnoncourt, der Academy of Ancient Music, dem Freiburger Barockorchester und der Akademie für Alte Musik Berlin auf. Auf der Konzertbühne war Anna Prohaska gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern (Pierre Boulez), den Berliner Philharmonikern (Sir Simon Rattle, Claudio Abbado), dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks (Mariss Jansons, Daniel Harding, Bernard Labadie), dem London Symphony Orchestra (Sir Simon Rattle), dem Los Angeles Philharmonic (Gustavo Dudamel) und dem Boston Symphony Orchestra (Christoph von Dohnányi) zu erleben. Mit Solorecitals war sie zu Gast in Schwarzenberg, Berlin, Wien, Frankfurt, London, Hamburg, Amsterdam, Luzern und Paris und wurde von Pianisten wie Eric Schneider, András Schiff und Daniel Barenboim begleitet.

Anna Prohaskas Diskografie umfasst Aufnahmen von Pergolesis Stabat Mater mit Bernarda Fink für Harmonia Mundi, »Die Entführung aus dem Serail« mit Yannick Nézet-Séguin und dem Chamber Orchestra of Europe, Bergs »Lulu-Suite« mit dem Simón Bolívar Youth Orchestra of Venezuela unter Claudio Abbado und das Mozart-Requiem mit dem Lucerne Festival Orchestra, ebenfalls unter Claudio Abbado. 2011 erschien ihre erste Studio-Aufnahme mit dem Titel »Sirène« bei der Deutschen Grammophon, gefolgt von ihrem zweiten Album, »The Enchanted Forest« bei Archiv. Das neueste Album von Anna Prohaska trägt den Namen »Behind the Lines« und ist im Juni 2014 bei der Deutschen Grammophon erschienen. Anlass für dieses Konzeptalbum war der 100. Jahrestag des Ausbruchs des Ersten Weltkrieges. Die Premiere dieses Programms fand im Radialsystem V in Berlin statt und war 2014 in London, Berlin, Wien, Dortmund, Köln und München sowie beim »Edinburgh Festival« und bei den »Salzburger Festspielen« zu erleben.

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Mit sechzehn Jahren begann er seine sängerische Ausbildung am Moskauer Tschaikowsky-Konservatorium, wo er bei Prof. Maria Aria und Prof. Pavel Lisitisian studierte. 1998 gewann er den ersten Preis beim internationalen Gesangswettbewerb »Bella voce« in Moskau.Ab Oktober 2000 studierte Nikolay Borchev an der Hochschule für Musik Hanns Eisler in Berlin bei Prof. Heinz Reeh, Prof. Julia Varady und Prof. Wolfram Rieger. Er besuchte viele Meisterkurse, unter anderem bei Dietrich Fischer-Dieskau, Margreet Honig, Philip Langridge und bei der Bachwoche Stuttgart 2001, wo er mit Prof. Rudolf Piernay arbeitete und unter der Leitung von Helmut Rilling sang.Im Mai 2002 gewann Nikolay Borchev den zweiten Preis beim Internationalen Gesangswettbewerb »Sylvia Geszty« in Murcia und nahm im Sommer 2002 beim »Festival Academie Européenne de Musique d’Aix-en-Provence« teil (Die Produktion »A Sommernight’s Dream«). Die künstlerischen Leistungen Nikolay Borchevs wurden vom Förderverein der Hochschule für Musik Hanns Eisler mit der Nominierung als erster Preisträger des »startup!music«-Preises 2002 gewürdigt, und im Juni 2003 wurde ihm der Preis des DAAD verliehen.Seit der Spielzeit 2004/05 ist Nikolay Borchev Ensemblemitglied an der Bayerischen Staatsoper, wo er mit namhaften Dirigenten und Regisseuren arbeitet und unter anderem als Moralès (»Carmen«), Papageno (»Die Zauberflöte«), Donald (»Billy Budd«), Angelo (»Medusa«) und Guglielmo (»Così fan tutte«) zu hören ist und in der nächsten Spielzeit die Partie des Dandini in »La Cenerentola« übernehmen wird.Zukünftige Engagements werden ihn in nächster Zeit zu den »Schwetzinger Festspielen« (Pluto in »Proserpina«), zu den »Pfingstfestspielen Salzburg« (»Alexanderfest«), zu den »Festwochen Alter Musik« Innsbruck (Masetto in »Don Giovanni« unter René Jacobs), an die Oper Leipzig (Marcello in »La Bohème«), und ans Théâtre de la Monnaie (Moritz in »Frühlings Erwachen« und Papageno in «Die Zauberflöte«) führen.Weitere Informationen unter [a title="Nikolay Borchev" href="http://www.borchev.com/">www.borchev.com[/a] [image] => [event_role] => Bass [artist_role] => Bariton [artist_id] => 160568 ) [4] => Array ( [name] => Knabenchor [firstName] => Windsbacher [role] => [role_attr] => [gibbet_bio] => 1 [biography] => Der Windsbacher Knabenchor zählt heute zu den führenden Ensembles seiner Art. Die geistliche Musik bildet den Mittelpunkt seines weit gefächerten Repertoires von der Renaissance bis zur zeitgenössischen Musik. Neben vielen A-cappella-Werken liegt der Schwerpunkt auf den großen Werken von Bach, Händel, Mozart und Mendelssohn Bartholdy. Eine einzigartige Synthese von Musikalität, Genauigkeit und Klangreinheit ist das Markenzeichen des Chores. Seit Karl-Friedrich Beringer 1978 die Chorleitung übernahm, ist das Ansehen des 1946 von Hans Thamm gegründeten Ensembles weiter gestiegen. Führende Dirigenten wie Kent Nagano, und Orchester wie das Deutsche Symphonie Orchester Berlin und das Symphonieorchester des Bayeri­schen Rundfunks, arbeiten gern mit dem Chor zusammen. Dass die »Windsbacher« ein wichtiger Teil der nationalen und internationalen Konzertszene ist, zeigen Einladungen zu bedeutenden Musikfestivals. Neben Konzerttourneen ins europäische Ausland ist der Chor bereits in Japan, Nord- und Südamerika, Taiwan, Singapore und China aufgetreten. 70 Konzerte jährlich sowie CD- und Rund­funkaufnahmen überzeugen Musikkritiker und Publikum gleichermaßen. Zentrales Anliegen der Leitung der »Windsbacher« ist es, junge Menschen für die Musik zu begeistern. Neben der Gesangsausbildung erhalten die Jungen im Internat Instrumentalunterricht und eine umfassende Bildung. Finanzielle Förderung von öffentlicher, kirchlicher und privatwirtschaftlicher Seite unterstützt die musikalische und persönliche Entwicklung der Schüler.  Als kultureller Botschafter der Metropol­region Nürnberg  ist der Chor zu einem Markenzeichen Frankens und zu einem Aushängeschild des evangelischen Bayern geworden. 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Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.
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Sabine Meyer gehört weltweit zu den renommiertesten Solisten überhaupt. Ihr ist es zu verdanken, dass die Klarinette, oft als Soloinstrument unterschätzt, das Konzertpodium zurückerobert hat.

In Crailsheim geboren, schlug Sabine Meyer nach Studien in Stuttgart bei Otto Hermann und in Hannover bei Hans Deinzer zunächst die Orchesterlaufbahn ein und wurde Mitglied des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks. Es folgte ein Engagement als Solo-Klarinettistin bei den Berliner Philharmonikern, welches sie jedoch bald aufgab, da sie zunehmend als Solistin gefragt war. In mehr als dreißig Jahren führten sie unzählige Konzerte sowie Rundfunk- und Fernsehauftritte in alle Musikzentren Europas sowie nach Brasilien, Israel, Kanada, China, Australien, Japan und in die USA.

Sabine Meyer feierte weltweit Erfolge als Solistin bei mehr als dreihundert Orchestern. Sie gastierte bei allen bedeutenden Orchestern in Deutschland und wurde von den führenden Orchestern der Welt engagiert, u. a. von den Wiener Philharmonikern, vom Chicago Symphony Orchestra, London Philharmonic Orchestra, NHK Symphony Orchestra, von den Berliner Philharmonikern, Radio-Sinfonieorchestern in Wien, Basel, Warschau, Prag sowie von zahlreichen weiteren Klangkörpern.

Sabine Meyers besondere Zuneigung gehört der Kammermusik, wobei sie Wert auf eine kontinuierliche Zusammenarbeit legt. In vielfältigen Zusammensetzungen hat sie mit Künstlern wie Juliane Banse, Martin Helmchen, Daniel Hope, Nils Mönkemeyer, dem Hagen Quartett, Modigliani Quartet sowie Schumann Quartett musiziert.

1983 gründete sie mit ihrem Ehemann Reiner Wehle und ihrem Bruder Wolfgang Meyer das Trio di Clarone. Fast vergessene Original-Kompositionen Mozarts sowie bedeutende Werke der Gegenwart bilden das Repertoire; erweitert durch außergewöhnliche Programme, mehrfach in Zusammenarbeit mit dem Jazzklarinettisten Michael Riessler. Auch außerhalb des Trios gibt es immer wieder neue und ausgefallene Projekte – so entstand mit dem Saxofonquintett Alliage ein witzig-spritziges Programm mit neu arrangierten Klassikern wie Dukas »Zauberlehrling« und Strawinskys »Feuervogel«.

Im solistischen wie im kammermusikalischen Bereich setzt Sabine Meyer sich immer wieder für zeitgenössische Musik ein – so wurden ihr Werke von Jean Françaix, Edison Denisov, Harald Genzmer, Toshio Hosokawa, Niccolò Castiglioni, Manfred Trojahn, Aribert Reimann und Péter Eötvös gewidmet. 2015 spielte sie im Rahmen des »Lucerne Festival« die Uraufführung eines Konzerts von Márton Illés.

Sabine Meyer hat zahlreiche Einspielungen bei EMI Classics gemacht; des Weiteren gibt es Aufnahmen für Deutsche Grammophon, Sony sowie Cavi-Music. Das aufgenommene Repertoire reicht von der Vorklassik bis hin zu zeitgenössischen Kompositionen und umfasst alle wichtigen Werke für Klarinette. Die jüngsten Veröffentlichungen bei Sony beinhalten zum einen ein Trioprogramm mit Nils Mönkemeyer und William Young, zum anderen das ausgefallene Projekt »Fantasia« mit dem Alliage Quintett.

Neben der achtmaligen Auszeichnung mit dem »Echo Klassik« ist Sabine Meyer Trägerin des »Niedersachsenpreis«, »Brahms-Preis« und »Praetorius Musikpreis Niedersachsen«; sie ist Mitglied der »Freien Akademie der Künste in Hamburg« und bekam den »Ordre des Arts et des Lettres« verliehen. Seit 1993 hat Sabine Meyer eine Professur an der Musikhochschule Lübeck inne.

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Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.
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Gegründet 1918, hat das Rotterdam Philharmonic Orchestra im letzten Jahr seinen 100. Geburtstag gefeiert. Das Orchester zeichnet sich durch seine intensive Bühnenpräsenz, hochgelobte Aufnahmen und innovative Ansätze der Musikvermittlung aus und hat so seinen Platz unter den besten Orchestern Europas gefunden.

Ab 1930, unter dem Chefdirigenten Eduard Flipse, hat sich das Rotterdam Philharmonic Orchestra zu einem der renommiertesten Orchester der Niederlande entwickelt. In den 1970er-Jahren, unter der Leitung von Jean Fournet und Edo de Waart, fand das Orchester internationale Anerkennung. Mit der Ernennung Valery Gergievs begann eine neue Blütezeit, die unter Yannick Nézet-Séguin (Chefdirigent von 2008 bis 2018) und Lahav Shani (seit September 2018) fortgesetzt wurde. Valery Gergiev und Yannick Nézet-Séguin bleiben den Musikern als Ehrendirigenten verbunden.

Die Heimat des Rotterdam Philharmonic Orchestra ist das Konzerthaus De Doelen, doch das Orchester tritt regelmäßig in anderen Sälen auf, sowohl in seiner Region als auch in den renommiertesten Konzerthäusern der Niederlande und der Welt. Seit 2010 hat das Rotterdam Philharmonic Orchestra eine Residenz am Théâtre des Champs-Élysées in Paris. Mit seinen Auftritten zu Hause und in den Konzertsälen weltweit, Musikvermittlungskonzerten und Community-Projekten erreicht das Orchester jährlich 150.000 bis 200.000 Zuhörer, darunter eine große Zahl junger Leute.

Seit den bahnbrechenden Mahler-Einspielungen mit Eduard Flipse in den 1950er-Jahren hat das Rotterdam Philharmonic Orchestra viele von der Kritik gelobte CD-Aufnahmen eingespielt, die in den letzten Jahren von der Deutschen Grammophon, BIS Records und Warner Classics herausgegeben wurden. Für die Veröffentlichung von historischen Aufnahmen hat das Orchester sein eigenes Label Rotterdam Philharmonic Vintage Recordings gegründet.

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Lahav Shani hat sich als einer der gefragtesten jungen Dirigenten etabliert und beeindruckt mit seiner erstaunlichen Reife und natürlicher, instinktiver Musikalität. Seit September 2018 ist er Chefdirigent beim Rotterdam Philharmonic. In der Saison 2020/21 übernimmt Lahav Shani zudem die Künstlerische Leitung des Israel Philharmonic Orchestra als Nachfolger von Zubin Mehta, der diese Position 50 Jahre lang innehatte. Seit der Saison 2017/18 ist er Principal Guest Conductor der Wiener Symphoniker.

Im Juni 2016 gab Shani sein Debüt beim Rotterdam Philharmonic Orchestra als Dirigent und Solo-Pianist. Nur zwei Monate später wurde seine Ernennung zum Chefdirigenten verkündet und er wurde der jüngste Chefdirigent in der Geschichte des Orchesters. In seiner ersten Spielzeit in dieser Funktion leitete Lahav Shani Konzerte in Europa, China und Taiwan. Im Frühjahr 2020 wird er mit dem Orchester auf eine Tournee durch die USA gehen.

Shanis enge Beziehung zum Israel Philharmonic Orchestra begann vor über zehn Jahren. Er gab sein Debüt bei diesem Orchester im Alter von 16 Jahren und spielte mit 18 Jahren Tschaikowskys Klavierkonzert unter der Leitung von Zubin Mehta. Seitdem spielte er dort auch regelmäßig als Kontrabassist im Orchester. 2013, nach dem Gewinn des »Gustav-Mahler-Dirigentenwettbewerb« in Bamberg, lud ihn das Israel Philharmonic Orchestra ein, als Einspringer seine Saisoneröffnungskonzerte zu leiten. Er kehrte daraufhin jedes Jahr als Dirigent und als Pianist zurück und leitete auch das Abschlusskonzert der Feierlichkeiten zum 80. Jubiläum des Orchesters im Dezember 2016. Ab der Saison 2019/20 wird er die Position des Music Director Designate innehaben.

Lahav Shani arbeitet regelmäßig mit der Staatskapelle Berlin zusammen, sowohl in Opernproduktionen an der Staatsoper Berlin als auch in sinfonischen Konzerten. Aktuelle Engagements als Gastdirigent umfassen Konzerte mit den Wiener Philharmonikern, dem Gewandhausorchester Leipzig, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, den Berliner Philharmonikern, dem London Symphony Orchestra, Boston Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Philadelphia Orchestra, Budapest Festival Orchestra, Orchestre de Paris und Philharmonia Orchestra.

1989 in Tel Aviv geboren, begann Shani mit sechs Jahren sein Klavierstudium bei Hannah Shalgi und später bei Arie Vardi an der Buchmann-Mehta Musikschule in Tel Aviv. Danach absolvierte er sein Dirigierstudium bei Christian Ehwald und sein Klavierstudium bei Fabio Bidini an der Hochschule für Musik »Hanns Eisler« Berlin. Während seines Studiums unterstützte auch Daniel Barenboim seine Karriere.

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Gegründet 1918, hat das Rotterdam Philharmonic Orchestra im letzten Jahr seinen 100. Geburtstag gefeiert. Das Orchester zeichnet sich durch seine intensive Bühnenpräsenz, hochgelobte Aufnahmen und innovative Ansätze der Musikvermittlung aus und hat so seinen Platz unter den besten Orchestern Europas gefunden.

Ab 1930, unter dem Chefdirigenten Eduard Flipse, hat sich das Rotterdam Philharmonic Orchestra zu einem der renommiertesten Orchester der Niederlande entwickelt. In den 1970er-Jahren, unter der Leitung von Jean Fournet und Edo de Waart, fand das Orchester internationale Anerkennung. Mit der Ernennung Valery Gergievs begann eine neue Blütezeit, die unter Yannick Nézet-Séguin (Chefdirigent von 2008 bis 2018) und Lahav Shani (seit September 2018) fortgesetzt wurde. Valery Gergiev und Yannick Nézet-Séguin bleiben den Musikern als Ehrendirigenten verbunden.

Die Heimat des Rotterdam Philharmonic Orchestra ist das Konzerthaus De Doelen, doch das Orchester tritt regelmäßig in anderen Sälen auf, sowohl in seiner Region als auch in den renommiertesten Konzerthäusern der Niederlande und der Welt. Seit 2010 hat das Rotterdam Philharmonic Orchestra eine Residenz am Théâtre des Champs-Élysées in Paris. Mit seinen Auftritten zu Hause und in den Konzertsälen weltweit, Musikvermittlungskonzerten und Community-Projekten erreicht das Orchester jährlich 150.000 bis 200.000 Zuhörer, darunter eine große Zahl junger Leute.

Seit den bahnbrechenden Mahler-Einspielungen mit Eduard Flipse in den 1950er-Jahren hat das Rotterdam Philharmonic Orchestra viele von der Kritik gelobte CD-Aufnahmen eingespielt, die in den letzten Jahren von der Deutschen Grammophon, BIS Records und Warner Classics herausgegeben wurden. Für die Veröffentlichung von historischen Aufnahmen hat das Orchester sein eigenes Label Rotterdam Philharmonic Vintage Recordings gegründet.

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Lahav Shani hat sich als einer der gefragtesten jungen Dirigenten etabliert und beeindruckt mit seiner erstaunlichen Reife und natürlicher, instinktiver Musikalität. Seit September 2018 ist er Chefdirigent beim Rotterdam Philharmonic. In der Saison 2020/21 übernimmt Lahav Shani zudem die Künstlerische Leitung des Israel Philharmonic Orchestra als Nachfolger von Zubin Mehta, der diese Position 50 Jahre lang innehatte. Seit der Saison 2017/18 ist er Principal Guest Conductor der Wiener Symphoniker.

Im Juni 2016 gab Shani sein Debüt beim Rotterdam Philharmonic Orchestra als Dirigent und Solo-Pianist. Nur zwei Monate später wurde seine Ernennung zum Chefdirigenten verkündet und er wurde der jüngste Chefdirigent in der Geschichte des Orchesters. In seiner ersten Spielzeit in dieser Funktion leitete Lahav Shani Konzerte in Europa, China und Taiwan. Im Frühjahr 2020 wird er mit dem Orchester auf eine Tournee durch die USA gehen.

Shanis enge Beziehung zum Israel Philharmonic Orchestra begann vor über zehn Jahren. Er gab sein Debüt bei diesem Orchester im Alter von 16 Jahren und spielte mit 18 Jahren Tschaikowskys Klavierkonzert unter der Leitung von Zubin Mehta. Seitdem spielte er dort auch regelmäßig als Kontrabassist im Orchester. 2013, nach dem Gewinn des »Gustav-Mahler-Dirigentenwettbewerb« in Bamberg, lud ihn das Israel Philharmonic Orchestra ein, als Einspringer seine Saisoneröffnungskonzerte zu leiten. Er kehrte daraufhin jedes Jahr als Dirigent und als Pianist zurück und leitete auch das Abschlusskonzert der Feierlichkeiten zum 80. Jubiläum des Orchesters im Dezember 2016. Ab der Saison 2019/20 wird er die Position des Music Director Designate innehaben.

Lahav Shani arbeitet regelmäßig mit der Staatskapelle Berlin zusammen, sowohl in Opernproduktionen an der Staatsoper Berlin als auch in sinfonischen Konzerten. Aktuelle Engagements als Gastdirigent umfassen Konzerte mit den Wiener Philharmonikern, dem Gewandhausorchester Leipzig, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, den Berliner Philharmonikern, dem London Symphony Orchestra, Boston Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Philadelphia Orchestra, Budapest Festival Orchestra, Orchestre de Paris und Philharmonia Orchestra.

1989 in Tel Aviv geboren, begann Shani mit sechs Jahren sein Klavierstudium bei Hannah Shalgi und später bei Arie Vardi an der Buchmann-Mehta Musikschule in Tel Aviv. Danach absolvierte er sein Dirigierstudium bei Christian Ehwald und sein Klavierstudium bei Fabio Bidini an der Hochschule für Musik »Hanns Eisler« Berlin. Während seines Studiums unterstützte auch Daniel Barenboim seine Karriere.

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Daniele Gatti absolvierte sein Kompositions- und Dirigierstudium am Conservatorio di Musica »Giuseppe Verdi« di Milano. Er ist Artistic Advisor des Mahler Chamber Orchestra, war Chefdirigent des Royal Concertgebouw Orchestra und hatte zuvor zahlreiche leitende Positionen inne bei wichtigen Musikinstitutionen wie dem Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Royal Philharmonic Orchestra, Orchestre national de France, Royal Opera House Covent Garden in London, Teatro Comunale di Bologna und Opernhaus Zürich. Zudem arbeitet er regelmäßig mit namhaften Klangkörpern zusammen, darunter die Berliner und Wiener Philharmoniker, das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks sowie das Orchestra Filarmonica della Scala.

Zu den wichtigsten Neuproduktionen, bei denen er die musikalische Leitung übernahm, gehören Robert Carsens Inszenierung von »Falstaff« in London, Mailand und Amsterdam, »Parsifal« in der Regie von Stefan Herheim bei der Eröffnung der »Bayreuther Festspiele« 2008, François Girards »Parsifal« an der Metropolitan Opera New York sowie »Elektra«, »La bohème«, »Die Meistersinger von Nürnberg« und »Il trovatore« bei den »Salzburger Festspielen«. Weitere Projekte umfassen u. a. »Tristan und Isolde« am Théâtre des Champs-Élysées in Paris und am Teatro dell’Opera di Roma. 2016 startete der dreijährige Konzertzyklus »RCO meets Europe«, an dem 28 EU-Mitgliedsstaaten beteiligt sind und zu dem das Projekt »Side by Side« gehört. Dadurch wird es Musikern lokaler Jugendorchester ermöglicht, beim Eröffnungsstück der Konzerte zusammen mit den Mitgliedern des RCO unter der Leitung von Daniele Gatti zu spielen. Im Juni 2017 dirigierte er das RCO in einer Produktion von »Salome« an der Nationale Opera in Amsterdam. In der Saison 2017/18 stand er u. a. am Pult der Berliner Philharmoniker in der Philharmonie Berlin, des Orchesters und Chors der Mailänder Scala mit Mahlers zweiter Sinfonie sowie des RCO auf einer Tournee. 2019 leitet er das Gewandhausorchester Leipzig, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, das Orchestra Filarmonica della Scala und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Daniele Gatti wurde von italienischen Musikkritikern mit dem »Premio Franco Abbiati« als »Bester Dirigent 2015« ausgezeichnet; 2016 wurde er in Frankreich zum Chevalier de la Légion d’honneur für seine Arbeit als Music Director des Orchestre National de France ernannt. Bei Sony Classical erschienen Einspielungen mit Werken von Debussy und Strawinsky, die Gatti mit dem Orchestre National de France aufnahm, sowie eine DVD mit der »Parsifal«-Inszenierung an der Metropolitan Opera New York. RCO Live veröffentlichte eine Aufnahme von Berlioz’ »Symphonie fantastique« und Mahlers Sinfonie Nr. 2.

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Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.
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Die Veranstaltung muss leider entfallen.

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Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.

Royal Affairs

Seit ihrem frühen Bühnendebüt ist die Star-Sopranistin Diana Damrau regelmäßiger Gast an den international führenden Opern- und Konzerthäusern. Nachdem sie in Dortmund zuletzt einen besonderen Liederabend mit Harfe gab, präsentiert sie nun einen Arienabend, der sich mit Werken u. a. von Bellini, Donizetti, Rossini und Verdi den Königen und Königinnen in Opern widmet. Während sie in die Rollen der Semiramide, Maria Stuart und Norma schlüpft, singt ihr Ehemann Nicolas Testé die königlichen Basspartien. Regelmäßig steht das Paar gemeinsam auf der Bühne. Im Konzerthaus beweisen die beiden im Duett ›Quando di luce rosea‹ aus Donizettis »Maria Stuarda«, wie gut sie auch musikalisch harmonieren. [short_introduction] => Diana Damrau widmet sich in ihrem Programm den Königen und Königinnen der Oper. [search_tags] => , Diana Damrau , Nicolas Testé , NDR Radiophilharmonie , Ivan Repušić , Lieder-/Arienabend , Konzertante Oper , Gioachino Rossini Rossini: Ouvertüre und ›Bel raggio lusinghier‹ aus »Semiramide« Ouvertüre und ›Bel raggio lusinghier‹ aus »Semiramide« , Ambroise Thomas Thomas: ›Je t’implore, ô mon frère‹ aus »Hamlet« ›Je t’implore, ô mon frère‹ aus »Hamlet« , Jules Massenet Massenet: Prélude aus »Hérodiade« Prélude aus »Hérodiade« , Ambroise Thomas Thomas: ›Je suis Titania‹ aus »Mignon« ›Je suis Titania‹ aus »Mignon« , Charles Francois Gounod Gounod: ›Oui, depuis quatre jours‹ – ›Sou les pieds d’une femme‹ aus »La reine de Saba« ›Oui, depuis quatre jours‹ – ›Sou les pieds d’une femme‹ aus »La reine de Saba« , Giuseppe Verdi Verdi: Valse der Ballettmusik aus »Macbeth« Valse der Ballettmusik aus »Macbeth« , Gaetano Donizetti Donizetti: ›Oh mio buon Talbot!‹ – ›Quando di luce rosea‹ aus »Maria Stuarda« ›Oh mio buon Talbot!‹ – ›Quando di luce rosea‹ aus »Maria Stuarda« , Giuseppe Verdi Verdi: ›Elle ne m’aime pas‹ aus »Don Carlos« ›Elle ne m’aime pas‹ aus »Don Carlos« , Gaetano Donizetti Donizetti: ›Come, innocente giovane‹ aus »Anna Bolena« ›Come, innocente giovane‹ aus »Anna Bolena« , Peter Iljitsch Tschaikowsky Tschaikowsky: Polonaise und ›Ein jeder kennt die Lieb auf Erden‹ aus »Eugen Onegin« Polonaise und ›Ein jeder kennt die Lieb auf Erden‹ aus »Eugen Onegin« , Vincenzo Bellini Bellini: Ouvertüre und ›Casta Diva‹ aus »Norma« Ouvertüre und ›Casta Diva‹ aus »Norma« , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Seit ihrem Bühnendebüt ist die Sopranistin Diana Damrau schon 20 Jahre ständiger Gast international führender Opern- und Konzerthäuser sowie bei renommierten Musikfestivals. Ihr umfangreiches Repertoire liegt im Lyrischen und Koloraturfach und beinhaltet die Titelrollen in »Lucia di Lammermoor« (Mailänder Scala, Bayerische Staatsoper München, Metropolitan Opera New York, Royal Opera House London), »Manon« (Wiener Staatsoper, Metropolitan Opera) und »La traviata« (Scala, Metropolitan Opera, Royal Opera House, Opéra National de Paris und Bayerische Staatsoper) sowie die Königin der Nacht in »Die Zauberflöte« (Metropolitan Opera, »Salzburger Festspiele«, Wiener Staatsoper, Royal Opera House).

Als Kammersängerin der Bayerischen Staatsoper und Trägerin des Bayerischen Maximiliansordens für Kunst und Wissenschaft hat Diana Damrau eine starke Bindung zur Bayerischen Staatsoper in München, wo sie in neuen Produktionen von »Lucia di Lammermoor«, »Les contes d’Hoffmann«, »Ariadne auf Naxos«, »Die schweigsame Frau«, »Die Zauberflöte« und »Rigoletto« zu erleben war. Weitere wichtige Auftritte umfassen »La traviata«, »Der Rosenkavalier« und »Die Entführung aus dem Serail«.

An der Metropolitan Opera in New York hat Diana Damrau ihre bedeutendsten Rollen gesungen. Mehrfach war sie in den HD-Kinoübertragungen weltweit zu erleben und hatte sieben große Rollendebüts seit ihrem Hausdebüt als Zerbinetta 2005. Höhepunkte waren die neuen Produktionen von »Rigoletto«, »Il barbiere di Siviglia«, »Le comte Ory« und »Les pêcheurs des perles«. Weitere Engagements beinhalteten die Titelrollen in »Lucia di Lammermoor«, »La traviata«, »Manon«, »La sonnambula« sowie »La fille du régiment«. Sie war die erste Sängerin in der Geschichte der Metropolitan Opera, die sowohl Pamina als auch die Königin der Nacht in verschiedenen Vorstellungen derselben Produktion der »Zauberflöte« gesungen hat.

Diana Damrau wirkte bisher zweimal bei der Saisoneröffnung der Scala mit: im Jahre 2004 bei der Wiedereröffnung der renovierten Scala in der Titelrolle von Salieris »L’Europa riconosciuta« und 2013 als Violetta in der Neuproduktion von »La traviata« zur 200-Jahr-Feier. Bei der Expo 2015 in Mailand war sie die Lucia in »Lucia di Lammermoor«. 2005 gab sie ihr Rollendebüt als Susanna in der großen Wiederaufnahme von Strehlers berühmter Produktion von »Le nozze di Figaro«. 2016 debütierte Diana Damrau in der geplanten Neuproduktion dieser Oper als Contessa.

Die Sopranistin ist auch immer wieder mit zeitgenössischem Repertoire auf der Opernbühne zu erleben. Speziell für sie komponiert wurden die Titelrolle in Iain Bells Adaption von Hogarths »A harlot’s progress« (Theater an der Wien 2013) und die Rollen der Drunken Woman und Gym Instructress in Lorin Maazels »1984« (Royal Opera House 2005). Diana Damrau ist ohne Zweifel auch eine der wichtigsten Liedinterpretinnen unserer Zeit. Sie tritt regelmäßig in den weltweit renommiertesten Konzertsälen auf. Eine enge künstlerische Partnerschaft verbindet sie mit dem Pianisten Helmut Deutsch. Sie hat mit dem Harfenisten Xavier de Maistre das Duo mit Harfe wieder aufleben lassen und etabliert. Die CD »Nuit d’étoiles« und ein DVD-Mitschnitt eines ihrer ersten gemeinsamen Konzerte im Festspielhaus Baden-Baden geben einen Eindruck dieser einzigartigen Zusammenarbeit.

Als Exklusivkünstlerin von Warner Classics/Erato gab Diana Damrau ihr CD-Debüt mit »Arie di Bravura«, einer Sammlung von Mozart- und Salieri-Arien. Es folgten Soloalben wie »Donna« (Mozarts Opern- und Konzertarien), »COLORaturaS« (Romantische Koloraturarien), »Poesie« (Orchesterlieder von Richard Strauss, prämiert mit dem »ECHO Klassik« 2011) und Lieder von Liszt mit Helmut Deutsch. Ihr Album »Forever« mit Highlights aus Operette, Film und Musical wurde mit dem »ECHO Klassik« 2014 ausgezeichnet. Es folgte das Album »Fiamma del Belcanto« mit Perlen des Belcanto und vom Belcanto inspirierten Arien. Diana Damraus Arbeit ist auch auf diversen Oper-Gesamtaufnahmen und DVDs dokumentiert.

Im September 2017 eröffnete Diana Damrau die Konzertsaison des Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam mit ausgewählten Mozart-Arien. Zur Wiedereröffnung der Berliner Staatsoper interpretierte sie gemeinsam mit der Berliner Staatskapelle unter der Leitung von Daniel Barenboim Beethovens Sinfonie Nr. 9. Beim ZDF-Weihnachtskonzert sang sie im Dezember 2017 gemeinsam mit der Sächsischen Staatskapelle Dresden unter der Leitung von Christian Thielemann und gastierte Anfang 2018 auf dem Dresdner Opernball.

Diana Damrau wurde anlässlich der Veröffentlichung ihres Albums »Grand Opera«, das dem Schaffen Giacomo Meyerbeers gewidmet ist, als Sängerin des Jahres mit dem OPUS Klassik 2018 ausgezeichnet. Des Weiteren gastierte sie im Februar 2018 in den renommiertesten Konzerthäusern Europas und interpretierte zusammen mit dem Tenor Jonas Kaufmann und dem Pianisten Helmut Deutsch Hugo Wolfs »Italienisches Liederbuch«. Das gleichnamige Live-Album wurde von Warner / Erato veröffentlicht. Unter dem Motto »VERDIssimo« tourte sie im Frühjahr 2018 erneut in Europa. Zudem debütierte sie im Frühjahr 2018 in der Titelrolle in »Maria Stuarda« am Opernhaus Zürich. Im Sommer 2018 war sie in München beim Open-Air-Event »Klassik am Odeonsplatz« unter der Leitung von Cristian Ma˘celaru mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks sowie bei den »Salzburger Festspielen« zu erleben. Im Dezember 2018 war Diana Damrau in der Titelpartie von »La traviata« in einer Neuproduktion an der Metropolitan Opera zu hören. In der Saison 2018/19 ist sie Artist in Residence am Barbican Centre London. Neben einem Liederabend mit Helmut Deutsch tritt sie zusammen mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und Mariss Jansons auf. In der Saison 2019/20 setzt sie die fruchtbare Zusammenarbeit mit diesem Klangkörper fort und präsentiert in ausgewählten Kulturmetropolen Europas sowie in der Carnegie Hall New York die Vier letzten Lieder von Richard Strauss. Ferner gibt sie Liederabende mit Sir Antonio Pappano und gastiert an der Mailänder Scala in »Romeo et Juliette«, an der Bayerischen Staatsoper in »I masnadieri« sowie in »Maria Stuarda« an der Metropolitan Opera.

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Daniele Gatti absolvierte sein Kompositions- und Dirigierstudium am Conservatorio di Musica »Giuseppe Verdi« di Milano. Er ist Artistic Advisor des Mahler Chamber Orchestra, war Chefdirigent des Royal Concertgebouw Orchestra und hatte zuvor zahlreiche leitende Positionen inne bei wichtigen Musikinstitutionen wie dem Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Royal Philharmonic Orchestra, Orchestre national de France, Royal Opera House Covent Garden in London, Teatro Comunale di Bologna und Opernhaus Zürich. Zudem arbeitet er regelmäßig mit namhaften Klangkörpern zusammen, darunter die Berliner und Wiener Philharmoniker, das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks sowie das Orchestra Filarmonica della Scala.

Zu den wichtigsten Neuproduktionen, bei denen er die musikalische Leitung übernahm, gehören Robert Carsens Inszenierung von »Falstaff« in London, Mailand und Amsterdam, »Parsifal« in der Regie von Stefan Herheim bei der Eröffnung der »Bayreuther Festspiele« 2008, François Girards »Parsifal« an der Metropolitan Opera New York sowie »Elektra«, »La bohème«, »Die Meistersinger von Nürnberg« und »Il trovatore« bei den »Salzburger Festspielen«. Weitere Projekte umfassen u. a. »Tristan und Isolde« am Théâtre des Champs-Élysées in Paris und am Teatro dell’Opera di Roma. 2016 startete der dreijährige Konzertzyklus »RCO meets Europe«, an dem 28 EU-Mitgliedsstaaten beteiligt sind und zu dem das Projekt »Side by Side« gehört. Dadurch wird es Musikern lokaler Jugendorchester ermöglicht, beim Eröffnungsstück der Konzerte zusammen mit den Mitgliedern des RCO unter der Leitung von Daniele Gatti zu spielen. Im Juni 2017 dirigierte er das RCO in einer Produktion von »Salome« an der Nationale Opera in Amsterdam. In der Saison 2017/18 stand er u. a. am Pult der Berliner Philharmoniker in der Philharmonie Berlin, des Orchesters und Chors der Mailänder Scala mit Mahlers zweiter Sinfonie sowie des RCO auf einer Tournee. 2019 leitet er das Gewandhausorchester Leipzig, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, das Orchestra Filarmonica della Scala und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Daniele Gatti wurde von italienischen Musikkritikern mit dem »Premio Franco Abbiati« als »Bester Dirigent 2015« ausgezeichnet; 2016 wurde er in Frankreich zum Chevalier de la Légion d’honneur für seine Arbeit als Music Director des Orchestre National de France ernannt. Bei Sony Classical erschienen Einspielungen mit Werken von Debussy und Strawinsky, die Gatti mit dem Orchestre National de France aufnahm, sowie eine DVD mit der »Parsifal«-Inszenierung an der Metropolitan Opera New York. RCO Live veröffentlichte eine Aufnahme von Berlioz’ »Symphonie fantastique« und Mahlers Sinfonie Nr. 2.

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Leidenschaft, Disziplin, Hingabe – diese Tugenden sind in Dortmund nicht nur auf dem grünen Rasen beheimatet, sondern auch bei den Dortmunder Philharmonikern. Seit seiner Gründung 1887 hat sich der städtische Klangkörper damit konsequent in die vorderste Reihe der großen deutschen Konzert- und Opernorchester gespielt. Besonders geprägt haben das Orchester in der Nachkriegszeit charismatische Chefdirigenten wie Wilhelm Schüchter (1963 – 1974), Marek Janowski (1974 – 1979) und Hans Wallat, heutiger Ehrendirigent der Philharmoniker. In Wallats Ägide – von 1980 bis 1985 sowie noch einmal in der Spielzeit 2001/02 – fallen große Wagner- und Strauss-Zyklen.

Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Gabriel Feltz studierte Dirigieren und Klavier an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin. Nach dem Studium war er Assistent bei Gerd Albrecht an der Hamburgischen Staatsoper, weitere Engagements führten ihn an die Städtischen Bühnen Lübeck und das Theater Bremen. Von 2001 bis 2005 war er Generalmusikdirektor am Theater Altenburg-Gera, eine Position, die er von 2004 bis 2013 auch bei den Stuttgarter Philharmonikern innehatte. Ab der Spielzeit 2013/14 ist er Generalmusikdirektor der Stadt Dortmund und Chefdirigent der Dortmunder Philharmoniker. Seit 2008 ist er zudem 1. Gastdirigent am Theater Basel. Er arbeitete u.a. mit der Sächsischen Staatskapelle Dresden, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Konzerthausorchester Berlin, der Staatskapelle Weimar, den Bamberger Symphonikern, dem Orchester der De Vlaamse Opera Antwerpen, den Grazer Philharmonikern, dem KBS Symphony Orchestra Seoul und dem China National Symphony Orchestra zusammen. 

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Leidenschaft, Disziplin, Hingabe – diese Tugenden sind in Dortmund nicht nur auf dem grünen Rasen beheimatet, sondern auch bei den Dortmunder Philharmonikern. Seit seiner Gründung 1887 hat sich der städtische Klangkörper damit konsequent in die vorderste Reihe der großen deutschen Konzert- und Opernorchester gespielt. Besonders geprägt haben das Orchester in der Nachkriegszeit charismatische Chefdirigenten wie Wilhelm Schüchter (1963 – 1974), Marek Janowski (1974 – 1979) und Hans Wallat, heutiger Ehrendirigent der Philharmoniker. In Wallats Ägide – von 1980 bis 1985 sowie noch einmal in der Spielzeit 2001/02 – fallen große Wagner- und Strauss-Zyklen.

Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Sinfonisches Steckenpferd

Das Orchester des Bolschoi-Theaters ist das älteste Orchester Russlands und hat sich seit seiner Gründung 1776 vor allem mit Werken russischer Komponisten ein internationales Renommee erspielt. Natürlich stellt sich der in Moskau beheimatete Klangkörper im KONZERTHAUS DORTMUND auch mit seinem Spezialgebiet vor: Rachmaninows Sinfonische Tänze treffen auf Auszüge der berühmten Ballettmusik zu Tschaikowskys »Nussknacker«. Bei dessen Variationen über ein Rokoko-Thema ist unser »Junger Wilder« Kian Soltani als Solist zu erleben. [short_introduction] => Rachmaninows Sinfonische Tänze treffen auf Auszüge der berühmten Ballettmusik zu Tschaikowskys »Nussknacker«. Bei dessen Variationen über ein Rokoko-Thema ist unser »Junger Wilder« Kian Soltani als Solist zu erleben. [search_tags] => , Orchester des Bolschoi-Theaters , Tugan Sokhiev , Kian Soltani , Peter Iljitsch Tschaikowsky Tschaikowsky: Ballettmusik zu »Der Nussknacker« op. 71 (Auszüge) Ballettmusik zu »Der Nussknacker« op. 71 (Auszüge) , Peter Iljitsch Tschaikowsky Tschaikowsky: Variationen über ein Rokoko-Thema für Violoncello und Orchester A-Dur op. 33 Variationen über ein Rokoko-Thema für Violoncello und Orchester A-Dur op. 33 , Sergej Rachmaninow Rachmaninow: Sinfonische Tänze op. 45 Sinfonische Tänze op. 45 , Sinfoniekonzert , Internationale Orchester III – Sonntags um Vier , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Sinfonisches Steckenpferd

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Wenn Kian Soltani musiziert, öffnen sich Welten: Individualität, Ausdruckstiefe und ein charismatisches Auftreten zeichnen den jungen Österreicher mit iranischen Wurzeln aus. Darüber hinaus besticht er durch seine Bühnenpräsenz, seine technische Brillanz und die Fähigkeit, stets unmittelbar eine besondere emotionale Verbindung mit dem Publikum entstehen zu lassen. Der »Rising Star« ist inzwischen einer der gefragtesten Cellisten unserer Zeit und wird von den führenden Orchestern, Dirigenten und Konzertveranstaltern eingeladen.

In der Saison 2018/19 debütiert Soltani bei Orchestern wie den Wiener Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra, der Staatskapelle Berlin, dem London Philharmonic Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Orchestre National de Lyon und National Symphony Orchestra. Wiedereinladungen führen Soltani u. a. zum Tonhalle-Orchester Zürich. Als Solist der großen USA-Tournee des West-Eastern Divan Orchestra unter Daniel Barenboim wird er in der Carnegie Hall, der Walt Disney Concert Hall, im Symphony Center in Chicago und im Kennedy Center in Washington auftreten. Im Oktober 2018 eröffnete Soltani als Artist in Residence die Saison des Residentie Orkest in Den Haag.

Sein Recital-Debüt in der Carnegie Hall wird Soltani im Frühjahr 2019 geben und erneut bei den Festspielen in Salzburg und Luzern, in der Wigmore Hall und im Pierre Boulez Saal gastieren. Weitere Recital-Auftritte führen ihn als »Rising Star« der European Concert Hall Organisation (ECHO) in die Pariser Philharmonie, ins Wiener Konzerthaus, Amsterdamer Concertgebouw, in die Hamburger Elbphilharmonie, ins Barbican Centre, in die Kölner Philharmonie und die Stockholm Concert Hall.

2017 unterzeichnete Soltani einen Exklusivvertrag bei Deutsche Grammophon, die seine erste CD »Home« mit Werken für Cello und Klavier von Schubert, Schumann und Reza Vali im Februar 2018 unter internationalem Beifall veröffentlichte und die von der Zeitschrift »Gramophone« als schlicht »grandios« bezeichnet wurde. Seine Aufnahme der Klavierquartette von Mozart zusammen mit Daniel und Michael Barenboim sowie Yulia Deyneka erschien im August 2018.

Seinen internationalen Durchbruch hatte Soltani im Alter von neunzehn Jahren mit seinen gefeierten Debüts im Goldenen Saal des Wiener Musikvereins und bei der »Schubertiade« in Hohenems. Der Gewinn der »International Paulo Cello Competition« in Helsinki im April 2013, in dessen Rahmen er vom »Ostinato«-Magazin als »Solist der neuen Cellistengeneration auf höchstem Niveau« gepriesen wurde, machte international auf ihn aufmerksam. Im Februar 2017 gewann Soltani den renommierten »Leonard Bernstein Award« in Schleswig-Holstein und wurde im Dezember 2017 mit dem prestigeträchtigen »Credit Suisse Young Artist Award« ausgezeichnet.

Kian Soltani wurde 1992 in Bregenz in eine persische Musikerfamilie hineingeboren. Mit vier Jahren begann er Cello zu spielen. Im Alter von zwölf Jahren wurde er in die Klasse von Ivan Monighetti an der Musikhochschule Basel aufgenommen und 2014 Stipendiat der Anne-Sophie Mutter Stiftung. Im gleichen Jahr schloss er sein Studium an der Kronberg Academy ab. An der Internationalen Musikakademie in Liechtenstein konnte er weitere wichtige Erfahrungen sammeln.

Kian Soltani spielt ein 1680 in Mailand angefertigtes Cello der Gebrüder Giovanni und Francesco Grancino ‒ eine großzügige Leihgabe des Merito String Instruments Trust.

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Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.
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Khatia Buniatishvili wuchs in Georgien auf. Sehr früh wurde ihre außergewöhnliche Begabung erkannt, und so debütierte sie bereits sechsjährig als Solistin mit Orchester. Mit zehn Jahren folgte sie ersten Einladungen zu Gastspielen in die Schweiz, nach Holland, Frankreich, Deutschland, Belgien, Italien, Österreich, Russland, Israel und in die USA.

Während des Studiums am staatlichen Konservatorium in Tiflis gewann sie 2003 den Sonderpreis des »Horowitz-Wettbewerbs« in Kiew und den 1. Preis des »Elizabeth Leonskaja Scholarship«. Beim Klavierwettbewerb in Tiflis 2003 machte sie Bekanntschaft mit Oleg Maisenberg, der sie zum Wechsel an die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst nach Wien bewegte. Beim 12. »Arthur-Rubinstein-Wettbewerb« 2008 gewann sie den 3. Preis sowie die Auszeichnungen »Best Performer of a Chopin Piece« und »Audience Favorite«.

Orchester-Einladungen führten die Pianistin unter anderem zum Orchestre de Paris, dem Orchestre National de France, dem Philharmonia Orchestra, dem London Symphony Orchestra, den Münchner Philharmonikern, den Sinfonierochestern des WDR und des NDR, den Wiener Symphonikern, dem Los Angeles Philharmonic und dem San Francisco Symphony unter namhaften Dirigenten wie Andrey Boreyko, Semyon Bychkov, Myung-Whun Chung, Daniele Gatti, Paavo Järvi, Philippe Jordan, Vladimir Jurowski, Mikhail Pletnev, Zubin Mehta, Kent Nagano, Andrés Orozco-Estrada und David Zinman. Ebenso ist Khatia Buniatishvili häufig kammermusikalisch zu erleben, ihre Partner sind dabei u. a. Lisa Batiashvili, Renaud Capuçon, Sol Gabetta, Gidon Kremer, Truls Mørk oder auch ihre Schwester Gvantsa.

2010 wurde sie mit dem »Borletti-Buitoni Trust Award« ausgezeichnet und ist in die Reihe der »BBC New Generation Artists« aufgenommen worden. Vom Musikverein und dem Konzerthaus Wien wurde sie für die Saison 2011/2012 zum »Rising Star« nominiert. Große Anerkennung erhielt Khatia Buniatishvili 2012 mit dem »ECHO Klassik« als »Beste Newcomerin des Jahres« und 2016 für die »Beste solistische Einspielung«.

In der Saison 2015/16 spielte Khatia Buniatishvili unter anderem Konzerte im Musikverein in Wien, im Salle Pleyel in Paris, in der Carnegie Hall in New York, beim »Verbier Festival«, den »Salzburger Festspielen«, Konzerte mit dem Los Angeles Philharmonic, dem Royal Philharmonic Orchestra London, dem Gürzenich-Orchester Köln sowie Tourneen mit der Kremerata Baltica, dem Orchestre de Paris und eine Asientournee mit dem Luzerner Sinfonieorchester. Zu den Höhepunkten 2016/17 zählen Konzerte mit dem Israel Philharmonic Orchestra und Zubin Mehta, eine Deutschlandtournee mit der Tschechischen Philharmonie und Jiří Bělohlávek, Auftritte mit dem Rotterdam Philharmonic Orchestra und Yannick Nézet-Séguin, der Kremerata Baltica und Gidon Kremer, dem Radio-Sinfonieorchester Berlin und mit dem Gstaad Festival Orchestra, Rezitals u. a. in Dortmund, Genf, Paris, München, New York und Wien sowie Duo-Konzerte mit Renaud Capuçon. Khatia Buniatishvili spricht fünf Sprachen.

 

 

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Die Veranstaltung muss leider entfallen.

Aufgrund des neuen Beschlusses vom 25. November 2020 entfallen Veranstaltungen im Dezember. Ticketinhaber werden informiert.

Ein Violinkonzert gegen den Strich

Am 16. Dezember 2020, dem vermuteten 250. Geburtstag Beethovens, nimmt das Konzerthaus Abschied: Nicht nur von einem musikalisch ausgefüllten Jubiläumsjahr, sondern auch in gewisser Weise von Beethoven selbst oder vielmehr von einem allzu routinierten Klassikbetrieb. Geigerin Patricia Kopatchinskaja leitet die Revolution ein und löst sich von starren Konventionen. Über Bruchstücke verschiedener Werke führt sie das Publikum zu Beethovens Violinkonzert, das zum Sinnbild dieser Kritik wird: Das einst revolutionäre Werk sieht sie heute oft zum tranigen Weihespiel verkommen. Trotzig und kompromisslos klingt daher ihre Interpretation. [short_introduction] => Geigerin Patricia Kopatchinskaja leitet die Revolution ein und löst sich von starren Konventionen. [search_tags] => , Ludwig van Beethoven Beethoven: Konzert für Violine und Orchester D-Dur op. 61 Konzert für Violine und Orchester D-Dur op. 61 , Mahler Chamber Orchestra , Patricia Kopatchinskaja , Jorge Sánchez-Chiong , Louis Dupras , Ricarda Schnoor , Konzert-Experiment , Jonas Link , Neuland , B250hoven , Robert Penz , Lisa Friedrich , Lani Tran-Duc , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] => Auszüge und Verarbeitungen Charles Ives »The unanswered question«, Joseph Haydn Sinfonie Nr. 45 fis-moll Hob. I:45, John Cage »Living [shorttext_cnt] => 151 ) [artists] => Array ( [0] => Array ( [name] => Mahler Chamber Orchestra [firstName] => [role] => [role_attr] => [gibbet_bio] => 1 [biography] =>

Selbstbestimmt, als freies und internationales Orchester tiefgreifende Musikerlebnisse zu schaffen, diese Vision bildet das Fundament des 1997 gegründeten Mahler Chamber Orchestra (MCO). Die Musiker arbeiten als »nomadisches Kollektiv«, das sich in Europa und weltweit zu Tourneen und Projekten trifft. Der Kern des Orchesters besteht aus 45 Mitgliedern aus 20 verschiedenen Ländern. Das Orchester wird gemeinsam von seinem Management-Team und dem Orchestervorstand geleitet. Entscheidungen werden demokratisch unter Beteiligung aller Musiker getroffen. Das MCO ist in steter Bewegung: Bis heute konzertierte es in über 40 Ländern auf fünf Kontinenten.

Der charakteristische Klang des Mahler Chamber Orchestra entsteht durch einen intensiven künstlerischen Dialog, der durch eine kammermusikalische Musizierhaltung geprägt ist. Der Exzellenz verpflichtet, scheuen die Musiker daher im gemeinsamen Musizieren das Risiko nicht. Das Repertoire spannt sich von der Wiener Klassik und frühen Romantik bis zu zeitgenössischen Werken und Uraufführungen und spiegelt die Beweglichkeit des MCO und seine Fähigkeit, musikalische Grenzen zu überwinden.

Das Orchester erhielt seine künstlerische Prägung durch seinen Gründungsmentor Claudio Abbado und seinen Conductor Laureate Daniel Harding. Es arbeitet eng mit einem Netzwerk von künstlerischen Partnern zusammen, die das Orchester in langfristigen Kooperationen inspirieren und gestalten. Zu den aktuellen Artistic Partners des MCO gehören Mitsuko Uchida, Leif Ove Andsnes, Pekka Kuusisto und Teodor Currentzis. MCO-Konzertmeister Matthew Truscott leitet das Orchester regelmäßig im Kammerorchester-Repertoire.

Die MCO-Musiker wünschen sich einen Dialog mit ihrem Publikum. Dies ist die Inspiration für die wachsende Zahl von Begegnungen und Projekten, durch die das MCO weltweit Musik, Bildung und Kreativität vermittelt. »Unboxing Mozart« verbindet klassische Musik, kollaborative Performance und Urban Gaming, indem es das Publikum einlädt, sich mithilfe von Soundboxen aktiv am künstlerischen Prozess zu beteiligen. Seit 2012 öffnet »Feel the Music« die Welt der Musik für gehörlose und hörgeschädigte Kinder durch interaktive Workshops in Schulen und Konzertsälen. Ebenso stark engagieren sich die MCO-Musiker dafür, ihre Leidenschaft und Expertise an die nächste Musiker-Generation weiterzugeben: Seit 2009 arbeiten sie im Rahmen der MCO Academy mit jungen Musikern, denen sie Orchestererfahrung auf höchstem Niveau sowie eine einzigartige Plattform für Networking und internationalen Austausch bieten.

Zu den aktuellen Leuchtturmprojekten des Mahler Chamber Orchestra gehört eine fünfjährige Partnerschaft mit Mitsuko Uchida, die sich auf Mozarts Klavierkonzerte konzentriert und zu Residenzen bei der »Salzburger Mozartwoche«, am Londoner Southbank Centre und an der New Yorker Carnegie Hall führt. »Mozart Momentum 1785/1786« ist ein vierjähriges Aufführungs- und Aufnahmeprojekt mit Leif Ove Andsnes, das sich mit zwei besonders bemerkenswerten Jahren in Mozarts Leben auseinandersetzt. Mit dem Geiger Pekka Kuusisto widmet sich das Orchester der Erforschung von Musikstilen und Konzertformaten. Seine langjährige Zusammenarbeit mit dem Dirigenten Daniele Gatti fokussiert wiederum das sinfonische Repertoire. Seit der gefeierten Uraufführung von »Written on Skin« beim »Festival d’Aix-en-Provence« 2012 unter der Leitung des Komponisten George Benjamin bringt das Mahler Chamber Orchestra dessen Werke regelmäßig auf die Bühnen der Welt.

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Die Vielseitigkeit der Geigerin Patricia Kopatchinskaja zeigt sich bereits in ihrem breiten Repertoire, das von Werken des Barocks und der Klassik, oft auf Darmsaiten gespielt, bis zu Auftragswerken und der Neu-Interpretation moderner Meisterwerke reicht. Sie begann die Saison 2016/17 mit den Eröffnungskonzerten des neuen SWR Symphonieorchesters, mit dem sie Peter Eötvös’ Violinkonzert »DoReMi« unter der Leitung des Komponisten spielte, sowie einem Auftritt mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester im Rahmen der Eröffnungskonzerte der Elbphilharmonie in Hamburg. Sie gibt Debüts beim Rotterdam Philharmonic Orchestra mit Sibelius’ Violinkonzert unter Krzysztof Urbański und beim Gothenburg Symphony Orchestra unter Peter Eötvös. Regelmäßig arbeitet sie mit dem London Philharmonic Orchestra zusammen, mit dem sie auch in dieser Saison in London und New York unter Vladimir Jurowski auftritt. Besonders im Fokus steht in der Saison 2016/17 György Ligetis Violinkonzert, das sie u. a. mit den Berliner Philharmonikern unter Sir Simon Rattle, mit der Filarmonica della Scala unter Andrés Orozco-Estrada und mit dem Finnish Radio Symphony Orchestra unter Teodor Currentzis spielen wird. Patricia Kopatchinskaja ist zurzeit Artist in Residence am Konzerthaus Berlin, an der Londoner Wigmore Hall und beim »Kissinger Sommer«. Sie unternimmt Europa-Tourneen mit dem Orchestre Philharmonique du Luxembourg unter Gustavo Gimeno sowie mit den Wiener Symphonikern und MusicAeterna unter Teodor Currentzis.

Höhepunkte der vergangenen Saison beinhalten eine Residenz an der Laeiszhalle in Hamburg, Auftritte mit dem Houston und Seattle Symphony Orchestra sowie Konzerte in London mit dem London Philharmonic Orchestra unter VladimirJurowski und als Protagonistin bei »Changing Minds« im Southbank Centre, wo sie Schumanns Violinkonzert mit dem Orchestra of the Age of Enlightenment unter der Leitung von Marin Alsop spielte. Außerdem ging sie mit der Camerata Salzburg und Louis Langrée auf Tournee, mit dem Chamber Orchestra of Europe unter Thierry Fischer und mit Vladimir Jurowski und seinem State Academic Symphony Orchestra of Russia. In dieser Saison ist Patricia Kopatchinskaja Residenzkünstlerin am Konzerthaus Berlin, wo sie das Schumann- und das Sibelius Violinkonzert mit dem Konzerthausorchester und Iván Fischer spielt und ihre breit gefächerten Kammermusikprojekte präsentiert, beim »Lucerne Festival«, an der Wigmore Hall in London und beim »Kissinger Sommer«, wo sie mit dem BBC Symphony Orchestra unter Sakari Oramo spielt. Ab dem Sommer 2018 ist sie Musikdirektorin des »Ojai Festivals«.

Kammermusik ist Patricia Kopatchinskaja besonders wichtig und so tritt sie regelmäßig mit Künstlern wie Markus Hinterhäuser, Polina Leschenko, Anthony Romaniuk und Anu Komsi in den großen Konzerthäusern wie dem Konzerthaus Berlin, der Londoner Wigmore Hall, dem Wiener Konzerthaus und dem Concertgebouw Amsterdam auf. Kopatchinskaja ist Artistic Partner des Saint Paul Chamber Orchestra und ist mit dem Ensemble regelmäßig in Saint Paul und international zu hören. Im November 2016 waren sie auf Europa-Tournee und präsentierten ihre neue CD mit Schuberts »Der Tod und das Mädchen«.

In den letzten Spielzeiten erschienen eine Reihe von neuen Aufnahmen mit Patricia Kopatchinskaja: Werke von Gija Kantscheli mit Gidon Kremer und der Kremerata Baltica, das Duo-Album »Take Two« bei Alpha Classics, Schumanns Violinkonzert und Fantasie mit dem WDR Sinfonieorchester Köln unter Heinz Holliger bei Audite und Tschaikowskys Violinkonzert mit Teodor Currentzis und MusicAeterna bei Sony. Kopatchinskajas CD mit Konzerten von Bartók, Ligeti und Peter Eötvös für Naïve Classique gewann 2013 einen »Gramophone’s Recording of the Year Award«, einen »ECHO Klassik« und wurde 2014 für den »Grammy« nominiert.

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Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Der Jugendkonzertchor präsentiert seine jugendlich-mitreißende Interpretation der Weihnachtsbotschaft auf heimischer Bühne. [short_introduction] => Der Jugendkonzertchor präsentiert seine jugendlich-mitreißende Interpretation der Weihnachtsbotschaft auf heimischer Bühne. [search_tags] => , Magdalene Harer , Annekathrin Laabs , Martin Platz , Jens Hamann , Jugendkonzertchor der Chorakademie am Konzerthaus Dortmund , Johann Sebastian Bach Bach: Weihnachtsoratorium BWV 248 (Kantaten 1 – 3) Weihnachtsoratorium BWV 248 (Kantaten 1 – 3) , Chorkonzert , Felix Heitmann , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>
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Magdalene Harer studierte an der Hochschule für Musik Detmold und der Hochschule für Musik Theater und Medien Hannover; sie absolvierte das künstlerische Diplom sowie das Konzertexamen mit Auszeichnung.
 
Als international gefragte Konzertsängerin ist Magdalene Harer seit vielen Jahren regelmäßig mit zentralen Partien der großen Oratorien zu hören. Ihr umfassendes Repertoire reicht vom Mittelalter bis zur zeitgenössischen Musik des 21. Jahrhunderts. Bei Konzerten in Europa, Israel und den USA musiziert sie als Solistin mit Orchestern wie Concerto Köln, der Akademie für Alte Musik Berlin, der Lautten Compagney und dem Münchener Kammerorchester.
Einen weiteren Schwerpunkt ihrer Arbeit bildet der Ensemblegesang. So konzertiert Magdalene Harer u.a. regelmäßig mit dem Ensemble Polyharmonique. Außerdem verbindet sie eine langjährige, intensive Zusammenarbeit mit dem Dirigenten und Spezialisten für Alte Musik Konrad Junghänel und seinem solistischen Vokalensemble Cantus Cölln.
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Die Altistin Annekathrin Laabs, geboren und aufgewachsen in Erfurt, studierte in Dresden bei Christiane Junghanns, ergänzt durch Kurse bei Brigitte Fassbaender, Peter Schreier, Anna Reynolds und Hans-Jochen Beyer.

Im Anschluss an das Solistenexamen erlangte sie dank Peter Schreier erste internationale Aufmerksamkeit als Bachinterpretin in Los Angeles (h-Moll-Messe), Luxemburg oder der Münchner Philharmonie (Matthäuspassion u.a.) Wichtige Impulse erhielt sie in der regelmäßigen Zusammenarbeit mit den Dirigenten Hans-Christoph Rademann, Wolfgang Katschner, Ludwig Güttler, Rudolf Lutz, Gotthold Schwarz oder Roderich Kreile. Für Alt-und Mezzosopranpartien des Konzertfachs wurde sie von namhaften Chören und Orchestern über Dresden hinaus zu Festivals in Europa, Japan, Russland und Israel eingeladen. Rundfunkmitschnitte und CDs sowie zwei DVDs der Bachstiftung St. Gallen liegen vor.

Zuletzt führten Konzerte sie zum Dresdner Kreuzchor (Martin: In Terra Pax, Mozart: Requiem, Bach: Weihnachtsoratorium, Saint-Saëns: Oratorio de Noël im Berliner Konzerthaus), zu den Thomanern (Weihnachtsoratorium im Berliner Konzerthaus), nach Jerusalem, in die Hamburger Philharmonie, zum RheingauMusikfestival, zum BeethovenFest Bonn, zum Bachfest Leipzig, in die Philharmonie Wroclaw, in den Münchner Herkulessaal, nach St. Gallen zur Bachstiftung und zur Staatskapelle Halle (Brahms: Alt-Rhapsodie).

Als Liedsängerin war sie bei Festivals, in Luzern, München, Berlin, Dresden zu hören, Opernengagements von Monteverdi bis Verdi führten sie unter anderem ans Nationaltheater Prag, zum Bachfest Leipzig, nach Bad Lauchstädt, Gotha, Bayreuth (markgräfliches Opernhaus) und zu den Herrenchiemsee-Festspielen. Mehr Informationen unter www.annekathrin-laabs.de.

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Seine musikalische Ausbildung erhielt der Tenor Martin Platz an der Hochschule für Musik Würzburg. Er studierte Gesang bei Martin Hummel und Chorleitung bei Prof. Jörg Straube. Daneben besuchte er Meisterkurse u. a. bei Magret Honig und Peter Nelson. Seit einigen Jahren wird er von Tilman Lichdi künstlerisch betreut.

Martin Platz ist festes Mitglied im Opernensemble des Staatstheaters Nürnberg, wo er als lyrischer Tenor Rollen wie Belmonte in Mozarts »Entführung aus dem Serail«, Tamino in Mozarts »Zauberflöte«, Don Ottavio in Mozarts »Don Giovanni«, Steuermann in Wagners »Fliegendem Holländer« und die HauteContre Rollen in Rameaus »Platee« und »Les Indes Galantes« übernommen hat. In dieser Spielzeit ist er unter anderem als Lindoro in Rossinis »Italiana in Algier«, als Tamino in Mozarts »Zauberflöte« und als Max Aue in Hector Parras »Die Wohlgesinnten« zu erleben. Außerdem ist er mit Bachs Weihnachtsoratorium im Palau de la Musica mit Jordi Savall und erstmals als Tenor in Dvořáks Requiem in Nürnberg zu hören.

Im Oratorienbereich hat Martin Platz viele große Werke aufgeführt. Sein Schwerpunkt liegt auf der Evangelistenpartie von Bachs Johannes- und Matthäuspassion, die ihm ebenso wie alle anderen Werke von J. S. Bach ein Herzensanliegen sind. Daneben singt er auch viele Konzerte mit Musik von Monteverdi, Händel, Mozart, Mendelssohn, Rossini, Dvořák und vielen mehr. Er gibt regelmäßig in Deutschland und dem benachbarten Ausland Konzerte und hat unter anderem mit den Dirigenten Philippe Herreweghe, Jordi Savall, Christopher Hogwood, Bernhard Labadie, Wolfgang Katschner, Hansjörg Albrecht, Enoch zu Guttenberg, Marcus Bosch, Paul Agnew und Hervet Niquet gearbeitet.

In den letzten Jahren ist er zudem mehrmals mit dem Liederzyklus »Die schöne Müllerin« von Schubert, der »Schönen Magelone« von Brahms und Wolfs Mörike-Liedern aufgetreten.

Martin Platz unterrichtet seit 2007 als Gesangsdozent an der HfM Würzburg.

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Als »kerniger Bariton mit lyrischer Gesanglichkeit und dramatischem Volumen« wird der gebürtige Stuttgarter Jens Hamann von der Fachpresse begeistert beschrieben, »seine unglaublich weiche, technisch in allen Lagen ausgeglichene Stimme« und sein »Vorbild an Gestaltungskraft« werden hervorgehoben. Neben der Verbindung von »warmem Balsam und sonorer Würze mit großem Ausdruck« beeindrucke »die musikalische wie intellektuelle Ausgewogenheit«: »Eine Prachtstimme, die zum Glück einem intelligenten Sänger gehört.«

Jens Hamann war Mitglied der Stuttgarter Hymnus-Chorknaben und absolvierte sein Studium in der Gesangsklasse von Rudolf Piernay an der Staatlichen Musikhochschule Mannheim, wo er auch Mitglied der Opernschule und der Liedklassen von Heike Allardt und Ulrich Eisenlohr war. In Meisterklassen arbeitete er mit Peter Schreier, Irwin Gage und Wolfram Rieger.

Neben ersten und zweiten Preisen bei den Bundeswettbewerben »Jugend musiziert« wurde Jens Hamann beim PodiumJungerGesangsSolisten des Verbands Deutscher Konzertchöre mit dem 2. Preis ausgezeichnet und erhielt den Sonderpreis Alte Musik des Saarländischen Rundfunks für »herausragende Leistungen im Bereich Oratoriengesang«. Seit dem 3. Preis beim »XVI. Internationalen Joh.-Seb.-Bach-Wettbewerb« in Leipzig ist Jens Hamann – als höchstbewertete Männerstimme – »Bachpreisträger«.

Der Bariton trat in den Vereinigten Staaten, Japan, China, Costa Rica, Russland und fast allen Ländern Europas auf. Der vielseitige Sänger tritt in europäischen Musikzentren wie der Berliner Philharmonie, dem Concertgebouw Amsterdam oder dem Parco della Musica Rom, sowie bei herausragenden Festivals wie dem Rheingau Musik Festival, dem Festival Oude Muziek Utrecht, dem Festival de musique de La Chaise-Dieu oder dem Musikfest Bremen auf. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er mit den Dirigenten Sigiswald Kuijken, Frieder Bernius, Morten Schuldt-Jensen, Hans-Christoph Rademann, Helmuth Rilling, Stefan Vladar, Pavel Baleff und Thomas Fey zusammen.

Mehr als 50 CD-Einspielungen liegen vor, die von der Fachpresse mit dem »MIDEM Classical Award«, dem »Diapason d’Or« oder dem »Preis der deutschen Schallplattenkritik« gewürdigt wurden. Als Referenzeinspielungen hochgelobt wurden die Aufnahmen des »Oratorio de Noel« (Carus), der Johannes-Passion Johann Sebastian Bachs (Challenge Classics) und der Hammerschmidt-Motetten (Carus).

Neben den Aufführungen aller Vokalwerke Johann Sebastian Bachs beim bis 2021 angelegten Projekt »Bach:vokal« in der Stuttgarter Stiftskirche mit Kay Johannsen betreibt Jens Hamann auch eine erfolgreiche gesangspädagogische Lehrtätigkeit beim Jugendkonzertchor der Chorakademie am Konzerthaus Dortmund.

Der Sänger lebt in Nordrhein-Westfalen, ist verheiratet und stolzer Vater zweier Kinder. 

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»Vokale Harmonie in Perfektion« – so lautete die Überschrift einer Rezension in der »Hildesheimer Allgemeinen Zeitung« nach einem A-cappella-Konzert des Jugendkonzertchores der Chorakademie Dortmund. »Vom ersten Akkord an herrschte Homogenität und Ausgewogenheit zwischen den Stimmen«, schreibt die »Süddeutsche Zeitung« über den Jugendkonzertchor: »Die Intonation war durch die Bank makellos.« Auch die Rheinpfalz lobt in ihrer Kritik das Ensemble: »Zum Träumen schön war der Chorklang mit seinen weiten Bögen.« Er sei von »bestechender Reinheit und Geschlossenheit« und die »musikalischen Charaktere wurden mit nuanciertem Raffinement gespiegelt«. Der Opernfreund schrieb in einer Rezension der Ballett-Produktion »Prosperos Insel« am Musiktheater im Revier Gelsenkirchen: »Das Niveau des Chores ist atemberaubend.«

Unter der Anleitung des künstlerischen Teams mit Felix Heitmann, Heike Susanne Daum und Jens Hamann widmen sich die Mitglieder des Jugendkonzertchores in intensiver Chorprobenarbeit und ergänzender Einzelstimmbildung der A-cappella-Chormusik sämtlicher Epochen. Das breite Repertoire des Chores schließt oratorische und chorsinfonische Werke genauso ein wie populäre Chormusik. Die Sängerinnen und Sänger im Alter von 13 bis 19 Jahren werden zu Gesangssolisten und Ensemblesängern ausgebildet. Das Ausbildungskonzept des Chores zielt auf eine Kombination aus besonderem Leistungsvermögen und jugendlichem Esprit ab. Der hohe Standard des Jugendkonzertchores verbindet eine große emotionale Ausstrahlung durch die Begeisterungsfähigkeit der Jugendlichen mit einem außergewöhnlichen Chorklang. »Der Chor hat tatsächlich auch einen Luxusklang« beschrieben die Ruhr Nachrichten: »Raumgreifend und mit Kraft in den jungen, frischen Stimmen. Ausgezeichnet geschulte Solisten hat dieser Chor und einen perfekten, homogenen Gesamtklang.« Die Zeitschrift »Pizzicato« bescheinigte dem 2012 gegründeten Chor »einen erfrischenden Klang.« und schrieb weiter: »Er verfügt über ein breites Spektrum an Klangfarben, die sehr sicher und konsequent eingesetzt werden, und bleibt stets authentisch im Ausdruck.«

In den vergangenen Jahren etablierte sich das junge Ensemble als feste Größe im Kulturleben des Ruhrgebiets. Die Zusammenarbeit mit Bridget Breiners Ballett im Revier im Rahmen der Ruhrfestspiele und die Aufführung der Marienvesper von Claudio Monteverdi mit der Akademie für Alte Musik Berlin waren künstlerische Höhepunkte der vergangenen Jahre. In der Saison 2018/19 waren die Jugendlichen unter anderem erneut mit Bachs Weihnachtsoratorium im Konzerthaus Dortmund zu hören und bieten in ihrer eigenen Konzertreihe auf der Zeche Zollern Dortmund den Besuchern vielfältige Klangerlebnisse. Darüber hinaus führt sie ihr neues A-cappella-Konzertprogramm »I Himmelen – Europäische Chormusik« an viele bedeutende Konzertorte Deutschlands. Eine neue Kooperation mit dem WDR Rundfunkchor gibt den Jugendlichen die Gelegenheit, praktische Erfahrungen mit Profisängern zu sammeln.

Im Januar 2017 veröffentlichte der Jugendkonzertchor beim renommierten Label Hänssler Classic seine erste CD-Einspielung »Romantic Choral Music« mit A-cappella-Werken deutscher Komponisten der Romantik. Eine weitere CD mit skandinavischer Chormusik wird in Zusammenarbeit mit dem WDR Rundfunkchor produziert und voraussichtlich Ende 2019 beim Label Hänssler Classic erscheinen.

Mit ihrer regen Konzerttätigkeit in ganz Deutschland und den vielfachen Auszeichnungen bei Wettbewerben haben sich die Sängerinnen und Sänger des Jugendkonzertchores in der deutschen Chorszene einen Namen gemacht: Zuletzt erhielt das Ensemble beim 10. Deutschen Chorwettbewerb 2018 in Freiburg den 1. Preis in der Kategorie »Gemischte Jugendchöre« und bekam mit 23,4 von 25 möglichen Punkten das Prädikat »mit hervorragendem Erfolg teilgenommen« zuerkannt. Überdies gewann der Jugendkonzertchor 2018 den internationalen »Bärenreiter Chorwettbewerb« und konnte als einziger teilnehmender Jugendchor gegenüber Chören aus USA, Skandinavien, Polen und Deutschland mit seiner herausragenden Interpretation von Mårten Janssons Chorwerk »Maria IV« überzeugen. Bereits 2015 bekam der Jugendkonzertchor beim 6. »Erwitter Wettbewerb für Kinder- und Jugendchöre« den 1. Preis und einen Sonderpreis für die beste chorische Gesamtleistung zuerkannt. Im Rahmen des »Deutschen Chorfestes 2016« in Stuttgart wurde das Ensemble außerdem mit dem 1. Preis in der Kategorie Jugendchöre und im Wettbewerb der Erwachsenenchöre mit dem 2. Preis in der Kategorie »Romantik geistlich« ausgezeichnet. In den Gesangskategorien von »Jugend musiziert« erhalten darüber hinaus Mitglieder des Chores jedes Jahr aufs Neue im Bundeswettbewerb Bestplatzierungen und Sonderpreise für herausragende künstlerische Leistungen, darunter den Sonderpreis der Walter und Charlotte Hamel Stiftung und der Manfred-Vetter-Stiftung für Kunst und Kultur.

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Felix Heitmann studierte nach dem Besuch der Berufsfachschule in Bad Königshofen Schulmusik und Chorleitung an der Hochschule für Musik in Detmold. Wesentliche Impulse erhielt er durch die Chorarbeit bei Prof. Anne Kohler und Prof. Fritz ter Wey sowie durch die Klavierimprovisation bei Prof. Dr. Bernd Englbrecht. Seine Ausbildung wurde durch Meisterkurse bei Frieder Bernius und Paul van Nevel ergänzt. Überdies ist er 1. Preisträger des Bundeswettbewerbs Schulpraktisches Klavierspiel »Grotrian-Steinweg«.

Er ist Lehrbeauftragter an der Hochschule für Musik Detmold in den Fächern Chorleitung und Schulpraktisches Klavierspiel und veröffentlicht in dieser Disziplin regelmäßig Klavierarrangements in der Zeitschrift »Musik und Bildung« des Schott-Verlags. Für den Bundesverband Musikunterricht e. V. konnte er 2016 seine Fachkompetenz als Jugendchorleiter in die Entwicklung und Veröffentlichung des vom Carus-Verlag herausgegebenen neuen Chorbuchs »chorissimo blue!« miteinbringen.

Durch Mitgliedschaft in zahlreichen Chören (unter anderem bei den Würzburger Domsingknaben, des Kammerchores »Modus Novus« und dem Kammerchor der HfM Detmold) führten ihn Konzertreisen unter anderem nach Südafrika, China und die USA. Inspiriert durch die Zusammenarbeit mit Prof. Anne Kohler im Vokalensemble PopUp befasste er sich Zeit seines Studiums auch sehr intensiv mit populärer Chormusik. Er hat an der Chorakademie als Fachbereichsleiter des Jugendbereichs die Leitung des von ihm gegründeten Jugendkonzertchores inne.

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Magdalene Harer studierte an der Hochschule für Musik Detmold und der Hochschule für Musik Theater und Medien Hannover; sie absolvierte das künstlerische Diplom sowie das Konzertexamen mit Auszeichnung.
 
Als international gefragte Konzertsängerin ist Magdalene Harer seit vielen Jahren regelmäßig mit zentralen Partien der großen Oratorien zu hören. Ihr umfassendes Repertoire reicht vom Mittelalter bis zur zeitgenössischen Musik des 21. Jahrhunderts. Bei Konzerten in Europa, Israel und den USA musiziert sie als Solistin mit Orchestern wie Concerto Köln, der Akademie für Alte Musik Berlin, der Lautten Compagney und dem Münchener Kammerorchester.
Einen weiteren Schwerpunkt ihrer Arbeit bildet der Ensemblegesang. So konzertiert Magdalene Harer u.a. regelmäßig mit dem Ensemble Polyharmonique. Außerdem verbindet sie eine langjährige, intensive Zusammenarbeit mit dem Dirigenten und Spezialisten für Alte Musik Konrad Junghänel und seinem solistischen Vokalensemble Cantus Cölln.
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Die Altistin Annekathrin Laabs, geboren und aufgewachsen in Erfurt, studierte in Dresden bei Christiane Junghanns, ergänzt durch Kurse bei Brigitte Fassbaender, Peter Schreier, Anna Reynolds und Hans-Jochen Beyer.

Im Anschluss an das Solistenexamen erlangte sie dank Peter Schreier erste internationale Aufmerksamkeit als Bachinterpretin in Los Angeles (h-Moll-Messe), Luxemburg oder der Münchner Philharmonie (Matthäuspassion u.a.) Wichtige Impulse erhielt sie in der regelmäßigen Zusammenarbeit mit den Dirigenten Hans-Christoph Rademann, Wolfgang Katschner, Ludwig Güttler, Rudolf Lutz, Gotthold Schwarz oder Roderich Kreile. Für Alt-und Mezzosopranpartien des Konzertfachs wurde sie von namhaften Chören und Orchestern über Dresden hinaus zu Festivals in Europa, Japan, Russland und Israel eingeladen. Rundfunkmitschnitte und CDs sowie zwei DVDs der Bachstiftung St. Gallen liegen vor.

Zuletzt führten Konzerte sie zum Dresdner Kreuzchor (Martin: In Terra Pax, Mozart: Requiem, Bach: Weihnachtsoratorium, Saint-Saëns: Oratorio de Noël im Berliner Konzerthaus), zu den Thomanern (Weihnachtsoratorium im Berliner Konzerthaus), nach Jerusalem, in die Hamburger Philharmonie, zum RheingauMusikfestival, zum BeethovenFest Bonn, zum Bachfest Leipzig, in die Philharmonie Wroclaw, in den Münchner Herkulessaal, nach St. Gallen zur Bachstiftung und zur Staatskapelle Halle (Brahms: Alt-Rhapsodie).

Als Liedsängerin war sie bei Festivals, in Luzern, München, Berlin, Dresden zu hören, Opernengagements von Monteverdi bis Verdi führten sie unter anderem ans Nationaltheater Prag, zum Bachfest Leipzig, nach Bad Lauchstädt, Gotha, Bayreuth (markgräfliches Opernhaus) und zu den Herrenchiemsee-Festspielen. Mehr Informationen unter www.annekathrin-laabs.de.

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Seine musikalische Ausbildung erhielt der Tenor Martin Platz an der Hochschule für Musik Würzburg. Er studierte Gesang bei Martin Hummel und Chorleitung bei Prof. Jörg Straube. Daneben besuchte er Meisterkurse u. a. bei Magret Honig und Peter Nelson. Seit einigen Jahren wird er von Tilman Lichdi künstlerisch betreut.

Martin Platz ist festes Mitglied im Opernensemble des Staatstheaters Nürnberg, wo er als lyrischer Tenor Rollen wie Belmonte in Mozarts »Entführung aus dem Serail«, Tamino in Mozarts »Zauberflöte«, Don Ottavio in Mozarts »Don Giovanni«, Steuermann in Wagners »Fliegendem Holländer« und die HauteContre Rollen in Rameaus »Platee« und »Les Indes Galantes« übernommen hat. In dieser Spielzeit ist er unter anderem als Lindoro in Rossinis »Italiana in Algier«, als Tamino in Mozarts »Zauberflöte« und als Max Aue in Hector Parras »Die Wohlgesinnten« zu erleben. Außerdem ist er mit Bachs Weihnachtsoratorium im Palau de la Musica mit Jordi Savall und erstmals als Tenor in Dvořáks Requiem in Nürnberg zu hören.

Im Oratorienbereich hat Martin Platz viele große Werke aufgeführt. Sein Schwerpunkt liegt auf der Evangelistenpartie von Bachs Johannes- und Matthäuspassion, die ihm ebenso wie alle anderen Werke von J. S. Bach ein Herzensanliegen sind. Daneben singt er auch viele Konzerte mit Musik von Monteverdi, Händel, Mozart, Mendelssohn, Rossini, Dvořák und vielen mehr. Er gibt regelmäßig in Deutschland und dem benachbarten Ausland Konzerte und hat unter anderem mit den Dirigenten Philippe Herreweghe, Jordi Savall, Christopher Hogwood, Bernhard Labadie, Wolfgang Katschner, Hansjörg Albrecht, Enoch zu Guttenberg, Marcus Bosch, Paul Agnew und Hervet Niquet gearbeitet.

In den letzten Jahren ist er zudem mehrmals mit dem Liederzyklus »Die schöne Müllerin« von Schubert, der »Schönen Magelone« von Brahms und Wolfs Mörike-Liedern aufgetreten.

Martin Platz unterrichtet seit 2007 als Gesangsdozent an der HfM Würzburg.

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Als »kerniger Bariton mit lyrischer Gesanglichkeit und dramatischem Volumen« wird der gebürtige Stuttgarter Jens Hamann von der Fachpresse begeistert beschrieben, »seine unglaublich weiche, technisch in allen Lagen ausgeglichene Stimme« und sein »Vorbild an Gestaltungskraft« werden hervorgehoben. Neben der Verbindung von »warmem Balsam und sonorer Würze mit großem Ausdruck« beeindrucke »die musikalische wie intellektuelle Ausgewogenheit«: »Eine Prachtstimme, die zum Glück einem intelligenten Sänger gehört.«

Jens Hamann war Mitglied der Stuttgarter Hymnus-Chorknaben und absolvierte sein Studium in der Gesangsklasse von Rudolf Piernay an der Staatlichen Musikhochschule Mannheim, wo er auch Mitglied der Opernschule und der Liedklassen von Heike Allardt und Ulrich Eisenlohr war. In Meisterklassen arbeitete er mit Peter Schreier, Irwin Gage und Wolfram Rieger.

Neben ersten und zweiten Preisen bei den Bundeswettbewerben »Jugend musiziert« wurde Jens Hamann beim PodiumJungerGesangsSolisten des Verbands Deutscher Konzertchöre mit dem 2. Preis ausgezeichnet und erhielt den Sonderpreis Alte Musik des Saarländischen Rundfunks für »herausragende Leistungen im Bereich Oratoriengesang«. Seit dem 3. Preis beim »XVI. Internationalen Joh.-Seb.-Bach-Wettbewerb« in Leipzig ist Jens Hamann – als höchstbewertete Männerstimme – »Bachpreisträger«.

Der Bariton trat in den Vereinigten Staaten, Japan, China, Costa Rica, Russland und fast allen Ländern Europas auf. Der vielseitige Sänger tritt in europäischen Musikzentren wie der Berliner Philharmonie, dem Concertgebouw Amsterdam oder dem Parco della Musica Rom, sowie bei herausragenden Festivals wie dem Rheingau Musik Festival, dem Festival Oude Muziek Utrecht, dem Festival de musique de La Chaise-Dieu oder dem Musikfest Bremen auf. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er mit den Dirigenten Sigiswald Kuijken, Frieder Bernius, Morten Schuldt-Jensen, Hans-Christoph Rademann, Helmuth Rilling, Stefan Vladar, Pavel Baleff und Thomas Fey zusammen.

Mehr als 50 CD-Einspielungen liegen vor, die von der Fachpresse mit dem »MIDEM Classical Award«, dem »Diapason d’Or« oder dem »Preis der deutschen Schallplattenkritik« gewürdigt wurden. Als Referenzeinspielungen hochgelobt wurden die Aufnahmen des »Oratorio de Noel« (Carus), der Johannes-Passion Johann Sebastian Bachs (Challenge Classics) und der Hammerschmidt-Motetten (Carus).

Neben den Aufführungen aller Vokalwerke Johann Sebastian Bachs beim bis 2021 angelegten Projekt »Bach:vokal« in der Stuttgarter Stiftskirche mit Kay Johannsen betreibt Jens Hamann auch eine erfolgreiche gesangspädagogische Lehrtätigkeit beim Jugendkonzertchor der Chorakademie am Konzerthaus Dortmund.

Der Sänger lebt in Nordrhein-Westfalen, ist verheiratet und stolzer Vater zweier Kinder. 

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»Vokale Harmonie in Perfektion« – so lautete die Überschrift einer Rezension in der »Hildesheimer Allgemeinen Zeitung« nach einem A-cappella-Konzert des Jugendkonzertchores der Chorakademie Dortmund. »Vom ersten Akkord an herrschte Homogenität und Ausgewogenheit zwischen den Stimmen«, schreibt die »Süddeutsche Zeitung« über den Jugendkonzertchor: »Die Intonation war durch die Bank makellos.« Auch die Rheinpfalz lobt in ihrer Kritik das Ensemble: »Zum Träumen schön war der Chorklang mit seinen weiten Bögen.« Er sei von »bestechender Reinheit und Geschlossenheit« und die »musikalischen Charaktere wurden mit nuanciertem Raffinement gespiegelt«. Der Opernfreund schrieb in einer Rezension der Ballett-Produktion »Prosperos Insel« am Musiktheater im Revier Gelsenkirchen: »Das Niveau des Chores ist atemberaubend.«

Unter der Anleitung des künstlerischen Teams mit Felix Heitmann, Heike Susanne Daum und Jens Hamann widmen sich die Mitglieder des Jugendkonzertchores in intensiver Chorprobenarbeit und ergänzender Einzelstimmbildung der A-cappella-Chormusik sämtlicher Epochen. Das breite Repertoire des Chores schließt oratorische und chorsinfonische Werke genauso ein wie populäre Chormusik. Die Sängerinnen und Sänger im Alter von 13 bis 19 Jahren werden zu Gesangssolisten und Ensemblesängern ausgebildet. Das Ausbildungskonzept des Chores zielt auf eine Kombination aus besonderem Leistungsvermögen und jugendlichem Esprit ab. Der hohe Standard des Jugendkonzertchores verbindet eine große emotionale Ausstrahlung durch die Begeisterungsfähigkeit der Jugendlichen mit einem außergewöhnlichen Chorklang. »Der Chor hat tatsächlich auch einen Luxusklang« beschrieben die Ruhr Nachrichten: »Raumgreifend und mit Kraft in den jungen, frischen Stimmen. Ausgezeichnet geschulte Solisten hat dieser Chor und einen perfekten, homogenen Gesamtklang.« Die Zeitschrift »Pizzicato« bescheinigte dem 2012 gegründeten Chor »einen erfrischenden Klang.« und schrieb weiter: »Er verfügt über ein breites Spektrum an Klangfarben, die sehr sicher und konsequent eingesetzt werden, und bleibt stets authentisch im Ausdruck.«

In den vergangenen Jahren etablierte sich das junge Ensemble als feste Größe im Kulturleben des Ruhrgebiets. Die Zusammenarbeit mit Bridget Breiners Ballett im Revier im Rahmen der Ruhrfestspiele und die Aufführung der Marienvesper von Claudio Monteverdi mit der Akademie für Alte Musik Berlin waren künstlerische Höhepunkte der vergangenen Jahre. In der Saison 2018/19 waren die Jugendlichen unter anderem erneut mit Bachs Weihnachtsoratorium im Konzerthaus Dortmund zu hören und bieten in ihrer eigenen Konzertreihe auf der Zeche Zollern Dortmund den Besuchern vielfältige Klangerlebnisse. Darüber hinaus führt sie ihr neues A-cappella-Konzertprogramm »I Himmelen – Europäische Chormusik« an viele bedeutende Konzertorte Deutschlands. Eine neue Kooperation mit dem WDR Rundfunkchor gibt den Jugendlichen die Gelegenheit, praktische Erfahrungen mit Profisängern zu sammeln.

Im Januar 2017 veröffentlichte der Jugendkonzertchor beim renommierten Label Hänssler Classic seine erste CD-Einspielung »Romantic Choral Music« mit A-cappella-Werken deutscher Komponisten der Romantik. Eine weitere CD mit skandinavischer Chormusik wird in Zusammenarbeit mit dem WDR Rundfunkchor produziert und voraussichtlich Ende 2019 beim Label Hänssler Classic erscheinen.

Mit ihrer regen Konzerttätigkeit in ganz Deutschland und den vielfachen Auszeichnungen bei Wettbewerben haben sich die Sängerinnen und Sänger des Jugendkonzertchores in der deutschen Chorszene einen Namen gemacht: Zuletzt erhielt das Ensemble beim 10. Deutschen Chorwettbewerb 2018 in Freiburg den 1. Preis in der Kategorie »Gemischte Jugendchöre« und bekam mit 23,4 von 25 möglichen Punkten das Prädikat »mit hervorragendem Erfolg teilgenommen« zuerkannt. Überdies gewann der Jugendkonzertchor 2018 den internationalen »Bärenreiter Chorwettbewerb« und konnte als einziger teilnehmender Jugendchor gegenüber Chören aus USA, Skandinavien, Polen und Deutschland mit seiner herausragenden Interpretation von Mårten Janssons Chorwerk »Maria IV« überzeugen. Bereits 2015 bekam der Jugendkonzertchor beim 6. »Erwitter Wettbewerb für Kinder- und Jugendchöre« den 1. Preis und einen Sonderpreis für die beste chorische Gesamtleistung zuerkannt. Im Rahmen des »Deutschen Chorfestes 2016« in Stuttgart wurde das Ensemble außerdem mit dem 1. Preis in der Kategorie Jugendchöre und im Wettbewerb der Erwachsenenchöre mit dem 2. Preis in der Kategorie »Romantik geistlich« ausgezeichnet. In den Gesangskategorien von »Jugend musiziert« erhalten darüber hinaus Mitglieder des Chores jedes Jahr aufs Neue im Bundeswettbewerb Bestplatzierungen und Sonderpreise für herausragende künstlerische Leistungen, darunter den Sonderpreis der Walter und Charlotte Hamel Stiftung und der Manfred-Vetter-Stiftung für Kunst und Kultur.

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Die Veranstaltung wird verschoben auf den 23. Dezember 2021.

Das Gastspiel von »Drei Haselnüsse für Aschenbrödel« muss aufgrund der bestehenden Beschränkungen im Rahmen der Corona-Pandemie verschoben werden und findet nun am 23. Dezember 2021 statt. Alle bereits erworbenen Tickets behalten ihre Gültigkeit und müssen nicht umgetauscht werden.

»Ein Hütchen mit Federn, die Armbrust über der Schulter – aber ein Jäger ist es nicht. Ein silbergewirktes Kleid mit Schleppe zum Ball – aber eine Prinzessin ist es nicht.« Wenn Sie dieses Rätsel lösen können, gehören Sie zweifellos zur riesigen Fangemeinde von »Drei Haselnüsse für Aschenbrödel«. Alle Anhänger des tschechischen Kultfilms dürfen sich schon jetzt ganz besonders auf die kommende Weihnachtszeit freuen: Dann ist der wunderbare Märchenklassiker nach ausverkauften Terminen im vergangenen Jahr wieder in strahlendem Kinoformat und mit großem Orchester zu erleben. [short_introduction] => [search_tags] => , Sinfoniekonzert , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Die Veranstaltung wird verschoben auf den 23. Dezember 2021.

Das Gastspiel von »Drei Haselnüsse für Aschenbrödel« muss aufgrund der bestehenden Beschränkungen im Rahmen der Corona-Pandemie verschoben werden und findet nun am 23. Dezember 2021 statt. Alle bereits erworbenen Tickets behalten ihre Gültigkeit und müssen nicht umgetauscht werden.

»Ein Hütchen mit Federn, die Armbrust über der Schulter – aber ein Jäger ist es nicht. Ein silbergewirktes Kleid mit Schleppe zum Ball – aber eine Prinzessin ist es nicht.« Wenn Sie dieses Rätsel lösen können, gehören Sie zweifellos zur riesigen Fangemeinde von »Drei Haselnüsse für Aschenbrödel«. Alle Anhänger des tschechischen Kultfilms dürfen sich schon jetzt ganz besonders auf die kommende Weihnachtszeit freuen: Dann ist der wunderbare Märchenklassiker nach ausverkauften Terminen im vergangenen Jahr wieder in strahlendem Kinoformat und mit großem Orchester zu erleben. [short_introduction] => [search_tags] => , Sinfoniekonzert , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Die Veranstaltung muss leider ersatzlos entfallen.

Ticketinhaber werden über das weitere Vorgehen informiert.

Die trommelnde Legende ist zurück! YAMATO – The Drummers of Japan verbinden in ihren atemberaubenden Shows Tradition mit Moderne und unbändige Kraft mit perfekter Synchronität und vollendeter Harmonie. Komplett wird die einmalige Mischung durch eine ordentliche Prise Humor, mit der YAMATO schon seit 26 Jahren jedes Publikum erobert: Bei ihren mehr als 4.500 Auftritten in 54 Ländern haben sich die Taiko-Virtuosen bereits in die Herzen von über 8 Millionen Zuschauern getrommelt. Mit »Jhonetsu« setzen sie ihre einzigartige Erfolgsgeschichte nun fort. [short_introduction] => [search_tags] => , Tanz & Show , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Gabriel Feltz studierte Dirigieren und Klavier an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin. Nach dem Studium war er Assistent bei Gerd Albrecht an der Hamburgischen Staatsoper, weitere Engagements führten ihn an die Städtischen Bühnen Lübeck und das Theater Bremen. Von 2001 bis 2005 war er Generalmusikdirektor am Theater Altenburg-Gera, eine Position, die er von 2004 bis 2013 auch bei den Stuttgarter Philharmonikern innehatte. Ab der Spielzeit 2013/14 ist er Generalmusikdirektor der Stadt Dortmund und Chefdirigent der Dortmunder Philharmoniker. Seit 2008 ist er zudem 1. Gastdirigent am Theater Basel. Er arbeitete u.a. mit der Sächsischen Staatskapelle Dresden, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Konzerthausorchester Berlin, der Staatskapelle Weimar, den Bamberger Symphonikern, dem Orchester der De Vlaamse Opera Antwerpen, den Grazer Philharmonikern, dem KBS Symphony Orchestra Seoul und dem China National Symphony Orchestra zusammen. 

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Gabriel Feltz studierte Dirigieren und Klavier an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin. Nach dem Studium war er Assistent bei Gerd Albrecht an der Hamburgischen Staatsoper, weitere Engagements führten ihn an die Städtischen Bühnen Lübeck und das Theater Bremen. Von 2001 bis 2005 war er Generalmusikdirektor am Theater Altenburg-Gera, eine Position, die er von 2004 bis 2013 auch bei den Stuttgarter Philharmonikern innehatte. Ab der Spielzeit 2013/14 ist er Generalmusikdirektor der Stadt Dortmund und Chefdirigent der Dortmunder Philharmoniker. Seit 2008 ist er zudem 1. Gastdirigent am Theater Basel. Er arbeitete u.a. mit der Sächsischen Staatskapelle Dresden, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Konzerthausorchester Berlin, der Staatskapelle Weimar, den Bamberger Symphonikern, dem Orchester der De Vlaamse Opera Antwerpen, den Grazer Philharmonikern, dem KBS Symphony Orchestra Seoul und dem China National Symphony Orchestra zusammen. 

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Die Vorstellungen der »Rocky Horror Show« vom 03. bis zum 10. Januar 2021 müssen leider entfallen.

Ticketinhaber erhalten einen Gutschein über die Höhe des gezahlten Kartenpreises, den Sie für Veranstaltungen der BB Promotion GmbH einlösen können. Geben Sie dafür bitte in diesem Kontaktformular die Daten Ihrer ursprünglichen Bestellung ein. Anschließend erhalten Sie nach einer Bearbeitungszeit von 10 bis 14 Werktagen einen persönlichen Gutschein als PDF-Datei per E-Mail vom Veranstalter. Mit diesem können Sie bei TicketsDirekt eine neue Veranstaltung buchen. Für eventuelle Rückfragen steht Ihnen der Veranstalter telefonisch unter T 0621 – 10 79 20 zur Verfügung.

Es ist wieder Zeit für die größte Party und den unartigsten Spaß der Musical-Geschichte: Mit schamlosem Tempo, unerhörtem Glamour und jeder Menge Sexappeal kommt Richard O’Brien’s Rocky Horror Show nach Deutschland, Österreich und in die Schweiz zurück. Inszeniert unter dem Augenmerk des Schöpfers Richard O’Brien selbst wird der unartigste Spaß, den man auf der Bühne erleben kann, so euphorisch vom Publikum gefeiert und enthusiastisch zelebriert wie kein anderes Musical der Welt. Und das bedeutet: In den Theatern sind wieder Strapse und Stilettos angesagt! Mit unübertroffener Exzentrik und Hits wie »The Time Warp«, »Sweet Transvestite« und vielen mehr nimmt die schrille Story um das junge, biedere Paar Brad Majors und Janet Weiss und den diabolischen Außerirdischen Dr. Frank’n’Furter ihren Lauf. Es darf gebuht, mit Lichtern geschwenkt und Wasser gespritzt werden, was das Zeug hält! [short_introduction] => Das Enfant terrible des Musicals auf Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz [search_tags] => , Tanz & Show , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Die Vorstellungen der »Rocky Horror Show« vom 03. bis zum 10. Januar 2021 müssen leider entfallen.

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So bekannt wie Mussorgskys »Bilder einer Ausstellung« heute sind, so lange hat der Klavierzyklus auf seine Etablierung im Konzertsaal gewartet. Erst 50 Jahre nach der Komposition 1874 verhalf Maurice Ravel dem Werk in einer Orchesterfassung zu Berühmtheit. Wer diese unendlich farbenreiche Musik am besten am Flügel eingespielt hat, wird im Kopfhörer diskutiert. [short_introduction] => In der Reihe »Kopfhörer« diskutieren die Musikwissenschaftler Noltze und Stegemann die Aufführungsgeschichte ausgewählter Werke anhand berühmter Aufnahmen. [search_tags] => , Prof. Dr. Holger Noltze , Prof. Dr. Michael Stegemann , Modest Mussorgsky Mussorgsky: »Bilder einer Ausstellung« »Bilder einer Ausstellung« , Vortrag , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>
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Holger Noltze ist Musikjournalist und seit 2005 Professor für Musik und Medien an der TU Dortmund, wo er den Studiengang Musikjournalismus aufgebaut hat. Er studierte Germanistik, Hispanistik und Geschichte in Bochum und Madrid und promovierte über Wolframs »Parzival«. Von 2000 bis 2005 war Holger Noltze Ressortleiter Aktuelle Kultur beim Deutschlandfunk. Im WDR-Fernsehen moderierte er von 2001 bis 2015 die Gesprächsrunde »west.art Talk«. Zwischen 2013 und 2017 war er zudem Sprecher des »Rats für Kulturelle Bildung«. Holger Noltze ist mit Features und Beiträgen vor allem im WDR zu hören und schreibt als Musikjournalist und Literaturkritiker u. a. für »Opernwelt«, die Neue Zürcher Zeitung und die ZEIT.

Noltze veröffentlichte Bücher über Goethe (2007) und Wagner (2008) sowie die opern- und kulturgeschichtliche Darstellung »Liebestod. Wagner, Verdi, Wir« (Hoffmann und Campe, 2013). Außerdem publizierte er die Bände »Die Leichtigkeitslüge. Über Musik, Medien und Komplexität« (Edition Körber, 2010) und zusammen mit dem Pianisten Menahem Pressler »Dieses Verlangen nach Schönheit. Gespräche über Musik« (Edition Körber, 2016).

Holger Noltze ist zudem Mitgründer der Online-Plattform takt1.de für klassische Musik.

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Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Von der künstlerischen Exzellenz auf der Bühne, in Aufnahmen und im Film bis hin zu seinem weltweit führenden Musikpädagogik- und Community-Music-Programm ist das London Symphony Orchestra (LSO) bestrebt, so vielen Menschen wie möglich großartige Musik zu bringen. Das 1904 gegründete LSO war eines der ersten selbstverwalteten Orchester, das auf den Werten der Partnerschaft und des künstlerischen Eigentums aufbaut. Dieser Unternehmergeist setzt sich auch heute fort.

Das LSO ist seit der Eröffnung des Zentrums im Jahr 1982 das Resident Orchestra im Barbican Centre in der Londoner City. Das LSO gibt auch Konzerte und Workshops im LSO St Luke im Rahmen seines Pionierprogramms für Gemeinschafts- und Bildungsprojekte »LSO Discovery«, das zu den ersten in Großbritannien gehörte. Das Orchester setzt sich auch für Neue Musik ein und beauftragt regelmäßig einige der bedeutendsten britischen Komponisten, gewichtige neue Werke für Orchester zu schreiben und setzt sich gleichzeitig für die Förderung von jungen Dirigenten in Großbritannien ein.

Das LSO hat eine enge Künstlerfamilie entwickelt, die ihr Engagement für dieses Orchester immer wieder unter Beweis stellt, mit Sir Simon Rattle als Chefdirigent, Gianandrea Noseda und François-Xavier Roth als Erste Gastdirigenten und Michael Tilson Thomas als Ehrendirigent. Es pflegt auch langjährige Beziehungen zu einigen der größten Dirigenten und Solisten der Welt, die die grenzenlosen musikalischen Ambitionen, die das LSO bietet, genießen.

Mit der Gründung seines eigenen Plattenlabels LSO Live im Jahr 1999 hat das Orchester eine Revolution in der Aufnahme und Verbreitung von Live-Orchestermusik herbeigeführt. Seitdem hat LSO Live über 150 Veröffentlichungen produziert und setzt sich kontinuierlich für neue digitale Technologien ein, nachdem es wegweisende Schritte in den Bereichen digitaler Film, Blu-Ray-Audio, Download und Streaming gemacht hat. Das Orchester hat mehr Aufnahmen gemacht als jedes andere Orchester und viele Millionen haben das LSO durch seine Arbeit als führendes Orchester für Film genossen, das hunderte von klassischen Partituren von »Star Wars« bis »The King’s Speech« und »Indiana Jones« umfasst.

Das LSO versucht, Millionen von Menschen jedes Jahr durch Auftritte in London und auf der ganzen Welt Live-Orchestermusik nahezubringen. Das LSO wird durch öffentliche Mittel durch den Arts Council und die City of London Corporation für seine Residenz im Barbican Centre unterstützt, die es ihm zusammen mit seinen strategischen Partnern im privaten Sektor ermöglichen, weiterhin ein dynamisches Arbeitsspektrum zu leisten.

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Sir Simon Rattle ist seit September 2002 Chefdirigent der Berliner Philharmoniker und Künstlerischer Leiter der Stiftung Berliner Philharmoniker. Sein Repertoire als Konzert- und Operndirigent reicht vom Barock bis zur Neuen Musik. Er ist Erster Gastdirigent des Orchestra of the Age of Enlightenment und arbeitet mit den führenden Orchestern in Europa und den USA. Schon vor seinem Amtsantritt als Chefdirigent hat Simon Rattle eine 15-jährige, regelmäßige Zusammenarbeit mit den Berliner Philharmonikern verbunden. Dabei sind vor allem in den letzten Jahren zahlreiche, zum Teil preisgekrönte Einspielungen mit dem Orchester entstanden. Simon Rattle, 1955 in Liverpool geboren, studiert an der Royal Academy of Music in London. Von 1980 bis 1998 arbeitet er – zunächst als Erster Dirigent und Künstlerischer Berater, dann als Musikdirektor – mit dem City of Birmingham Symphony Orchestra (CBSO) und führt es an die internationale Spitze. Ein besonderes Anliegen Sir Simons ist es, jungen Menschen unterschiedlichster sozialer und kultureller Herkunft die Arbeit der Berliner Philharmoniker und deren Musik nahezubringen. Zu diesem Zweck hat er das sehr erfolgreiche Education-Programm der Berliner Philharmoniker ins Leben gerufen, mit dem das Orchester neue Wege der Musikvermittlung beschreitet. Für dieses Engagement sowie für seine künstlerische Arbeit ist Sir Simon Rattle vielfach ausgezeichnet worden. 1994 von der englischen Königin in den Ritterstand erhoben, erhielt er 2009 den spanischen »Premio Don Juan de Borbón de la Música«, die Goldmedaille »Gloria Artis« des polnischen Kulturministeriums sowie das Bundesverdienstkreuz, außerdem wurde er 2010 in den Ritterorden der französischen Ehrenlegion aufgenommen. Im Februar 2013 wurde Sir Simon Rattle mit dem »Léonie-Sonning-Musikpreis« der dänischen Léonie-Sonning-Musikstiftung in Kopenhagen geehrt und 2014 verlieh Königin Elizabeth II. dem Chefdirigenten der Berliner Philharmoniker den »Order of Merit«.

Im Januar 2013 verkündete Sir Simon Rattle, dass er seinen Vertrag als Chefdirigent der Berliner Philharmoniker nach dessen Ablauf 2018 nicht mehr verlängern wird. Im März 2015 gab er bekannt, dass er ab September 2017 Music Director beim London Symphony Orchestra wird.

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Spiel mit dem Feuer

Ganz nah konnte man dem Komponisten George Benjamin 2016 während seiner Zeitinsel im Konzerthaus kommen, der hier unter anderem seine Erfolgsoper »Written on skin« dirigierte. Nun kehrt er mit seinem neuesten Repertoirebeitrag zurück und präsentiert mit dem Mahler Chamber Orchestra seine 2018 uraufgeführte Oper »Lessons in love and violence« in einer halbszenischen Inszenierung. Es geht um Herrschaft und Pflichtvergessenheit: Die beiden Kinder eines namenlosen englischen Königs wachsen hinein in ein Drama um Leidenschaft, Machtgier und Mord – und erhalten Lektionen in Liebe und Gewalt. [short_introduction] => George Benjamin kehrt mit seinem neuesten Repertoirebeitrag zurück und präsentiert mit dem Mahler Chamber Orchestra seine 2018 uraufgeführte Oper »Lessons in love and violence« in einer halbszenischen Inszenierung. [search_tags] => , Evan Hughes , Gyula Orendt , Georgia Jarman , Paul Curievici , Samuel Boden , George Benjamin Benjamin: »Lessons in love and violence« Oper in zwei Teilen (halbszenische Aufführung in englischer Sprache mit deutschen Übertiteln) »Lessons in love and violence« Oper in zwei Teilen (halbszenische Aufführung in englischer Sprache mit deutschen Übertiteln) , Konzertante Oper , MCO Academy: Mahler Chamber Orchestra und Musiker des Orchesterzentrum|NRW , Martin Crimp , Dan Ayling , [vortrag] => Array ( [eManagement_id] => 49677 [projekt] => Lessons in Love and Violence / MCO / Benjamin [presenter_id] => 147599 [customer_id] => 0 [start] => 19.00 [end] => 2021-01-16 19:30:00 [endchecked] => unchecked [taetigkeit] => Einführung [saal] => Komponistenfoyer [anweisung] => [notiz] => [event_id] => 0 [absid] => [repeat_id] => 0 [status] => 1 [ts] => 2020-04-03 12:58:19 ) [evortrag] => Array ( [eManagement_id] => 49678 [projekt] => Lessons in Love and Violence / MCO / Benjamin [presenter_id] => 147599 [customer_id] => 0 [start] => 19.40 [end] => 2021-01-16 19:50:00 [endchecked] => unchecked [taetigkeit] => Expresseinführung [saal] => Komponistenfoyer [anweisung] => [notiz] => [event_id] => 0 [absid] => [repeat_id] => 0 [status] => 1 [ts] => 2020-04-03 12:58:42 ) [betreuung] => [shorttext] =>

Spiel mit dem Feuer

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George Benjamin, geboren 1960, begann im Alter von sieben Jahren zu komponieren. Ab 1976 studierte er in Paris am Konservatorium bei Olivier Messiaen, später bei Alexander Goehr am King’s College Cambridge. Sein »Ringed by the Flat Horizon« wurde bei den »BBC Proms« vom BBC Symphony Orchestra unter Mark Elder aufgeführt, als Benjamin erst 20 war. Zwei Jahre später spielte die London Sinfonietta unter Sir Simon Rattle die Uraufführung von »At First Light«. »Antara« war ein Auftragswerk zum 10. Jahrestag des Centre Pompidou 1987, »Three Inventions« komponierte er für die 75. »Salzburger Festspiele« 1995. Das London Symphony Orchestra hob 2002 unter der Leitung von Pierre Boulez »Palimpsests« aus der Taufe und eröffnete damit »By George«, ein Porträt am Barbican Centre, das sich über eine Saison erstreckte. 2012 präsentierte das Southbank Centre eine Retrospektive seiner Arbeit, gefolgt von weiteren ähnlichen Konzertreihen in Paris, Luzern, San Francisco, Frankfurt, Aix-en-Provence, Turin, Mailand, Aldeburgh, Toronto und New York.

Sein erstes musikdramatisches Werk »Into the Little Hill«, eine Zusammenarbeit mit Martin Crimp, wurde 2006 vom »Festival d’Automne à Paris« in Auftrag gegeben. Ihr zweites gemeinsames Werk, »Written on Skin«, wurde im Juli 2012 beim »Festival d’Aix-en-Provence« uraufgeführt, von über 20 internationalen Opernhäusern in den Spielplan aufgenommen und hat zahlreiche internationale Preise gewonnen. Benjamin leitete die britische Premiere am Royal Opera House, Covent Garden, im März 2013; die Produktion wurde von der BBC mitgeschnitten und übertragen.

Als Dirigent tritt George Benjamin regelmäßig mit den besten Orchestern auf, darunter das Mahler Chamber Orchestra, das Philharmonia Orchestra, die London Sinfonietta und das Ensemble Modern. Eine enge Zusammenarbeit verbindet ihn außerdem mit dem Royal Concertgebouw Orchestra, das in Amsterdam unter seiner Leitung im vergangenen September die Uraufführung von »Dream of the Song« spielte. Benjamin hat zahlreiche Uraufführungen dirigiert, darunter wegweisende Werke von Rihm, Chin, Grisey und Ligeti. Sein Repertoire reicht von Schumann und Wagner bis zu Abrahamsen, Knussen und Murail. Seit seinem ersten Auftritt 1999 ist er regelmäßig beim »Tanglewood Festival« in den USA zu Gast. 2016 gibt George Benjamin Konzerte mit dem SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg und dem SWR Vokalensemble, gefolgt von einer Europatournee mit dem Mahler Chamber Orchestra, die mit mehreren Veranstaltungen am Barbican Centre in London endet.

George Benjamin ist Honorary Fellow des King’s College Cambridge, derGuildhall School of Music and Drama, des Royal College und der Royal Academy of Music. Er wurde 2010 als Commander of the Order of the British Empire ausgezeichnet und 2011 als Ehrenmitglied in die Royal Philharmonic Society aufgenommen. 2015 wurde er vom französischen Botschafter in London als Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres geehrt und für »Written on Skin« mit dem Kompositionspreis der Fondation Prince Pierre de Monaco ausgezeichnet. Seit 2001ist er Henry Purcell Professor of Composition am King‘s College in London. Seine Werke werden von Faber Music veröffentlicht und von Nimbus Records aufgenommen.

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Ersatztermin für den 6. Juni 2020



Nach ihrem umjubelten Auftritt beim »Klangvokal Musikfestival Dortmund« 2018 kehren Christina Pluhar und ihr Ensemble L’Arpeggiata mit einem neuen Barockmusik-Programm und Kompositionen von Johann Sebastian Bach, Heinrich Schütz u. a. ins Konzerthaus zurück.
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Ersatztermin für den 6. Juni 2020



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Als »ungeheuer dramatisch, kristallklar, extrem kontrolliert, lyrisch fein«, urteilte die »Süddeutsche Zeitung« über Valer Sabadusʼ Gesangskunst. Der ehemalige Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes, der erst vor kurzem seinen Exklusivvertrag bei Sony Classics unterzeichnet hat, gehört heute zu den vielversprechendsten Countertenören seiner Generation.

Valer Sabadus wurde 1986 in Arad (Rumänien) geboren und siedelte mit fünf Jahren nach Deutschland über. Seine erste musikalische Ausbildung erhielt er in den Fächern Geige und Klavier. Im Alter von 17 Jahren begann er seine Studien als Countertenor an der Hochschule für Musik und Theater München bei Prof. Gabriele Fuchs. Seit 2009 war er zudem Mitglied der Bayerischen Theaterakademie August Everding, wo er 2013 die Musiktheater-Meisterklasse mit Auszeichnung abschloss.

Als 23-Jähriger debütierte er 2009 bei den »Salzburger Pfingstfestspielen«: In Jommellis Oper »Demofoonte« gab er den Adrasto unter dem Dirigat von Riccardo Muti und war mit dieser Produktion ebenfalls beim »Ravenna Festival« und an der Opéra National de Paris zu erleben. Dafür wurde er vom internationalen Musikforum »Musical America« als »Künstler des Monats« ausgezeichnet. An der Staatsoper Berlin gab er im Oktober 2011 sein Debüt in »Last Desire«. Weitere Engagements führten ihn 2012 mit Hasses »Didone abbandonata« an die Opéra Royal de Versailles und die Semperoper Dresden, wo er in Martinis Intermezzo »La Dirindina« ebenfalls mit großem Erfolg debütiert hatte. Ende 2012 war er in Leonardo Vincis vielbeachteter Oper »Artaserse« in der Rolle der Semira zu hören. 2013 folgte seine umjubelte Titelrolle in Händels »Xerxes« an der Deutschen Oper am Rhein in Düsseldorf. Im Sommer 2013 gab Sabadus zudem beim »Festival International d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence« sein Debüt als Menelao in »Elena«. Eine DVD-Gesamteinspielung beim Label Outhere Music wird demnächst erscheinen.

Jüngst erschien seine erste Solo-CD bei Sony Classical – eingespielt von der Hofkapelle München unter der musikalischen Leitung von Alessandro de Marchi. Zudem stehen CD-Aufnahmen mit hauptsächlich unbekanntem Repertoire an, wie: Glucks Oper »La clemenza di Tito« (Sony Classical) und Leonardo Vincis »Catone in Utica« (Decca) – beides Welt-Ersteinspielungen – sowie eine Aufnahme von Bachs Johannes-Passion für Naïve.

Als Oratorien- und Konzertsänger hat sich Sabadus ebenfalls einen Namen gemacht. So konzertierte er etwa in der Alten Oper Frankfurt, beim »Utrecht Early Music Festival« und bei den »Schlossfestspielen Sanssouci«. Darüber hinaus gab er Soloabende in der Kölner Philharmonie, im Salle Gaveau (Paris) und bei Festivals wie »Winter in Schwetzingen« und dem »Mosel Musikfestival«.

Die CD-Aufnahmen »Baroque Oriental«, »Kaffee für den König«, »Café« und »Music for the One God« zeugen von der fruchtbaren Zusammenarbeit mit dem Pera Ensemble. Bei vielen Konzerten konnte das multikulturelle Ensemble, welches europäische Barockmusik mit traditionellen orientalischen Instrumenten verbindet, große Erfolge feiern. Die Diskografie von Sabadus reicht von frühbarocken Werken Monteverdis (»Baroque Oriental«, Berlin Classics), über italienische Sakralmusik (Pergolesis Stabat Mater, OehmsClassics) bis hin zur zeitgenössischen Musik Schneiders (»Im Namen der Rose«, Ambiente). Dafür wurde er mehrfach mit bedeutenden Schallplattenpreisen ausgezeichnet.

Gemeinsam mit dem Pera Ensemble wurde Sabadus für »Baroque Oriental« in der Kategorie »Klassik ohne Grenzen« mit dem »ECHO Klassik« 2012 geehrt. Außerdem erhielt die Ersteinspielung von Vincis »Artaserse« mehrere Auszeichnungen, u. a: den »ECHO Klassik« 2013 in der Kategorie »Beste Operneinspielung des 17. und 18. Jahrhunderts« sowie eine »Grammy«-Nominierung.

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Christina Pluhar ist eine der innovativsten Musikerinnen der Alte Musik Szene, die in ihren Projekten die Grenzen der Musikstile überschreitet und damit wie kaum ein anderer Künstler überzeugt. Für ihre unbändigen Musizierlust hat sie 2009, 2010 und 2011 den »ECHO Klassik« verliehen bekommen.

Ihr hochdekoriertes Ensemble l’Arpeggiata wurde im Jahre 2000 von Christina Pluhar gegründet und ist ausschließlich aus virtuosen und künstlerisch herausragenden Musikern zusammengesetzt. In Zusammenarbeit mit Solisten verschiedenster musikalischer Herkunft begeistert das Ensemble Publikum sowie Presse in der ganzen Welt durch unkonventionelle und mitreißende Aufführungen.

L’Arpeggiata hat sich ganz auf die Aufführung der Musik des 17. Jahrhunderts spezialisiert. Dabei treffen überschäumende Spielfreude, Lust am Improvisieren und Experimentierfreudigkeit auf das musikalische Handwerk der historischen Aufführungspraxis. Das Ensemble tritt regelmäßig bei bedeutenden Musikfestivals auf, darunter die »Ludwigsburger Schlossfestspiele«, »Schwetzinger Festspiele«, »Händel-Festspiele«, »Ruhrtriennale«, »Dresdner Musikfestspiele«, »Musikfest Bremen«, »Musikfestspiele Potsdam« und das »Hong Kong Arts Festival«. Tourneen haben das Ensemble durch Australien und die USA sowie in die Carnegie Hall New York geführt.

CD Einspielungen des Ensembles wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so beispielsweise mit dem »Cannes Classical Award«, dem »Diapason d’Or« und dem »ECHO Klassik«, den Christina Pluhar und L’Arpeggiata 2009 für das Album »Teatro d’amore«, 2010 für »Via Crucis« und 2011 für »Vespro della beata vergine« erhielten.

Ihre neue CD »Los Párajos Perdidos - The South American project« erschien im Januar 2012 bei EMI.

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Christina Pluhar wurde in Graz geboren. Nach ihrem Studium der Konzertgitarre entdeckte sie ihre Liebe zur Renaissance- und Barockmusik und begann ihr Lautenstudium bei Toyohiko Satoh am Königlichen Konservatorium in Den Haag. Dort erlangte sie 1989 das Solistendiplom für Laute, setzte aber ihre Ausbildung bei Hopkinson Smith an der Schola Cantorum Basiliensis fort und schloss diese 1992 mit dem Diplom für Alte Musik ab. Das Studium der Barockharfe bei Mara Galassi an der Scuolo Civica di Milano sowie der Besuch von zahlreichen Meisterkursen bei Paul O’dette, Jesper Christensen und Andrew-Lawrence King prägten ebenso ihren musikalischen Werdegang.

Sie lebt seit 1992 als freischaffende Musikerin in Paris und hat als Solistin und gefragte Continuistin mit verschiedenen Kammermusikensembles und Barockorchestern wie La Fenice, Hespèrion XXI, Il Giardino Armonico, Accordone, Ricercar Consort, Concerto Soave, Elyma, Les Musiciens du Louvre, Akademia, La Grande Écurie et la Chambre du Roi und Concerto Köln zusammen gearbeitet. Unter der Leitung von u. a. René Jacobs, Ivor Bolton, Alessandro di Marchi, Gabriel Garrido sowie als Begleiterin von Andreas Scholl, Marco Beasley und Dominique Visse war sie bei vielen europäischen Festivals zu hören. Als Assistentin von Ivor Bolton wirkte sie an der Münchner Staatsoper.

2000 gründete sie ihr eigenes Ensemble L’Arpeggiata, mit dem sie bei allen bedeutenden Festivals in Europa und Südamerika auftritt und bei dem französischen Label Alpha aufnimmt. Die CDs »La Villanella«, »Homo fugit velut umbra«, »La Tarantella«, »All’Improvviso«, »Rappresentatione di Anima et di Corpo«, »Teatro d’amore«, »Via crucis« sowie »Marienvesper«  wurden mit den Schallplattenpreisen »10 de Répertoire«, »Diapason d’Or«, »CD der Woche« (BBC), »CD des Monats« (Amadeus, Italien), »Prix Excellentia« (Pizzicato, Luxemburg), »Cannes Classical Awards« (2004), »Edison Preis« Holland (2009/2011), und dem »ECHO Klassik« (2009/2010/2011) ausgezeichnet.

Seit 1999 unterrichtet sie eine Klasse für Barockharfe am Königlichen Konservatorium in Den Haag.

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Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Rhythmus in Dosen - Das Jubiläumsprogramm!

»Rhythmus in Dosen« heißt das nach einem Foxtrott aus dem Jahr 1942 benannte virologische Spezialprogramm, das Ulrich Tukur und die Rhythmus Boys ihrem Publikum vorstellen. In eleganten Anzügen und wohl dosierter Lautstärke, mit spritzigem Rhythmus und in vollkommener Harmonie präsentieren sich dabei wieder einmal der schöne Ulrich Tukur am Schachtelklavier, der klapperdürre Günter Märtens am Büchsenbass, der klebrige Ulrich Mayer an der Blechklampfe, sowie der winzige Karl-Friedrich Mews an den Raviolidosen. [short_introduction] => Rhythmus in Dosen - Das Jubiläumsprogramm! [search_tags] => , Ulrich Tukur , Ulrich Mayer , Günter Märtens , Kalle Mews , Jazz , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Rhythmus in Dosen - Das Jubiläumsprogramm!

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The Vienna – Berlin Music Club

Leidenschaft ist der Grund, warum diese Musiker die Philharmonix gegründet haben: Sie spielen von Mozart bis Falco alles, worauf sie schon immer Lust hatten. In brillanten Neufassungen bearbeiten sie Klassik, Jazz und Latin, jüdische Volksmusik, Hollywood-Melodien und Pop. Ihr Markenzeichen: brillante Arrangements, unvergleichliche Virtuosität und vor allem ungebremste Lust am gemeinsamen Musizieren, die in Sekundenschnelle auf den Zuhörer überspringt. Rock me, Amadeus! [short_introduction] => [search_tags] => , Noah Bendix-Balgley , Sebastian Gürtler , Thilo Fechner , Stephan Koncz , Ödön Rácz , Kammerkonzert , Daniel Ottensamer , Christoph Traxler , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

The Vienna – Berlin Music Club

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Seit seiner Gründung im Jahr 1960 durch Jörg Faerber hat sich das Württembergische Kammerorchester Heilbronn zu einem der gefragtesten Kammerorchester weltweit entwickelt. Neben seiner künstlerischen Vielseitigkeit besticht das Kammerorchester durch eine emotionale und sinnliche Klangkultur und durch das gelebte Ideal kammermusikalischen Musizierens. Im September 2002 übernahm Ruben Gazarian die Position des Chefdirigenten und Künstlerischen Leiters.

In Heilbronn bildet das Württembergische Kammerorchester das Rückgrat des kulturellen Lebens, ist aber auch in den deutschen Musikmetropolen sowie im Ausland regelmäßig zu hören. Gastspiel-Höhepunkte der letzten Jahre waren die Royal Albert Hall in London, das Concertgebouw Amsterdam und das Théâtre des Champs-Élysées in Paris, Tourneen durch Korea, Kambodscha und China, das Gastspiel im Tschaikowsky-Konservatorium Moskau sowie das Konzert mit Frank Peter Zimmermann in Istanbul. Im Laufe von fünf Jahrzehnten hat das WKO nicht nur mit vielen namhaften Künstlern zusammengearbeitet, sondern stets auch junge Nachwuchstalente gefördert. Namhafte Solisten wie u. a. Martha Argerich, Maurice André, Alfred Brendel, Rudolf Buchbinder, Gautier Capuçon, Giora Feidman, Hilary Hahn, Sharon Kam, Gidon Kremer, Katia & Marielle Labèque, Mischa Maisky, Sabine Meyer, Viktoria Mullova, Anne-Sophie Mutter, Christiane Oelze, Ivo Pogorelich, Thomas Quasthoff, Frank Peter Zimmermann und Tabea Zimmermann haben mit dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn gemeinsam musiziert.

Die Diskografie des Württembergischen Kammerorchesters Heilbronn umfasst weit über 500 Werke. Zuletzt erschienen eine CD mit Wagners »Siegfried-Idyll« und Bruckners Streichquintett, eine Live-Aufnahme vom »Schubert-Festival« 2012, eine CD mit Werken des Karlsruher Barock-Komponisten Johann Melchior Molter, eine Einspielung von Opernarien-Arrangements mit der Klarinettistin Sharon Kam sowie die CD »Armenian Classic« mit Werken armenischer Komponisten.

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Ausgezeichnet beim »Internationalen Jean-Sibelius-Violinwettbewerb« 2015 für die beste Interpretation des Violinkonzerts von Jean Sibelius sowie als Gewinner des Zweiten Preises zog Emmanuel Tjeknavorian internationale Aufmerksamkeit auf sich. Die vergangene Spielzeit führte ihn als »Rising Star« der European Concert Hall Organisation in die renommiertesten Konzertsäle Europas. Daneben standen zahlreiche wichtige Debüts, u. a. als Solist der Orpheum Stiftung Zürich mit dem Tonhalle-Orchester Zürich und das Deutschlandradio-Debüt mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin in der Berliner Philharmonie. Zur erneuten Begegnung kam es mit den Wiener Symphonikern, dem hr-Sinfonieorchester und dem Bruckner-Orchester Linz.

Zu den Höhepunkten der aktuellen Saison gehören Debüts mit den weltweit führenden Klangkörpern wie dem Gewandhausorchester Leipzig, Mahler Chamber Orchestra, Orchestra Filarmonica della Scala und dem London Symphony Orchestra. Dabei musiziert er mit Dirigenten wie Semyon Bychkov, Riccardo Chailly und Yuri Temirkanov. Emmanuel Tjeknavorian ist regelmäßiger Gast bei namhaften Festivals und spielt zahlreiche Konzerte in kammermusikalischer Besetzung. So gewann er im Sommer 2018 den »LOTTO-Förderpreis« des »Rheingau Musik Festivals« und gemeinsam mit seinem Klavierpartner Maximilian Kromer den »NORDMETALL-Ensemblepreis« der »Festspiele Mecklenburg-Vorpommern«. In dieser Saison kommt es darüber hinaus zu Auftritten bei der »Mozartwoche Salzburg« auf Mozarts eigener »Costa-Geige« und bei der Sommernachtsgala des »Grafenegg Festivals«. Als »Junger Wilder« in Dortmund und »Great Talent« in Wien wird er an beiden Konzerthäusern für mehrere Spielzeiten in unterschiedlichen Formationen zu hören sein.

Im Dezember 2017 veröffentlichte Emmanuel Tjeknavorian sein Debütalbum »SOLO« bei Sony Classical, das im Oktober 2018 den neu gegründeten »Opus Klassik« erhielt. Seit September 2017 moderiert er monatlich seine eigene Radio-Show »Der Klassik-Tjek« auf Radio Klassik Stephansdom. Zahlreiche Sender berichteten über den jungen Wiener, so war er bereits in »Titel, Thesen, Temperamente« und der »Tagesschau« (ARD), »Capriccio« (BR), »Kulturzeit« (3sat), im ORF2 und in »Stars von morgen« mit Rolando Villazón (ARTE) zu sehen.

Emmanuel Tjeknavorian wurde 1995 in Wien als Sohn einer Pianistin und eines Dirigenten geboren, erhielt ab dem Alter von fünf Jahren Geigenunterricht und trat als Siebenjähriger das erste Mal öffentlich mit Orchester auf. Seit 2011 studiert er bei Gerhard Schulz, ehemals Mitglied des weltberühmten Alban Berg Quartetts, an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien.

Emmanuel Tjeknavorian spielt auf einer Violine von Antonio Stradivari, Cremona 1698, die ihm freundlicherweise von einem Gönner der Beare’s International Violin Society aus London zur Verfügung gestellt wurde.

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Andreas Brantelid wurde 1987 als Sohn schwedisch/dänischer Eltern geboren. Er spielte schon in sehr jungen Jahren Cello und hatte zunächst bei seinem Vater Unterricht. Sein Konzertdebüt mit dem Royal Danish Orchestra und Elgars Cellokonzert in Kopenhagen gab er im Alter von 14 Jahren. Seitdem ist Brantelid als Solist mit allen großen skandinavischen Orchestern aufgetreten. Diese Saison gibt er sein Debüt beim London Philharmonic Orchestra und dem MDR Sinfonieorchester, außerdem kehrt er zum BBC National Orchestra of Wales zurück. Darüber hinaus debütiert er auch in Japan mit einem Solorecital sowie Konzerten mit dem Yomiuri Nippon Symphony Orchestra.

In der vergangenen Saison gab er sein Debüt bei den Seattle, Milwaukee und Bournemouth Symphony Orchestras und trat im Wiener Konzerthaus mit dem Danish National Chamber Orchestra auf. Letzte Konzertverpflichtungen umfassten außerdem Auftritte mit dem Mahler Chamber Orchestra, Tonhalle-Orchester Zürich, den Wiener und den Hamburger Symphonikern, dem Brussels Philharmonic, BBC Symphony Orchestra, City of Birmingham Symphony Orchestra, Münchener Kammerorchester und dem Scottish Chamber Orchestra. Dabei hat er mit so renommierten Dirigenten wie Thomas Dausgaard, Philippe Herreweghe, Andrew Manze, Andris Nelsons, Jonathan Nott, Sakari Oramo, Jukka-Pekka Saraste und Robin Ticciati gearbeitet.

Mit Kammermusik tritt Brantelid in dieser Spielzeit in Seoul, Berlin, Paris und Dresden auf. Zuvor spielte er in New York (Carnegie und Alice Tully Hall), London (Wigmore Hall), Chicago, Zürich, Vancouver, Barcelona und Salzburg. In der Saison 2008/09 war er »Rising Star« der European Concert Hall Organisation mit Auftritten im Concertgebouw Amsterdam, Musikverein Wien, Palais des Beaux-Arts in Brüssel, in der Kölner Philharmonie und im Konzerthaus in Stockholm. Weil er die Zusammenarbeit und das Zusammentreffen mit vielen Musikern sehr schätzt, spielt er regelmäßig bei Festivals in Wien, Schleswig-Holstein, Bergen, Verbier, Lockenhaus, Kuhmo und London.

Seine erste Konzert-CD mit Cello-Konzerten von Tschaikowsky, Schumann und Saint-Saëns mit dem Danish National Symphony Orchestra erschien 2008 bei EMI. 2010 folgte eine Kammermusik-Aufnahme mit Werken von Chopin und 2012 eine Encore-CD. Seine Aufnahme der gesamten Werke für Cello und Klavier von Grieg wird 2015 erscheinen.

Andreas Brantelid gewann den Ersten Preis bei der »Eurovision Young Musicians Competition« 2006 und der »International Paulo Cello Competition« 2007. 2008 gewann er ein Stipendium des Borletti-Buitoni Trusts. Er ist Mitglied der Lincoln Center Chamber Music Society in New York und des Programms »New Generation Artists« der BBC. Er studierte bei Mats Rondin, Torleif Thedéen und Frans Helmersson.

Brantelid spielt das Stradivari-Cello »Boni Hegar« aus dem Jahr 1707, das ihm der norwegische Kunstsammler Christen Sveaas freundlicherweise zur Verfügung stellt.

 

 

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Das SWR Symphonieorchester ist hervorgegangen aus der Zusammenführung des Radio-Sinfonieorchesters Stuttgart des SWR und des SWR Sinfonieorchesters Baden-Baden und Freiburg im September 2016. Seit der Gründung 1945/46 formten profilierte Chefdirigenten die SWR-Orchester: In Baden-Baden/Freiburg waren es Hans Rosbaud, Ernest Bour, Michael Gielen, Sylvain Cambreling und François-Xavier Roth, in Stuttgart Hans Müller-Kray, Sergiu Celibidache, Sir Neville Marriner, Gianluigi Gelmetti, Georges Prêtre, Sir Roger Norrington und Stéphane Denève. Zu Beginn der Saison 2018/19 trat Teodor Currentzis sein Amt als Chefdirigent des SWR Symphonieorchesters an. Mit Currentzis steht damit einer der international gefragtesten Dirigenten an der Spitze des Orchesters.

Zum Profil des SWR Symphonieorchesters gehören neben der Neuen Musik die sinfonische Orchesterliteratur vorangegangener Epochen, Interpretationsansätze aus der historisch informierten Aufführungspraxis und Musikvermittlung an alle Altersstufen.

Dirigenten von Weltrang wie Christoph Eschenbach, Herbert Blomstedt, David Zinman, Peter Eötvös, Sir Roger Norrington, Ingo Metzmacher, Kent Nagano, Eliahu Inbal, Michael Sanderling, Jakub Hrůša und Omer Meir Wellber sind beim SWR Symphonieorchester zu Gast. Unter den hochkarätigen Solisten finden sich u. a. als Artists in Residence Nicolas Altstaedt, Antoine Tamestit, Gil Shaham und Tzimon Barto sowie viele weitere Gastsolisten, darunter Hilary Hahn, Fazıl Say, Julia Fischer, Mischa Maisky, Patricia Kopatchinskaja, Martin Grubinger, Renaud Capuçon und Janine Jansen.

Neben zahlreichen Auftritten in den SWR-eigenen Konzertreihen in Stuttgart, Freiburg und Mannheim ist das SWR Symphonieorchester bei den »Donaueschinger Musiktagen« und den »Schwetzinger SWR Festspielen« präsent. Einladungen führten bzw. führen das SWR Symphonieorchester u. a. nach Wien, London, Salzburg, München, Edinburgh, Dortmund, Warschau, Essen, Basel, Frankfurt und Tallinn, wiederholt in die Elbphilharmonie Hamburg, zum »Rheingau Musik Festival«, »Heidelberger Frühling«, »Festival Acht Brücken« in Köln und »Musikfest Berlin«, auf Spanien- und China-Tourneen, zu den »Salzburger Festspielen« und den »Pfingstfestspielen« im Festspielhaus Baden-Baden.

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Als früherer Künstlerischer Leiter der Oper Perm hat Teodor Currentzis wichtige neue Werke in Auftrag gegeben, darunter Phillipe Hersants »Tristia« (2016), Dmitri Kourliandskis Oper »Nosferatu« (2014), Alexei Syumaks Oper »Cantos« (2016) sowie ein Violinkonzert von Sergey Nevsky (2015).2006 gründete Currentzis das »Territoria Modern Art Festival«, mit dem er sein Wissen und seine Leidenschaft für Alte Musik mit der Musik zeitgenössischer Komponisten verknüpft. Seit 2012 kuratiert er das »Diaghilev Festival« in Russland.

Teodor Currentzis ist Exklusivkünstler bei Sony Classical. Bisher erschienen Mozarts Da-Ponte-Trilogie, Strawinskys »Les Noces«, Tschaikowskys Violinkonzert mit Patricia Kopatchinskaja und Mahlers Sinfonie Nr. 6.Vorherige CD-Veröffentlichungen umfassen die Sinfonie Nr. 14 von Schostakowitsch, Mozarts Requiem, Purcells »Dido and Aeneas« (Alpha) sowie die mit Alexander Melnikow und dem Mahler Chamber Orchestra aufgenommenen Klavierkonzerte von Schostakowitsch (Harmonia Mundi).

2017 wurde die DVD/Blu-ray-Produktion von Purcells »The Indian Queen« in Zusammenarbeit mit dem Regisseur Peter Sellars mit einem »ECHO Klassik« geehrt. Diese Auszeichnung ging zuvor bereits an die Aufnahme von Strawinskys »Le sacre du printemps«. 2015 war Teodor Currentzis gemeinsam mit seinem Bruder Vangelino Currentzis für die Aufnahme und Komposition des Soundtracks zur Eröffnung der Europaspiele 2015 in Baku für einen »Emmy Award« in der Kategorie »Outstanding Music Direction and Composition« nominiert.Er erhielt 2008 den »Orden der Freundschaft« der Russischen Föderation und 2016 den europäischen Kulturpreis »Kairos« der Alfred Toepfer Stiftung. Im selben Jahr wurde er von der Zeitschrift »Opernwelt« für die Leitung von »Macbeth« an der Oper Zürich zum »Dirigenten des Jahres« gekürt. Teodor Currentzis wurde bereits sieben Mal der renommierte russische Theaterpreis »Goldene Maske« verliehen. Zuletzt erhielt er 2017 die Auszeichnung »Bester Operndirigent« für »La traviata« in der Regie von Robert Wilson an der Oper Perm.

Für den gebürtigen Griechen wurde Russland seit den 1990er-Jahren, als er dort sein Dirigierstudium begann, immer mehr zur Heimat. Sein Studium am St. Petersburger Konservatorium absolvierte Currentzis bei Professor Ilya Musin, unter dessen Schülern so große Dirigenten waren wie Odysseas Dimitriadis, Valery Gergiev und Semyon Bychkov.

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Pläne für 2014/15 umfassen Debüts mit dem Tampere Philharmonic Orchestra und dem Bournemouth Symphony Orchestra unter Kirill Karabits, sowie dem Royal Stockholm Philharmonic Orchestra unter Manfred Honeck. In Japan wird sie zum NHK Symphony Orchestra zurückkehren, ihr Debut mit dem Osaka Philharmonic Orchestra geben und mit dem Orchestre National du Capitôle de Toulouse auf Tournee gehen.

Zu den Höhepunkten der Saison 2012/13 gehörten erfolgreiche Debüts mit dem Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia und dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin unter Marek Janowski, mit dem sie in der Saison 2014/15 erneut arbeiten wird. Neben einer USA-Tournee mit den Warschauer Philharmonikern unter Antoni Wit hat sie Klavierabende innerhalb der International Piano Series in London und dem Rheingau Musik Festival gegeben und ist im Palau de la Música Catalana in Barcelona, Sociedad Filarmónica de Bilbao, im Salle Molière in Lyon und bei den »Schwetzinger Festspielen« aufgetreten.

Yulianna Avdeevas Repertoire reicht von Bach bis Beethoven, von Schubert über Chopin bis ins 20. Jahrhundert. Ihre besondere Neugier gilt der Auseinandersetzung mit historischen Instrumenten. Nach Konzerten mit dem Orchestra of the Age of Enlightenment im Sommer 2011, gastierte sie im August 2012 in Warschau beim Festival »Chopin and his Europe« mit dem Orchestra of the Eighteenth Century unter Frans Brüggen, mit dem sie beide Chopin-Klavierkonzerte auf einem historischen Erard-Flügel spielte. Im Frühjahr 2013 hat sie diesem Orchester eine erfolgreiche Japan-Tournee unternommen.

Neben ihrer solistischen Arbeit ist Yulianna Avdeeva begeisterte Kammermusikerin und arbeitete mit dem Philharmonia-Quartett der Berliner Philharmoniker, sowie mit der Violinistin Julia Fischer, mit der sie im Herbst 2014 erneut auf Tournee gehen wird.

Im Alter von fünf Jahren begann Yulianna Avdeeva ihr Klavierstudium an der nach Gnessin benannten Hochbegabten-Musikschule in Moskau bei Elena Ivanova. 2003 wechselte sie an die Zürcher Hochschule der Künste, um bei Konstantin Scherbakov zu studieren. 2008 schloss sie beide Studien mit Bestnoten ab und wurde im gleichen Jahr in die renommierte International Piano Academy Lake Comoaufgenommen, wo sie wertvolle musikalische Impulse von namhaften Pianisten wie Dmitri Bashkirov, William Grant Naboré oder Fou Ts’ong erhalten hat. Bereits vor ihrem Warschauer Erfolg war Yulianna Avdeeva Preisträgerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe, darunter 2003 der »Bremer Klavierwettbewerb« sowie der »Concours de Genève«2006, sowie 2002 beim Wettbewerb »Arthur Rubinstein in Memoriam« in Polen.

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

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Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Seine erste musikalische Ausbildung erhielt Michael Nagy bei den Stuttgarter Hymnus-Chorknaben. In Mannheim studierte er Gesang bei Rudolf Piernay und Dirigieren bei Klaus Arp, außerdem Liedgestaltung bei Irwin Gage in Saarbrücken. Seine Ausbildung rundete er in Meisterkursen bei Charles Spencer, Rudolf Piernay und Cornelius Reid ab. 2004 gewann er den »Internationalen Wettbewerb für Liedkunst« der Hugo-Wolf-Akademie Stuttgart und startete so seine internationale Karriere.

Der Bariton mit ungarischen Wurzeln war zunächst Ensemblemitglied der Komischen Oper Berlin und wechselte dann an die Oper Frankfurt, wo er sich als Papageno (»Die Zauberflöte«), Guglielmo (»Così fan tutte«), Conte di Almaviva (»Le nozze di Figaro«), Hans Scholl (»Weiße Rose«), Wolfram von Eschenbach (»Tannhäuser«), Valentin (»Faust«), Fürst Jeletzki (»Pique Dame«), Marcello (»La bohème«), Albert (»Werther«), Frank/Fritz (»Die tote Stadt«), Dr. Falke (»Die Fledermaus«), Jason (»Medea«) und mit der Titelrolle in »Owen Wingrave« wichtige Partien seines Repertoires erarbeiten konnte. Wolfram von Eschenbach sang er zwischen 2011 und 2013 bei den »Bayreuther Festspielen«. Daneben führten ihn Gastengagements u. a. an das Opernhaus Oslo, die Deutsche Oper Berlin, die Bayerische Staatsoper, das Opernhaus Zürich und das Theater an der Wien. Unter dem Dirigat von Sir Simon Rattle gab er bei den »Pfingstfestspielen Baden-Baden« 2013 den Papageno mit den Berliner Philharmonikern. Sein Debüt als Eugen Onegin führte ihn im Herbst 2014 ans Grand Théatre de Genève, eine Partie, die er anschließend auch an der Bayerischen Staatsoper sang. Einen herausragenden Erfolg feierte er in München als Stolzius in Zimmermanns »Die Soldaten« in der von der Kritikerumfrage der »Opernwelt« als »Aufführung des Jahres 2014« gekürten Inszenierung von Andreas Kriegenburg unter der Leitung von Kirill Petrenko. Die letzen Jahre brachten vier Rollendebüts und eine Uraufführung: Hans Heiling in Heinrich Marschners gleichnamiger Oper am Theater an der Wien, Kurwenal (»Tristan und Isolde«) bei den »Osterfestspielen Baden-Baden« 2016 in einer Neuinszenierung von Mariusz Treliński unter der Leitung von Sir Simon Rattle, die Titelpartie in Luigi Dallapiccolas »Il prigioniero« unter Thomas Hengelbrock sowie die Titelpartie in der Uraufführung von »Edward II« des Komponisten Andrea Lorenzo Scartazzini an der Deutschen Oper Berlin unter Thomas Søndergård. Auf der Opernbühne kann man ihn in dieser Saison u. a. in Franz Schrekers »Die Gezeichneten« als Graf Tamare an der Komischen Oper Berlin und als Conte di Almaviva an der Oper Köln erleben.

Weltweit ist Michael Nagy für die Konzert- und Oratorienpartien seines Fachs gefragt. Engagements führten ihn zu den Münchner und Berliner Philharmonikern, zum Konzerthausorchester Berlin, Gewandhausorchester Leipzig, New Japan Philharmonic, NHK Symphony Orchestra, Sydney und Chicago Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Orchestre de Paris sowie zum »Schleswig-Holstein Musik Festival« und den »Salzburger Festspielen«. In der aktuellen Spielzeit ist er u. a. mit Brahms’ Requiem auf der Geburtstagstournee zu Ehren Herbert Blomstedts mit dem Gewandhausorchester Leipzig, mit »Miriways« und der Akademie für Alte Musik Berlin unter der Leitung von Bernard Labadie, mit Fabio Nieders Bearbeitungen von Schubert-Liedern und dem Münchener Kammerorchester, mit Gottfried von Einems »An die Nachgeborenen« und dem ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter Markus Poschner, mit Zimmermanns Ekklesiastischer Aktion und dem SWR Symphonieorchester unter Ingo Metzmacher sowie auf Tournee mit dem Freiburger Barockorchester und Pergolesis »La serva padrona« zu hören. Zu seinen weiteren musikalischen Partnern zählen unter anderem Ádám Fischer, Paavo Järvi, Alan Gilbert, Christoph Eschenbach, Daniel Harding, Christoph von Dohnányi, Philippe Herreweghe, Manfred Honeck und Daniele Gatti.

Besondere Aufmerksamkeit widmet Michael Nagy dem Lied; neben Abenden mit Wolfs »Italienischem Liederbuch« gemeinsam mit Christiane Karg und Gerold Huber in Bonn, Elmau, Graz und Berlin wird er mit Gerold Huber in Köln und Dortmund mit außergewöhnlichen russisch-deutschen Programmen, sowie in Winterthur in kammermusikalischer Besetzung zu hören sein.

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Der Namensgeber des Chors und Orchesters war nicht nur ein epochaler Barockarchitekt. Balthasar Neumann (1687 – 1753) steht für mutige Kreativität und ganzheitliche Konzepte. Als Baumeister war er ein Pionier, der erstmals Baukunst, Malerei, Skulpturen und Gärten zusammenspielen ließ. Seine Ideale formen die Grundpfeiler im Schaffen der beiden Balthasar-Neumann-Ensembles und ihres Künstlerischen Leiters Thomas Hengelbrock; gemeinsam streben Dirigent, Chor und Orchester nach einem engen Zusammenspiel der Künste. Um diese Ideale weiter verfolgen zu können, begleitet Evonik Industries die Forschung der Balthasar-Neumann-Ensembles: Musikwissenschaftliche Recherchen werden ermöglicht und Quellenerkundungen unterstützt. Die Ergebnisse sind immer wieder in zeit- und genreübergreifenden Programmen zu erleben. Je nach Anlass und Konzertraum werden sie eigens entwickelt. Angereichert mit einer gehörigen Portion Leidenschaft für Musik und Menschen trifft hier neu belebte Tradition auf virtuose Spielfreude.

Zu »einem der besten Chöre der Welt« adelte das »Gramophone«-Magazin den Balthasar-Neumann-Chor bereits im Jahr 2011. Diesen Titel bekräftigt die in- und ausländische Presse regelmäßig. Nicht nur höchste musikalische Qualität, sondern vor allem künstlerische Vielseitigkeit hebt ihn aus der Reihe internationaler Vokalensembles heraus. Jeder Sänger ist in der Lage, als Solist aus dem Chor hervorzutreten und ebenso als Teil des Gesamtklangs in der Gruppe aufzugehen. Dies ermöglicht einzigartige Flexibilität in Besetzung und Repertoire.

1991 von Thomas Hengelbrock gegründet, gastiert der Chor heute in den großen europäischen Konzertsälen und bei Festivals. Tourneen führten die Sänger nach China, Mexiko und in die USA. Im Mittelpunkt der Beschäftigung steht neben romantischen und zeitgenössischen Werken die Musik des 17. und 18. Jahrhunderts. Die dramaturgisch ausgefeilten Konzertprogramme des Chores vereinen selten Gehörtes wie Werke von Lotti, Caldara und Zelenka mit Repertoirewerken. Auch mit genreverbindenden und innovativen musikalisch-literarischen Produktionen hat sich der Chor einen Namen gemacht.

Neben der Zusammenarbeit mit seinem Künstlerischen Leiter und dem Balthasar-Neumann-Ensemble ist der Chor auch bei Dirigenten wie Marcus Creed, András Schiff, René Jacobs und Christoph Prégardien gefragt. Regelmäßig arbeitet der Chor mit Pablo Heras-Casado und Ivor Bolton zusammen.

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Der Namensgeber der Balthasar-Neumann-Ensembles war nicht nur ein epochaler Barockarchitekt. Balthasar Neumann (1687 – 1753) steht für mutige Kreativität und ganzheitliche Konzepte. Als Baumeister war er ein Pionier, der erstmals Baukunst, Malerei, Skulpturen und Gärten zusammenspielen ließ. Seine Ideale formen die Grundpfeiler im Schaffen der beiden Ensembles und ihres künstlerischen Leiters Thomas Hengelbrock; gemeinsam streben Dirigent, Chor und Orchester nach einem engen Zusammenspiel der Künste. Um diese Ideale weiter verfolgen zu können, begleitet Evonik Industries die Forschung der Balthasar-Neumann-Ensembles: Musikwissenschaftliche Recherchen werden ermöglicht und Quellenerkundungen unterstützt. Die Ergebnisse sind immer wieder in zeit- und genreübergreifenden Programmen zu erleben. Je nach Anlass und Konzertraum werden sie eigens entwickelt. Angereichert mit einer gehörigen Portion Leidenschaft für Musik und Menschen trifft hier neu belebte Tradition auf virtuose Spielfreude.

Das Balthasar-Neumann-Ensemble, 1995 von Thomas Hengelbrock gegründet, eröffnet als eines der weltweit führenden Originalklangorchester immer wieder neue Sichtweisen auf die Musik unterschiedlicher Epochen, vom Frühbarock bis zur Moderne. Sein Repertoire umfasst Bekanntes, fördert aber auch beinahe Vergessenes zu Tage und bringt ganz Neues zu Gehör. Mit großer Leidenschaft verbindet Thomas Hengelbrock dabei die Musik auch mit anderen Kunstformen wie Tanz oder Literatur.

Das Balthasar-Neumann-Ensemble gastiert in den renommiertesten Konzerthäusern Europas, wie dem KONZERTHAUS DORTMUND, dem Théâtre des Champs-Élysées in Paris und dem Palau de la Música Catalana in Barcelona. Es wirkt an Opernproduktionen in Baden-Baden, Paris, Aix-en-Provence und Madrid mit und ist beim »Schleswig-Holstein Musik Festival« ebenso zu erleben wie bei den »Salzburger Festspielen«. Häufig arbeitet es mit Gastdirigenten wie Teodor Currentzis und Pablo Heras-Casado zusammen. Unter den CD-Aufnahmen der Balthasar-Neumann-Ensembles werden mehrere international als Referenzaufnahmen gefeiert, darunter Mendelssohns Oratorium »Elias«. Zu ihren jüngeren DVD-Erscheinungen gehören Händels »Agrippina« in der Inszenierung von Robert Carsen und Verdis »La traviata« mit Rolando Villazón als Regisseur.

Das Balthasar-Neumann-Ensemble ist europaweit im Rahmen von künstlerischen Residenzen präsent, aktuell u. a. in Hamburg, Bologna, im Festspielhaus Baden-Baden und beim »Festival d’Aix-en-Provence«. Neben einem »Gramophone Award« sind die Balthasar-Neumann-Ensembles Träger mehrerer »ECHO Klassik«-Preise und des »Kulturpreises Baden-Württemberg«.

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Thomas Hengelbrock zählt zu den vielseitigsten und interessantesten Künstlern seiner Generation. Seine Arbeit ist epochen- und spartenübergreifend und stets das Ergebnis einer detaillierten Auseinandersetzung mit dem musikalischen Text sowie dem Sinn und Gehalt der Werke. Als begeisterter und begeisternder Musikentdecker widmet sich Thomas Hengelbrock einem Repertoire, das von der Alten Musik bis zu zeitgenössischen Werken reicht und alle Genres umfasst. Er bringt fast vergessene Kompositionen an die Öffentlichkeit oder ermöglicht durch seine Projekte die Neubewertung des Standardrepertoires. Legendär sind seine epochenübergreifenden Konzertprogramme, die oft verblüffende musikalische Verwandtschaften aufdecken und bestimmte Themen umkreisen.

Im Rahmen von Assistenztätigkeiten kam Thomas Hengelbrock bereits früh mit bedeutenden Persönlichkeiten der zeitgenössischen Musik wie Witold Lutosławski, Mauricio Kagel und Antal Doráti in Kontakt. Noch heute bildet die Musik der unmittelbaren Gegenwart einen wichtigen Teil seines Wirkens. Wie der Namensgeber seiner Ensembles, der große Barockarchitekt Balthasar Neumann, so strebt auch Thomas Hengelbrock stets nach einem Zusammenspiel der Künste: Musikalisch-literarisch-theatralische Projekte mit Schauspielern wie Klaus Maria Brandauer, Johanna Wokalek und Graham Valentine bilden einen weiteren Schwerpunkt seiner künstlerischen Arbeit.

Als Operndirigent ist Thomas Hengelbrock an Häusern wie der Opéra National de Paris, dem Teatro Real in Madrid und der Berliner Staatsoper sowie bei den Festivals in Baden-Baden, Aix-en-Provence und Salzburg zu erleben. Auch für Klangkörper wie das Royal Concertgebouw Orchestra, die Wiener Philharmoniker, die Münchner Philharmoniker und andere ist er ein gefragter Partner.

Thomas Hengelbrock ist ein enthusiastischer Musikvermittler: Für sein Engagement wurde ihm 2016 der »Herbert von Karajan Musikpreis« verliehen. 

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Die Academy of St Martin in the Fields gehört zu den bedeutendsten Kammerorchestern der Welt und ist berühmt für ihre frischen, brillanten Interpretationen der größten klassischen Werke. Die Academy wurde 1958 von Sir Neville Marriner aus einer Gruppe führender Londoner Musiker gebildet und gab im November 1959 ihr erstes Konzert in der Kirche, deren Namen sie trägt. Dank ihrer unvergleichlichen Live-Darbietungen und der umfangreichen Diskografie – darunter Höhepunkte wie Vivaldis »Vier Jahreszeiten«, der Bestseller von 1969, und die Filmmusik zum Oscargewinner »Amadeus« – genießt die Academy seit langem einen beneidenswerten internationalen Ruf für ihren unverwechselbaren, eleganten und präzisen Klang. Mit ihrer über 500 Veröffentlichungen umfassenden Diskografie und den zahlreichen internationalen Tourneen wurde die Academy zu einem beliebten Markenzeichen für Klassikliebhaber in aller Welt.

Heute wird die Academy von ihrem Music Director, dem Violinvirtuosen Joshua Bell, geleitet. Er pflegt weiterhin den kollegialen Geist und die Flexibilität des ursprünglich kleinen, dirigentenlosen Ensembles, die zu Markenzeichen der Academy wurden. Unter der Leitung von Joshua Bell und mit Unterstützung von Director/Konzertmeister Tomo Keller und des Ersten Gastdirigenten Murray Perahia sprengt die Academy weiter die Grenzen von »Play-direct«-Konzerten und bietet neue Höhepunkte, indem sie sinfonisches Repertoire und Kammermusik im großen Rahmen bedeutender Konzertsäle von New York bis Peking präsentiert.

Neben 80 Auftritten in 16 Ländern wird die Academy auch in der Saison 2017/18 Menschen jeden Alters und Hintergrunds durch ihre Lern- und Teilnahmeprogramme erreichen. Das Vorzeigeprojekt für junge Menschen bietet Workshops für Grund- und weiterführende Schulen. Partnerschaften mit der Southbank Sinfonia, Guildhall School of Music and Drama und dem Royal Northern College of Music sowie Tourneen mit Meisterklassen fördern die Berufsmusiker von morgen. In einem Londoner Obdachlosenzentrum bietet die Academy besonders schutzbedürftigen Menschen kreative Ausdrucksmöglichkeiten. Ein regelmäßiges Programm mit Konzerteinführungen und Podcasts gibt dem Publikum in aller Welt Gelegenheit, sich mit dem Orchester zu vernetzen und von ihm zu lernen.

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Der erst 22 Jahre alte Jan Lisiecki gilt bereits als einer der großen  Pianisten unserer Zeit und erntet große Anerkennung für seine außergewöhnliche künstlerische Reife, seinen unverwechselbaren Klang und seine poetische Empfindsamkeit. Die »New York Times« nannte ihn »einen Pianisten, der jeder Note Bedeutung verleiht«. Lisieckis einfühlsame Interpretationen, seine brillante Technik und sein natürlicher Bezug zu Kunst verleihen ihm eine musikalische Stimme, die seinem Alter weit voraus ist.

Die Entwicklung des jungen Pianisten wurde begleitet von vielen weltweit führenden Orchestern. Er pflegt enge Beziehungen zu namhaften Dirigenten wie Sir Antonio Pappano, Yannick Nézet-Séguin, Daniel Harding und Pinchas Zukerman.

Sein viertes Album für die Deutsche Grammophon ist eine Einspielung von Chopins seltener gespielten Werken für Klavier und Orchester mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester und Krzysztof Urbański. Für diese Aufnahme wurde Jan Lisiecki im August 2017 mit dem »ECHO Klassik« ausgezeichnet.

Zu den Höhepunkten der letzten Zeit zählen sein Debüt bei den »BBC Proms« unter Sir Antonio Pappano in der Royal Albert Hall, sein Debüt im Main Auditorium der New Yorker Carnegie Hall mit dem Philadelphia Orchestra, Konzerte mit dem New York Philharmonic, der Sächsischen Staatskapelle Dresden, dem Cleveland Orchestra und San Francisco Symphony sowie beim Eröffnungsfestival der Elbphilharmonie. Kürzlich debütierte er bei den Münchner Philharmonikern unter dem Dirigat von Valery Gergiev.

2017/18 eröffnete Jan Lisiecki die Saison mit dem Toronto Symphony Orchestra, kehrt zum Deutschen Symphonie-Orchester Berlin und zum Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Ceciliazurück und konzertiert mit dem Boston Symphony Orchestra und London Symphony Orchestra.

Im Jahr 2013 wurde er vom »Gramophone Magazine« zum jüngsten Gewinner des »Young Artist of the Year Award« gekürt. Im selben Jahr erhielt Jan Lisiecki den von der Sparkassen-

Finanzgruppe gestifteten »Leonard Bernstein Award« des »Schleswig-Holstein Musik Festival«.

Jan Lisiecki steht exklusiv bei der Deutschen Grammophon unter Vertrag.

 

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Leidenschaft, Disziplin, Hingabe – diese Tugenden sind in Dortmund nicht nur auf dem grünen Rasen beheimatet, sondern auch bei den Dortmunder Philharmonikern. Seit seiner Gründung 1887 hat sich der städtische Klangkörper damit konsequent in die vorderste Reihe der großen deutschen Konzert- und Opernorchester gespielt. Besonders geprägt haben das Orchester in der Nachkriegszeit charismatische Chefdirigenten wie Wilhelm Schüchter (1963 – 1974), Marek Janowski (1974 – 1979) und Hans Wallat, heutiger Ehrendirigent der Philharmoniker. In Wallats Ägide – von 1980 bis 1985 sowie noch einmal in der Spielzeit 2001/02 – fallen große Wagner- und Strauss-Zyklen.

Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

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Leidenschaft, Disziplin, Hingabe – diese Tugenden sind in Dortmund nicht nur auf dem grünen Rasen beheimatet, sondern auch bei den Dortmunder Philharmonikern. Seit seiner Gründung 1887 hat sich der städtische Klangkörper damit konsequent in die vorderste Reihe der großen deutschen Konzert- und Opernorchester gespielt. Besonders geprägt haben das Orchester in der Nachkriegszeit charismatische Chefdirigenten wie Wilhelm Schüchter (1963 – 1974), Marek Janowski (1974 – 1979) und Hans Wallat, heutiger Ehrendirigent der Philharmoniker. In Wallats Ägide – von 1980 bis 1985 sowie noch einmal in der Spielzeit 2001/02 – fallen große Wagner- und Strauss-Zyklen.

Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Friends forever

Musikalische Beziehungen mit dem London Symphony Orchestra sind selten von kurzer Dauer. Wenn es passt, dann wird die Zusammenarbeit über Jahrzehnte gehegt und gepflegt. So auch mit dem Dirigenten François-Xavier Roth, der 2000 die renommierte »Donatella Flick Conducting Competition« gewann und seitdem eng mit dem britischen Klangkörper verbunden ist. »Ich bin sehr glücklich, Teil dieser Familie zu sein. Es ist eine große Freude und ein Privileg, mit dem Orchester Musik zu machen«, schwärmt der Franzose, der zum zweiten Mal im Konzerthaus zu erleben sein wird. [short_introduction] => Musikalische Beziehungen mit dem London Symphony Orchestra sind selten von kurzer Dauer. Wenn es passt, dann wird die Zusammenarbeit über Jahrzehnte gehegt und gepflegt. So auch mit dem Dirigenten François-Xavier Roth, der 2000 die renommierte »Donatella Flick Conducting Competition« gewann und seitdem eng mit dem britischen Klangkörper verbunden ist. [search_tags] => , London Symphony Orchestra , François-Xavier Roth , Isabelle Faust , Edgar Varèse Varèse: Intégrales Intégrales für 11 Bläser und 4 Schlagzeuger , Béla Bartók Bartók: Konzert für Violine und Orchester Nr. 2 Sz 112 Konzert für Violine und Orchester Nr. 2 Sz 112 , Richard Strauss Strauss: »Ein Heldenleben« op. 40 »Ein Heldenleben« Tondichtung für großes Orchester op. 40 , Sinfoniekonzert , [vortrag] => Array ( [eManagement_id] => 49348 [projekt] => LSO in Residence [presenter_id] => 147599 [customer_id] => 0 [start] => 19.00 [end] => 2021-02-20 19:30:00 [endchecked] => unchecked [taetigkeit] => Einführung [saal] => Komponistenfoyer [anweisung] => [notiz] => [event_id] => 0 [absid] => [repeat_id] => 0 [status] => 1 [ts] => 2020-03-03 17:04:34 ) [evortrag] => Array ( [eManagement_id] => 49351 [projekt] => LSO in Residence [presenter_id] => 147599 [customer_id] => 0 [start] => 19.40 [end] => 2021-02-20 19:50:00 [endchecked] => unchecked [taetigkeit] => Expresseinführung [saal] => Komponistenfoyer [anweisung] => [notiz] => [event_id] => 0 [absid] => [repeat_id] => 0 [status] => 1 [ts] => 2020-03-03 17:11:09 ) [betreuung] => [shorttext] =>

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Von der künstlerischen Exzellenz auf der Bühne, in Aufnahmen und im Film bis hin zu seinem weltweit führenden Musikpädagogik- und Community-Music-Programm ist das London Symphony Orchestra (LSO) bestrebt, so vielen Menschen wie möglich großartige Musik zu bringen. Das 1904 gegründete LSO war eines der ersten selbstverwalteten Orchester, das auf den Werten der Partnerschaft und des künstlerischen Eigentums aufbaut. Dieser Unternehmergeist setzt sich auch heute fort.

Das LSO ist seit der Eröffnung des Zentrums im Jahr 1982 das Resident Orchestra im Barbican Centre in der Londoner City. Das LSO gibt auch Konzerte und Workshops im LSO St Luke im Rahmen seines Pionierprogramms für Gemeinschafts- und Bildungsprojekte »LSO Discovery«, das zu den ersten in Großbritannien gehörte. Das Orchester setzt sich auch für Neue Musik ein und beauftragt regelmäßig einige der bedeutendsten britischen Komponisten, gewichtige neue Werke für Orchester zu schreiben und setzt sich gleichzeitig für die Förderung von jungen Dirigenten in Großbritannien ein.

Das LSO hat eine enge Künstlerfamilie entwickelt, die ihr Engagement für dieses Orchester immer wieder unter Beweis stellt, mit Sir Simon Rattle als Chefdirigent, Gianandrea Noseda und François-Xavier Roth als Erste Gastdirigenten und Michael Tilson Thomas als Ehrendirigent. Es pflegt auch langjährige Beziehungen zu einigen der größten Dirigenten und Solisten der Welt, die die grenzenlosen musikalischen Ambitionen, die das LSO bietet, genießen.

Mit der Gründung seines eigenen Plattenlabels LSO Live im Jahr 1999 hat das Orchester eine Revolution in der Aufnahme und Verbreitung von Live-Orchestermusik herbeigeführt. Seitdem hat LSO Live über 150 Veröffentlichungen produziert und setzt sich kontinuierlich für neue digitale Technologien ein, nachdem es wegweisende Schritte in den Bereichen digitaler Film, Blu-Ray-Audio, Download und Streaming gemacht hat. Das Orchester hat mehr Aufnahmen gemacht als jedes andere Orchester und viele Millionen haben das LSO durch seine Arbeit als führendes Orchester für Film genossen, das hunderte von klassischen Partituren von »Star Wars« bis »The King’s Speech« und »Indiana Jones« umfasst.

Das LSO versucht, Millionen von Menschen jedes Jahr durch Auftritte in London und auf der ganzen Welt Live-Orchestermusik nahezubringen. Das LSO wird durch öffentliche Mittel durch den Arts Council und die City of London Corporation für seine Residenz im Barbican Centre unterstützt, die es ihm zusammen mit seinen strategischen Partnern im privaten Sektor ermöglichen, weiterhin ein dynamisches Arbeitsspektrum zu leisten.

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Ihr unmittelbarer Zugang zur Musik lässt Isabelle Faust zum Wesentlichen der Werke vordringen. Das Publikum spürt ihre natürliche Musikalität ebenso wie den Drang, die Kenntnis des Repertoires durch ein genaues Studium der Partituren und musikhistorische Recherchen zu vertiefen. Als Preisträgerin des »Leopold-Mozart-Wettbewerbs« in Augsburg und des »Paganini-Wettbewerbs« in Genua musizierte sie bereits in jungen Jahren mit bedeutenden Orchestern in aller Welt wie den Berliner Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra, dem NHK Symphony Orchestra, Freiburger Barockorchester und Chamber Orchestra of Europe. Seit 2016 ist sie »Artistic Partner« des Mahler Chamber Orchestra.

Isabelle Faust spielt ein Repertoire, das von Bach bis hin zu Werken zeitgenössischer Komponisten wie Ligeti, Lachenmann oder Widmann reicht. So führt sie neben den großen sinfonischen Violinkonzerten Schuberts Oktett auf historischen Instrumenten ebenso wie Kurtágs »Kafka-Fragmente« mit Anna Prohaska auf. Für die nächsten Spielzeiten sind Uraufführungen von Adámek, Stroppa, Strasnoy und Furrer in Vorbereitung. Regelmäßig  arbeitet sie mit Dirigenten wie Sir John Eliot Gardiner, Philippe Herreweghe, Daniel Harding, Bernard Haitink und Andris Nelsons zusammen. Eine besonders enge Beziehung verband sie in den letzten Jahren mit Claudio Abbado, mit dem sie in mehreren Ländern konzertierte und für Harmonia Mundi eine mehrfach preisgekrönte CD mit den Violinkonzerten Beethovens und Bergs einspielte. Die Aufnahme mit dem Orchestra Mozart wurde mit dem »Diapason d’Or«, einem »ECHO Klassik«, dem »Gramophone Award 2012« und japanischen »Record Academy Award« ausgezeichnet.

Mit ihrem Kammermusikpartner Alexander Melnikov hat sie für Harmonia Mundi zahlreiche Alben eingespielt, zuletzt Sonaten für Violine und Klavier von Brahms und Klaviertrios von Schumann. Demnächst erscheinen Mozarts Violinkonzerte mit Il Giardino Armonico unter  Giovanni Antonini und Bachs Sonaten für Cembalo und Violine mit Kristian Bezuidenhout.

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Julian Prégardien wurde 1984 in Frankfurt geboren und erhielt seine erste musikalische Bildung in den Chören der Limburger Dommusik. Nach Studien in Freiburg und im Rahmen der Akademie des Opernfestivals in Aix en Provence war er von 2009 bis 2013 Ensemblemitglied der Oper Frankfurt. Parallel entwickelte sich seine internationale Konzerttätigkeit. Inzwischen ist der Tenor ein international herausragender Vertreter der jungen Sängergeneration.

Als Opernsänger gastierte er beim »Festival d’Aix en Provence«, an der Hamburgischen und Bayerischen Staatsoper sowie an der Opéra Comique in Paris. 2018 debütierte er bei den »Salzburger Festspielen« in Richard Strauss’ »Salome« mit den Wiener Philharmonikern unter Leitung von Franz Welser-Möst. 2019 folgte sein Debüt in einer Neuproduktion von Mozarts »Zauberflöte« an der Staatsoper Berlin unter der Leitung von Alondra de la Parra. In der Saison 2020/21 kehrt er an die Staatsoper Berlin zurück und wird in einer Neuproduktion von Strauss’ »Salome« im Festspielhaus Baden-Baden unter der Leitung von Valery Gergiev singen. Höhepunkte der jüngsten Vergangenheit im Konzertbereich waren Auftritte mit den Münchner Philharmonikern, dem Orchestre Symphonique de Montréal und dem Chor des Bayerischen Rundfunks. Anfang März 2020 debütierte er beim Cleveland Orchestra mit Mendelssohns »Lobgesang« unter Franz Welser-Möst.

Julian Prégardien ist Exklusivkünstler des Labels Alpha Classics. Er ist Professor für Gesang an der Hochschule für Musik und Theater München, Mitglied des Schumann-Netzwerkes und Künstlerischer Leiter der Brentano-Akademie Aschaffenburg.

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Die erste Solo-CD mit Werken von Schubert folgte 2008; 2009 erschien die Einspielung von Schuberts »Forellenquintett«, bei der u. a. auch Christian Tetzlaff mitwirkte. Auf der neuesten CD ist Martin Helmchen zusammen mit Julia Fischer mit Werken von Schubert zu hören. Für Edel Classics spielte Martin Helmchen zusammen mit Sharon Kam Werke von Brahms ein.Nach dem Studium bei Galina Iwanzowa an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin wechselte Martin Helmchen 2001 zu Arie Vardi an die Hochschule für Musik und Theater Hannover, außerdem nimmt er bei William Grant Naboré an der Klavierakademie Comer See Unterricht. Einen ersten entscheidenden Impuls bekam seine Karriere, als er 2001 den »Concours Clara Haskil« gewann. Nach der Auszeichnung mit einem Fellowship des Borletti-Buitoni Trust 2005 folgte 2006 der »Credit Suisse Young Artist Award«, im Rahmen dessen er mit den Wiener Philharmonikern unter Leitung von Valery Gergiev beim »Lucerne Festival« debütierte.Seither trat Martin Helmchen mit zahlreichen renommierten Orchestern auf, so mit dem Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, den Bamberger Symphonikern, dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, dem Konzerthausorchester Berlin, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, dem Orchestre National de France, den Wiener Symphonikern, dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem London Philharmonic Orchestra sowie dem BBC Symphony Orchestra. Er arbeitete mit Dirigenten wie Marc Albrecht, Lawrence Foster, Philippe Herreweghe, Marek Janowski, Vladimir Jurowski, Yakov Kreizberg, Kurt Masur, Christoph Poppen und Bruno Weil. Festivalengagements führten ihn zu allen bedeutenden deutschen Festivals sowie zur »Schubertiade Schwarzenberg«, nach Lockenhaus und zum »Marlboro Festival«.Martin Helmchens besondere Aufmerksamkeit gilt der Kammermusik – eine Leidenschaft, für die Boris Pergamenschikow die wesentlichen Impulse gab. Er musiziert regelmäßig mit Heinrich Schiff und Marie-Elisabeth Hecker; weitere Partner sind Gidon Kremer, Christian Tetzlaff, Sharon Kam, Juliane Banse, Julia Fischer und Sabine Meyer.In der Saison 2009/10 gab Martin Helmchen sein Debüt bei den Berliner Philharmonikern unter der Leitung von Herbert Blomstedt. Erstmals zu Gast war er außerdem beim hr-Sinfonieorchester Frankfurt, bei der Dresdner Philharmonie, beim Orchestre National de Belgique sowie beim CBSO in Birmingham unter Andris Nelsons. Mit Soloabenden ist er u. a. in Berlin, München und Graz zu hören. 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Ersatzvorstellung für den 15. Juni 2020


Schon als 4-jähriger Knirps hat Helge Schneider sich ein Kissen unter den Schlafanzug gesteckt und ging als dicker Mann mit Krückstock vor dem armseligen Wohnungsbauhaus in seiner Siedlung spazieren, um Aufmerksamkeit zu erregen. Bis heute hat sich an seinem Zustand nichts geändert.
Lyrik, Poesie, Jazz, Kunst, Quatsch, all das bietet uns ein aus der Haut gefahrener Entertainer und Multiinstrumentalist (normaler Kassenpatient mit Zusatzversicherung!): Auch 2020 wird Helge Schneider wieder richtig aufdrehen, »Moppelchen muss hüpfen!« Wenn die anderen schon mit einem Bein im Wohnzimmer vor dem Fernsehapparat sich eine Flasche Bier zurechtrücken, um Fußball oder Donna Leon zu gucken, räumt »Der rubinrote Höllenstorch« seine Garage aus und seine Orgel in den Anhänger! »Rente? Kenn ich nicht!« (so der »Blonde Hashdag-Kiki!«) Der 65-jährige (sieht aus wie 12!) mit dem Gehirn eines Gorillas rastet förmlich aus, wenn er auf seine »wohlverdiente Ruhe« nach unzähligen Konzertreisen angesprochen wird! »Ausgestopfte Besserwisser!« [short_introduction] => [search_tags] => , Helge Schneider , Cabaret + Chanson , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Ersatzvorstellung für den 15. Juni 2020


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Ersatzvorstellung für den 16. Juni 2020


Schon als 4-jähriger Knirps hat Helge Schneider sich ein Kissen unter den Schlafanzug gesteckt und ging als dicker Mann mit Krückstock vor dem armseligen Wohnungsbauhaus in seiner Siedlung spazieren, um Aufmerksamkeit zu erregen. Bis heute hat sich an seinem Zustand nichts geändert.
Lyrik, Poesie, Jazz, Kunst, Quatsch, all das bietet uns ein aus der Haut gefahrener Entertainer und Multiinstrumentalist (normaler Kassenpatient mit Zusatzversicherung!): Auch 2020 wird Helge Schneider wieder richtig aufdrehen, »Moppelchen muss hüpfen!« Wenn die anderen schon mit einem Bein im Wohnzimmer vor dem Fernsehapparat sich eine Flasche Bier zurechtrücken, um Fußball oder Donna Leon zu gucken, räumt »Der rubinrote Höllenstorch« seine Garage aus und seine Orgel in den Anhänger! »Rente? Kenn ich nicht!« (so der »Blonde Hashdag-Kiki!«) Der 65-jährige (sieht aus wie 12!) mit dem Gehirn eines Gorillas rastet förmlich aus, wenn er auf seine »wohlverdiente Ruhe« nach unzähligen Konzertreisen angesprochen wird! »Ausgestopfte Besserwisser!« [short_introduction] => [search_tags] => , Cabaret + Chanson , Helge Schneider , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Ersatzvorstellung für den 16. Juni 2020


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Der Pianist Martin Stadtfeld gab mit neun Jahren sein Konzertdebüt und studierte ab seinem 14. Lebensjahr an der Musikhochschule Frankfurt bei Lev Natochenny, seinerseits Schüler des legendären Lev Oborin. Die Reihe seiner Wettbewerbserfolge hatte ihren Höhepunkt im Jahr 2002, als er als erster bundesdeutscher Pianist den »Internationalen Johann-Sebastian-Bach-Wettbewerb Leipzig« gewann. Der Erste Preis dieses traditionsreichen Wettbewerbs, der zuvor 14 Jahre lang nicht vergeben worden war, öffnete dem Künstler endgültig die Türen zu den wichtigsten Konzertpodien Europas.

Die Bandbreite der von Martin Stadtfeld interpretierten Werke reicht von Bach über die Wiener Klassik bis hin zu den Werken der Romantik (Schumann, Liszt, Wagner, Brahms) und den großen romantisch-expressiven Klavierkonzerten wie Tschaikowsky und Rachmaninow. Konzertauftritte führen ihn in die wichtigsten Musikzentren und zu den großen Orchestern Europas, der USA und Japans. Er konzertiert mit Orchestern wie den Münchner Philharmonikern, der Academy of St Martin in the Fields, dem Leipziger Gewandhausorchester, der Staatskapelle Dresden, den Wiener Symphonikern, der Tschechischen Philharmonie und dem Mozarteum Orchester Salzburg. Neben regelmäßigen Auftritten auf den großen deutschen Konzertpodien gastiert er zudem in der Sumida Triphony Hall in Tokio, im Seoul Arts Center, National Center of Performing Arts in Peking, Wiener Konzerthaus und Musikverein, in der Tonhalle Zürich, im Concertgebouw Amsterdam und vielen weiteren international renommierten Konzerthäusern. Bei den großen Festivals wie den »Salzburger Festspielen«, dem »Rheingau Musik Festival«, dem »Schleswig-Holstein Musik Festival«, »Lockenhaus Festival«, der »Schubertiade Schwarzenberg« und dem »Menuhin Festival Gstaad« ist er regelmäßig zu Gast.

Martin Stadtfeld nimmt exklusiv für Sony Classical auf. Den furiosen Auftakt zu seinen zahlreichen Einspielungen machte 2003 seine CD mit Bachs »Goldberg-Variationen«, die in der Presse höchste Beachtung fand und zu seinem ersten »ECHO Klassik« als »Nachwuchskünstler des Jahres« führte. Auch für seine zweite CD »Bach Pur«, die Einspielung von Bachs Klavierkonzerten und seine CD mit zwei der großen Sonaten des Spätwerks von Franz Schubert wurde er mit dem »ECHO Klassik« ausgezeichnet. Es folgten das Buch I des »Wohltemperierten Klaviers« von Bach, das Album »Der junge Beethoven«, die CD »Deutsche Romantik« sowie die Einspielung dreier Klavierkonzerte von Bach mit dem Philharmonischen Kammerorchester München. Auf seiner aktuellen CD ist ein Live-Mitschnitt von Mendelssohns Klavierkonzerts Nr. 1 mit der Academy of St Martin in the Fields unter Sir Neville Marriner vom »Rheingau Musik Festival« zu hören sowie Solo-Werke von Mendelssohn.

Ein großes Anliegen des Künstlers ist es, Kindern und Jugendlichen in Schulen den Zugang zur klassischen Musik zu ermöglichen. So spricht Martin Stadtfeld bei regelmäßigen Schulbesuchen mit Schülern über seine Arbeit als Pianist, stellt ihnen die Musik vor und vermittelt so außerhalb des Konzertlebens auf eine unmittelbare, persönliche Art die Begeisterung für klassische Musik.

 

 

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Das WDR Funkhausorchester Köln (vormals WDR Rundfunkorchester Köln) in seiner heutigen Gestalt wurde 1947 gegründet.

Mehrere kleinere und größere Instrumentalformationen, deren Gründung teilweise bis in das Jahr 1927 zurückreicht, gingen in ihm auf. Heute hat das prominente Aushängeschild des WDR 56 Mitglieder und ist europaweit das einzige Sinfonieorchester, das auf Unterhaltungsmusik in ihrer gesamten Bandbreite spezialisiert ist: Musical, Spieloper und Operette, Filmmusik und Nischen der klassischen Musik, unbekannte Oratorien und Jazzverwandtes.

Neben regelmäßigen Auftritten in den Konzertsälen Nordrhein-Westfalens und bei internationalen Musikfestivals bestreitet das WDR Funkhausorchester beliebte Konzertreihen in der Kölner Philharmonie und im Klaus-von-Bismarck-Saal des Funkhauses am Wallrafplatz. Durch regelmäßige Sendereihen, vor allem bei WDR 4, wird das WDR Funkhausorchester Woche für Woche von mehr Menschen gehört als jedes andere Orchester – und das nicht nur im Sendegebiet, sondern dank moderner Satellitentechnik mittlerweile nahezu weltweit. Die Anzahl der Schallplatteneinspielungen, die das WDR Funkhausorchester seit den 1950er-Jahren produziert hat, ist heute äußerst umfangreich. Viele dieser Produktionen wurden mit internationalen Schallplattenpreisen ausgezeichnet.

Das Wirkungsspektrum des Orchesters hat sich in seiner mehr als 65 Jahre umfassenden Geschichte stark erweitert. In jüngster Zeit hat das Orchester etwa die faszinierende Welt der Computerspielemusik für sich entdeckt und 2012 ein Dubstep-Projekt aus der Taufe gehoben. Damit sowie mit zahlreichen anderen Konzertformen für Kinder und Jugendliche erreicht das WDR Funkhausorchester stets ein neues Publikum und begeistert auch die jüngsten Hörerinnen und Hörer für sinfonische Musik. Außerdem widmet es sich verstärkt der originalgetreuen Rekonstruktion von Operettenpartituren verfolgter und verfemter Komponisten wie zum Beispiel von Paul Abraham und Leo Fall. Hinzu kommt auch die Einspielung historischer und neu komponierter Stummfilmmusiken in Zusammenarbeit mit ZDF/ARTE.

Auch außerhalb des Sendegebietes ist das WDR Funkhausorchester regelmäßig zu erleben. So gastierte es 2011 unter anderem in der Alten Oper in Frankfurt und in Berlin, wo es als erstes Orchester überhaupt das Weltkulturerbe »Neues Museum« bespielte. Darüber hinaus war und ist das WDR Funkhausorchester stets gern gesehener Gast bei den wichtigen deutschen Festivals, etwa dem Rheingau Musik Festival, den Musikfestspielen Mecklenburg-Vorpommern oder dem Internationalen Musikfestival Heidelberger Frühling.

Von der Spielzeit 1997/98 bis zum Jahr 2003 war Helmuth Froschauer Chefdirigent des Orchesters. In Würdigung seiner besonderen Verdienste wurde er nach dem Ende seiner aktiven Dienstzeit zum Ehrendirigenten ernannt. Als Chefdirigenten folgten Michael Jurowski und Niklas Willén. Mit Beginn der Saison 2014/2015 übernimmt der Brite Wayne Marshall als Chefdirigent die Leitung des WDR Funkhausorchesters.

 

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Bodo Wartke ist ein Tausendsassa. Das Publikum schätzt den am 21. Mai 1977 in Hamburg geborenen Wahl-Berliner als Geschichten erzählenden Chansonnier und virtuosen Pianisten ebenso wie als charmanten Conférencier.Der wandlungsfähige Kabarettist gab 19-jährig, am 16. November 1996, sein erstes abendfüllendes Konzert in seiner damaligen Schule. Seitdem gastiert er mit seinen drei Programmen »Ich denke, also sing’ ich« (1998), »Achillesverse« (2003) und »Noah war ein Archetyp« (2006) sowie seinem Solo-Theater »König Ödipus« (2009) mehr als 120-mal pro Jahr auf den Bühnen im gesamten deutschsprachigen Raum.Er erhielt neben zahlreichen anderen Auszeichnungen die namhafte »St. Ingberter Pfanne« samt Publikumspreis, den »Thüringer Kleinkunstpreis«, den 1. Preis beim »Bundeswettbewerb Gesang« und nicht zuletzt den »Deutschen Kleinkunstpreis« in der Sparte »Chanson« im Jahre 2004. Bodo Wartke studierte zunächst Physik, wechselte dann von 2000 bis 2005 auf Klavier und Gesang an der Universität der Künste in Berlin. Er wirkte bereits 1998 als Conférencier in einer Varietéshow mit. Im gleichen Jahr war er Komponist und musikalischer Leiter bei einer Hamburger Inszenierung von »Unter dem Milchwald« (Dylan Thomas) unter der Regie von Sven Schütze, mit dem er seit Anbeginn zusammenarbeitet. Er verfasste 2002 ein neues deutsches Libretto für »Orpheus in der Unterwelt« (Jaques Offenbach), dessen Erstaufführung 2003 in Norderstedt folgte.Seit 2006 moderiert er das jährlich stattfindende Open-Air-Konzert »Songs an einem Sommerabend«, das vom Bayerischen Rundfunk im Radio und im TV übertragen wird. Klavierkabarett in Reimkultur - so bezeichnet der 32-jährige seine Kunst der Unterhaltung: schmissige Lieder mit exzellent gereimten Texten voller Wortwitz, zu denen er sich selbst souverän am Klavier begleitet. »Gleichzeitig und nicht nacheinander«, wie er nicht müde wird zu betonen, denn »andererseits würde es ja doppelt so lange dauern.« Neben seinen drei Klavierkabarettprogrammen steht Bodo Wartke seit Mai 2009 in seinem Solo-Theater als König Ödipus auf der Bühne. In seiner genial gereimten Neudichtung frei nach Sophokles verkörpert Bodo Wartke mithilfe weniger Requisiten und durch rasante Rollenwechsel alle 14 handelnden Personen. Zu den aktuellen Veröffentlichungen des Künstlers zählen »König Ödipus – Das Buch« (Oktober 2009); eine CD-Neuaufnahme des Programmklassikers »Ich denke also sing’ ich – 2009« mit Spezialgästen (November 2009) und die im April 2010 erscheinende DVD zum Solo-Theater »König Ödipus« mit einer Aufzeichnung aus dem Schmidt-Theater / Hamburg.Bodo Wartke lebt nach wie vor in Berlin – sofern er nicht gerade im Zug sitzt und zu seinem nächsten Auftritt fährt.Tourdaten und Hörproben aus allen Programmen gibt es unter http://www.bodowartke.de

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Seit ihrer Gründung 1893 bereichern die Münchner Philharmoniker unter renommierten Dirigenten das musikalische Leben Münchens. Bereits in den Anfangsjahren des Orchesters garantierten Dirigenten wie Hans Winderstein und Felix Weingartner hohes spieltechnisches Niveau. Gustav Mahler dirigierte das Orchester bei den Uraufführungen seiner Vierten und Achten Sinfonie, und im November 1911 gelangte unter Bruno Walters Leitung Mahlers »Lied von der Erde« zur Uraufführung. Ferdinand Löwe leitete die ersten Bruckner-Konzerte und begründete die Bruckner-Tradition des Orchesters, die von Siegmund von Hausegger und Oswald Kabasta glanzvoll fortgeführt wurde.

Nach dem Zweiten Weltkrieg eröffnete Eugen Jochum das erste Konzert mit der »Sommernachtstraum«-Ouvertüre von Felix Mendelssohn Bartholdy, und kurz darauf gewannen die Philharmoniker mit Hans Rosbaud einen herausragenden Orchesterleiter, der sich zudem leidenschaftlich für Neue Musik einsetzte. Sein Nachfolger war von 1949 bis 1966 Fritz Rieger, in dessen Amtszeit die Grundlagen für die erfolgreiche Jugendarbeit der Philharmoniker gelegt wurden. In der Ära Rudolf Kempes (1967 – 1976) bereisten die Philharmoniker erstmals die damalige UdSSR.

1979 leitete Sergiu Celibidache seine erste Konzertserie bei den Münchner Philharmonikern und wurde im Juni desselben Jahres zum Generalmusikdirektor ernannt. Die legendären Bruckner-Konzerte trugen wesentlich zum internationalen Ruf des Orchesters bei. Von 1999 bis 2004 leitete James Levine als Chefdirigent die Münchner Philharmoniker, die im Frühjahr 2003 vom Deutschen Musikverleger-Verband den Preis für das beste Konzertprogramm der Saison 2002/03 erhielten. Im Januar 2004 ernannten die Münchner Philharmoniker Zubin Mehta zum ersten Ehrendirigenten in der Geschichte des Orchesters.

Generalmusikdirektor Christian Thielemann pflegte in seiner siebenjährigen Amtszeit die Münchner Bruckner-Tradition ebenso wie das klassisch-romantische Repertoire. Maßstabsetzende Höhepunkte bildeten die szenischen Aufführungen der beiden Opern »Der Rosenkavalier« und »Elektra« von Richard Strauss in Baden-Baden.

Mit Beginn der Saison 2012/13 wurde Lorin Maazel Chefdirigent der Münchner Philharmoniker. Während seiner Amtszeit legte er den Fokus seiner Arbeit auf eine Erweiterung des Repertoires und eine Flexibilisierung des Klangs. Seit der Spielzeit 2015/16 ist Valery Gergiev Chefdirigent der Münchner Philharmoniker.

 

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Die vom Publikum und von Kollegen für ihre Virtuosität und ihr »tiefgründiges Einfühlungsvermögen« (»Financial Times«) gerühmte georgische Violinistin hat enge und beständige Beziehungen zu einigen der weltbesten Orchester aufgebaut, darunter das New York Philharmonic, bei dem sie in der vergangenen Saison als Artist in Residence engagiert war. In der aktuellen Saison konzertiert Lisa Batiashvili, die von »Musical America« als »Instrumentalist of the Year 2015« ausgezeichnet wurde, als Artist in Residence mit dem Tonhalle-Orchester Zürich.

Höhepunkte in Lisa Batiashvilis Saison 2015/16 sind Auftritte mit den Berliner Philharmonikern – unter anderem auch auf der Berliner Waldbühne – und dem London Philharmonic Orchestra (beide unter der Leitung von Yannick Nézét-Séguin), dem Orchestre de Paris (Paavo Järvi), den Wiener Philharmonikern (Esa-Pekka Salonen), dem London Symphony Orchestra (Daniel Harding) und New York Philharmonic (Semyon Bychkov) sowie eine Europatournee mit dem Royal Stockholm Philharmonic Orchestra (Sakari Oramo). Darüber hinaus wird sie mit den Kammermusik-Partnern Gautier Capuçon, Frank Braley, Valery Sokolov und Gérard Caussé Recitals zum 100. Geburtstag von Henry Dutilleux in der Wigmore Hall London, dem Concertgebouw Amsterdam, dem Wiener Musikverein, der neuen Philharmonie de Paris und der Tonhalle Zürich geben. In der vergangenen Saison zählten Auftritte mit dem Orchestra Filarmonica della Scala und der Staatskapelle Berlin unter der Leitung von Daniel Barenboim sowie Konzerte mit dem Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Sir Antonio Pappano) zu den Höhepunkten. Im Rahmen ihrer Residenzen beim NDR Sinfonieorchester und New York Philharmonic brachte Lisa Batiashvili mit ihrem Ehemann, dem Oboisten François Leleux, Thierry Escaichs Konzert für Violine und Oboe unter der Leitung von Alan Gilbert zur Uraufführung.

Lisa Batiashvili ist exklusiv bei der Deutschen Grammophon unter Vertrag. Ihre jüngste CD-Aufnahme, u. a. mit François Leleux, Emmanuel Pahud und dem Kammerorchester des Bayerischen Rundfunks, ist den Werken von Johann Sebastian und Carl Philipp Emanuel Bach gewidmet. Frühere CD-Aufnahmen umfassen Einspielungen des Violinkonzerts von Johannes Brahms mit der Staatskapelle Dresden unter der Leitung von Christian Thielemann (auch als DVD erhältlich) sowie Schostakowitschs Violinkonzert Nr. 1 mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und Esa-Pekka Salonen. Zudem nahm Lisa Batiashvili Violinkonzerte von Beethoven, Sibelius und Lindberg für Sony auf.

Durch ihr Studium bei Ana Chumachenco und Mark Lubotski fand Lisa Batiashvili bereits im Alter von 16 Jahren internationale Anerkennung als jüngste Teilnehmerin beim »Sibelius Wettbewerb«. Ihr wurde zweimal der »ECHO Klassik«, der »MIDEM Classical Award«, der »Choc de l’année«, der »Accademia Musicale Chigiana International Prize«, der »Leonard Bernstein Award« des »Schleswig-Holstein Musik Festivals« und der »Beethoven-Ring« verliehen.

Lisa Batiashvili lebt in München und spielt eine Violine von Joseph Guarneri »del Gesù« aus dem Jahre 1739, die großzügige Leihgabe eines privaten Sammlers in Deutschland.

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Mehrere kleinere und größere Instrumentalformationen, deren Gründung teilweise bis in das Jahr 1927 zurückreicht, gingen in ihm auf. Heute hat das prominente Aushängeschild des WDR 56 Mitglieder und ist europaweit das einzige Sinfonieorchester, das auf Unterhaltungsmusik in ihrer gesamten Bandbreite spezialisiert ist: Musical, Spieloper und Operette, Filmmusik und Nischen der klassischen Musik, unbekannte Oratorien und Jazzverwandtes.

Neben regelmäßigen Auftritten in den Konzertsälen Nordrhein-Westfalens und bei internationalen Musikfestivals bestreitet das WDR Funkhausorchester beliebte Konzertreihen in der Kölner Philharmonie und im Klaus-von-Bismarck-Saal des Funkhauses am Wallrafplatz. Durch regelmäßige Sendereihen, vor allem bei WDR 4, wird das WDR Funkhausorchester Woche für Woche von mehr Menschen gehört als jedes andere Orchester – und das nicht nur im Sendegebiet, sondern dank moderner Satellitentechnik mittlerweile nahezu weltweit. Die Anzahl der Schallplatteneinspielungen, die das WDR Funkhausorchester seit den 1950er-Jahren produziert hat, ist heute äußerst umfangreich. Viele dieser Produktionen wurden mit internationalen Schallplattenpreisen ausgezeichnet.

Das Wirkungsspektrum des Orchesters hat sich in seiner mehr als 65 Jahre umfassenden Geschichte stark erweitert. In jüngster Zeit hat das Orchester etwa die faszinierende Welt der Computerspielemusik für sich entdeckt und 2012 ein Dubstep-Projekt aus der Taufe gehoben. Damit sowie mit zahlreichen anderen Konzertformen für Kinder und Jugendliche erreicht das WDR Funkhausorchester stets ein neues Publikum und begeistert auch die jüngsten Hörerinnen und Hörer für sinfonische Musik. Außerdem widmet es sich verstärkt der originalgetreuen Rekonstruktion von Operettenpartituren verfolgter und verfemter Komponisten wie zum Beispiel von Paul Abraham und Leo Fall. Hinzu kommt auch die Einspielung historischer und neu komponierter Stummfilmmusiken in Zusammenarbeit mit ZDF/ARTE.

Auch außerhalb des Sendegebietes ist das WDR Funkhausorchester regelmäßig zu erleben. So gastierte es 2011 unter anderem in der Alten Oper in Frankfurt und in Berlin, wo es als erstes Orchester überhaupt das Weltkulturerbe »Neues Museum« bespielte. Darüber hinaus war und ist das WDR Funkhausorchester stets gern gesehener Gast bei den wichtigen deutschen Festivals, etwa dem Rheingau Musik Festival, den Musikfestspielen Mecklenburg-Vorpommern oder dem Internationalen Musikfestival Heidelberger Frühling.

Von der Spielzeit 1997/98 bis zum Jahr 2003 war Helmuth Froschauer Chefdirigent des Orchesters. In Würdigung seiner besonderen Verdienste wurde er nach dem Ende seiner aktiven Dienstzeit zum Ehrendirigenten ernannt. Als Chefdirigenten folgten Michael Jurowski und Niklas Willén. Mit Beginn der Saison 2014/2015 übernimmt der Brite Wayne Marshall als Chefdirigent die Leitung des WDR Funkhausorchesters.

 

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Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

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Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Dance of the Sun

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Dance of the Sun

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Musikalischer Reiseführer – Travelling through the Middle East

Der Nahe Osten bietet außer großen Wüsten, fruchtbaren Oasen und salzigem Meer noch vieles mehr: moderne Beats, urbanen Lifestyle und Hightech-Wolkenkratzer. Macht euch gemeinsam mit den Solisten des Babylon Orchestra und den Reisebloggern Carolin Steig und Martin Merten von We Travel the World auf eine außergewöhnliche, musikalische Entdeckungstour. [short_introduction] => [search_tags] => , Dortmunder Philharmoniker , Motonori Kobayashi , Reiseblogger We Travel the World , Solisten des Babylon Orchestra Berlin , Sinfoniekonzert , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

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Leidenschaft, Disziplin, Hingabe – diese Tugenden sind in Dortmund nicht nur auf dem grünen Rasen beheimatet, sondern auch bei den Dortmunder Philharmonikern. Seit seiner Gründung 1887 hat sich der städtische Klangkörper damit konsequent in die vorderste Reihe der großen deutschen Konzert- und Opernorchester gespielt. Besonders geprägt haben das Orchester in der Nachkriegszeit charismatische Chefdirigenten wie Wilhelm Schüchter (1963 – 1974), Marek Janowski (1974 – 1979) und Hans Wallat, heutiger Ehrendirigent der Philharmoniker. In Wallats Ägide – von 1980 bis 1985 sowie noch einmal in der Spielzeit 2001/02 – fallen große Wagner- und Strauss-Zyklen.

Die gewachsene Reputation – in der Folge von den Chefdirigenten Klaus Weise, Moshe Atzmon, Anton Marik und Arthur Fagen stetig weiter entwickelt – zog auch eine verstärkte Gastiertätigkeit nach sich. Gastspiele führten das Orchester ins Festspielhaus Salzburg, nach Den Haag, in die Kölner Philharmonie, das Concertgebouw Amsterdam sowie das Palais des Beaux Arts Brüssel.

Ein wichtiges Datum in der Orchestergeschichte markiert die Einweihung des KONZERTHAUS DORTMUND im September 2002. Seither verfügt das Orchester über einen architektonisch wie akustisch herausragenden Saal als Heimstatt für seinen umfangreichen Konzertbetrieb. Weiterer Höhepunkt der Orchestergeschichte war in der Spielzeit 2006 / 07 die große China-Tournee, u. a. mit Konzerten in Peking und Shanghai – das erste außereuropäische Gastspiel der Dortmunder Philharmoniker.

2008 /09 übernahm der niederländische Dirigent Jac van Steen die Chefdirigentenposition und beschloss seine Amtszeit in der Spielzeit 2012 /13 mit dem 125-jährigen Jubiläum der Dortmunder Philharmoniker, das mit einem opulenten Saisonprogramm, darunter eine Liveübertragung durch das WDR-Fernsehen aus dem Konzerthaus Dortmund, gebührend gefeiert wurde. Seit der Spielzeit 2013/14 liegt die künstlerische Leitung in den Händen von Gabriel Feltz.

Ebenso traditionsverbunden wie innovationsfreudig verstehen sich die Dortmunder Philharmoniker als Orchester für die Bevölkerung der Stadt und ihrer Umlandregion. Sie stehen im Zentrum des städtischen Musiklebens und prägen dieses maßgeblich. Neben den traditionellen Reihen – Philharmonische Konzerte, Wiener-Klassik-Konzerte, Kammerkonzerte – bieten die Philharmoniker unter dem Motto »Expedition Klassik« auch ein zukunftsorientiertes, vielfältiges Musikvermittlungsangebot an, das Formate umfasst wie Babykonzerte, Groove Symphony, Open-Stage-Projekte, Orchesterwerkstätten und Kaffeehauskonzerte.

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Der Japaner Motonori Kobayashi kam nach Abschluss seines Studiums in Tokyo nach Deutschland, wo er Dirigieren und Korrepetiton an der Universität der Künste Berlin studierte. Bereits während seiner Studienzeit übernahm er die Musikalische Leitung einiger Opernproduktionen, u. a. »Carmen« und »Così fan tutte« in Tokyo sowie »Una cosa rara« in Berlin. Nach einem Engagement an der Rheinoper Düsseldorf/Duisburg kam er 2008/09 nach Dortmund als Zweiter Kapellmeister, wo er u. a. die Premieren von »Così fan tutte«, »L’elisir d´amore«, »Giulio Cesare«, »L’Italiana in Algeri« und »Lucia di Lammermoor« leitete. Seit der Saison 2013/14 ist Kobayashi Erster Kapellmeister und stellvertretender Generalmusikdirektor. 

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Verdis »Maskenball« ist nicht nur auf der Bühne ein Dauerbrenner, auch auf CDs und natürlich DVDs findet sich die Oper unzählige Male. Großartige Sängerbesetzungen mit Luciano Pavarotti, Maria Callas oder Plácido Domingo reihen sich an Einspielungen unter der Leitung von Stardirigenten wie Claudio Abbado und Herbert von Karajan – eine große Auswahl für diesen Kopfhörer. [short_introduction] => In der Reihe »Kopfhörer« diskutieren die Musikwissenschaftler Noltze und Stegemann die Aufführungsgeschichte ausgewählter Werke anhand berühmter Aufnahmen. [search_tags] => , Prof. Dr. Holger Noltze , Prof. Dr. Michael Stegemann , Giuseppe Verdi Verdi: »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball«) Oper in drei Akten »Un ballo in maschera« (»Ein Maskenball«) Oper in drei Akten (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) , Vortrag , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>
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Holger Noltze ist Musikjournalist und seit 2005 Professor für Musik und Medien an der TU Dortmund, wo er den Studiengang Musikjournalismus aufgebaut hat. Er studierte Germanistik, Hispanistik und Geschichte in Bochum und Madrid und promovierte über Wolframs »Parzival«. Von 2000 bis 2005 war Holger Noltze Ressortleiter Aktuelle Kultur beim Deutschlandfunk. Im WDR-Fernsehen moderierte er von 2001 bis 2015 die Gesprächsrunde »west.art Talk«. Zwischen 2013 und 2017 war er zudem Sprecher des »Rats für Kulturelle Bildung«. Holger Noltze ist mit Features und Beiträgen vor allem im WDR zu hören und schreibt als Musikjournalist und Literaturkritiker u. a. für »Opernwelt«, die Neue Zürcher Zeitung und die ZEIT.

Noltze veröffentlichte Bücher über Goethe (2007) und Wagner (2008) sowie die opern- und kulturgeschichtliche Darstellung »Liebestod. Wagner, Verdi, Wir« (Hoffmann und Campe, 2013). Außerdem publizierte er die Bände »Die Leichtigkeitslüge. Über Musik, Medien und Komplexität« (Edition Körber, 2010) und zusammen mit dem Pianisten Menahem Pressler »Dieses Verlangen nach Schönheit. Gespräche über Musik« (Edition Körber, 2016).

Holger Noltze ist zudem Mitgründer der Online-Plattform takt1.de für klassische Musik.

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Geboren 1956 in Osnabrück. Studium (Komposition, Musikwissenschaft, Romanistik, Philosophie und Kunstgeschichte) in Münster und Paris, u. a. in der Meisterklasse von Olivier Messiaen. Schwerpunkte seiner Arbeit sind der kanadische Pianist Glenn Gould, Mozart und Schubert, die russische und die französische Musik. Hörspiele, Sendereihen und Moderationen kreuz und quer durch die ARD, darunter seit 1987 das WDR 3 Klassikforum. Deutscher Hörbuchpreis (2008) für »The Glenn Gould Trilogy«. Rund ein Dutzend Bücher, darunter die Rowohlt-Monographien zu Antonio Vivaldi, Camille Saint-Saëns und Maurice Ravel und zuletzt Franz Liszt – Genie im Abseits (Piper). Seit 2002 auf dem Lehrstuhl für historische Musikwissenschaftler an der TU Dortmund. Seit 2016 Herausgeber der Œuvres instrumentales complètes von Camille Saint-Saëns im Kasseler Bärenreiter-Verlag. 2017 vom französischen Kultusministerium zum »Chevalier des Arts et des Lettres« ernannt.

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Der König seines Fachs

Er ist der neue Curating Artist: Countertenor Philippe Jaroussky. Seit Jahren fasziniert er Kritiker und Publikum mit technisch anspruchsvollsten Koloraturen genauso wie mit melancholisch-leisen Tönen. Auf dem Höhepunkt seiner Karriere ist er jetzt mit einer Reihe außergewöhnlicher Projekte im Konzerthaus zu erleben. So gestaltet er das »Heimspiel« Barockmusik nicht wie gewohnt als Sänger, sondern erstmals auch als Dirigent. Als Kurator stellt er den Organisten Thierry Escaich und die Sopranistin, Schauspielerin und Chansonnière Natalie Dessay im Konzerthaus vor. Doch singen wird der Franzose in Dortmund natürlich auch: Mit einem Arienabend widmet er sich den barocken Meistern Vivaldi und Händel und mit seinen Schützlingen der Académie Musicale Philippe Jaroussky beschließt er seine Residenz singend mit einer Nuit française.

Sein Curating-Artist-Festival beginnt Philippe Jaroussky mit einem Blick in die Zukunft: Er unterrichtet ausgewählte Gesangsstudenten unterschiedlicher Stimmfächer in einem öffentlichen Meisterkurs. [short_introduction] => Philippe Jaroussky unterrichtet ausgewählte Gesangsstudenten unterschiedlicher Stimmfächer in einem öffentlichen Meisterkurs. [search_tags] => , Philippe Jaroussky , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>

Der König seines Fachs

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Philippe Jaroussky hat sich mittlerweile als einer der großen Sänger unserer Zeit international etabliert. Mühelos klettert seine Stimme in hohe Sopranlagen und bewältigt virtuoseste Koloraturen nuancenreich und mit schwebender Leichtigkeit. Kein Wunder, dass Philippe Jaroussky bereits zahlreiche Preise erhielt. 2010 bekam er seinen vierten »Victoire de la Musique« als »Sänger des Jahres«. Darüber hinaus war er 2013 nominiert in der Kategorie »Bester männlicher Opernsänger«. Ebenfalls als »Sänger des Jahres« wurde er 2008 mit einem »ECHO Klassik« ausgezeichnet – als erster Countertenor in der Geschichte dieses Preises. 2013 gewann er zusammen mit dem Ensemble Concerto Köln und dem Sänger Max Emanuel Cencic unter der Leitung von Diego Fasolis den »ECHO« für die »Beste Operneinspielung des Jahres« (Vincis »Artaserse«). Zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra und Andrea Marcon war sein Album »Farinelli – Porpora Arias« für den »Grammy Award« 2015 nominiert. Ebenfalls 2015 erhielt Philippe Jaroussky den »Händel-Preis« der Stadt Halle sowie den »ECHO Klassik« für die Welt-Ersteinspielung von Agostino Steffanis Oper »Niobe, regina di Tebe«.

Für seine bisherigen über 25 CD-Veröffentlichungen, die exklusiv bei Erato / Warner Classics erscheinen, bekam er u. a. für sein Vivaldi-Album »Heroes« (2007) die »Goldene Schallplatte« in Frankreich überreicht. Des Weiteren wurde diese CD u. a. mit einem »Diapason d’Or«, einem »Choc du Monde de la Musique« und einem »Gramophone Award« ausgezeichnet. Das Album »Carestini – Story of a Castrato« wurde mit einem »Victoire de la Musique« (2008) und einem »Midem Classical Award« (2009) prämiert. 2010 erhielt Philippe Jaroussky einen »Choc de l’année« des französischen Fachmagazins »Classica« für seine Einspielung »Caldara in Vienna« (mit Concerto Köln unter Emmanuelle Haïm). Mit einem »Diapason d’Or« wurde auch die CD »La Dolce Fiamma« (mit Opernarien Johann Christian Bachs) ausgezeichnet. Einen besonderen Erfolg konnte Philippe Jaroussky mit seinem CD-Projekt »Opium« 2009 feiern. Hier singt er Lieder des Fin de Siècle zusammen mit seinem Klavierpartner Jérôme Ducros. 2014 erschien eine Reihe von CDs mit Philippe Jaroussky, u. a. im Januar Pergolesi Stabat Mater mit Julia Lezhneva, I Barocchisti und Diego Fasolis, im Oktober 2014 Vivaldi (»Pietà – Sacred works«) mit seinem Ensemble Artaserse. Dieses Programm war auch im Anschluss an die Veröffentlichung auf einer internationalen Tournee u. a. in Südamerika, Spanien, Deutschland und Frankreich mit großem Erfolg zu hören. 2015 setzten sich die Veröffentlichungen fort: im Januar die Oper »Niobe« von Agostina Steffani mit Opernaufführungen auch im KONZERTHAUS DORTMUND und im Februar das Nachfolgeprojekt von »Opium«: »Green - Mélodies françaises sur des poèmes de Verlaine« mit einer Reihe von Konzerten u. a. in Baden Baden, Berlin, Düsseldorf, Frankfurt und Wien.

Schon diese kurze Aufzählung zeigt sein vielfältiges Repertoire. Neben den bekannten Arien der Barockzeit sucht er vergessenes Repertoire, etwa von Antonio Caldara, Johann Christian Bach und Nicola Porpora. Daneben widmet er sich aber auch den französischen Liedern sowie zeitgenössischen Kompositionen. Für Philippe Jaroussky ist u. a. das Werk »Sonnets de Louise Labé« für Countertenor und Orchester von Marc-Andre Dalbavie komponiert worden. 2012 wurde die auch eigens für ihn komponierte Oper »Caravaggio« von Suzanne Giraud uraufgeführt. Im März 2016 wirkte er in einer Uraufführung von Kaija Saarihos »Only the Sound Remains« in Amsterdam mit. Auch dieses Werk hat die Komponistin speziell für seine Stimme geschrieben.

Philippe Jaroussky tritt mit den renommiertesten Barockorchestern auf wie dem Venice Baroque Orchestra, Concerto Köln, Ensemble Matheus, Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre, Le Concert d’Astrée, Le Cercle de l’Harmonie, Freiburger Barockorchester und Europa Galante unter Dirigenten wie Andrea Marcon, Fabio Biondi, William Christie, Emmanuelle Haïm, René Jacobs, Marc Minkowski, Jérémie Rhorer und Jean-Christophe Spinosi. In der Saison 2015/16 war Philippe Jaroussky Artist in Residence im Konzerthaus Berlin. Während dieser Residenz zeigte er verschiedene Facetten seines Repertoires in fünf Konzertprogrammen von Monteverdi, Pergolesi und Scarlatti bis zum zeitgenössischen Dalbavie mit verschiedenen Partnern. Zudem singt Philippe Jaroussky zum ersten Mal auf Deutsch Kantaten von Bach und Telemann. In der Saison 2016/17 ist Philippe Jaroussky Artist in Residence beim NDR Elbphilharmonie Orchester. Auch hier präsentiert er dem Publikum ein breit gefächertes Repertoire. Auf der Opernbühne konnte man Philippe Jaroussky u. a. 2012 in der Produktion »Giulio Cesare« mit Cecilia Bartoli bei den »Salzburger Festspielen« hören. Die musikalische Zusammenarbeit mit Cecilia Bartoli spiegelt sich in weiteren gemeinsamen Opernproduktionen sowie der gegenseitigen Einladung zu CD-Einspielungen wider (»Farinelli« bzw. »Mission«). 2015 war Philippe Jaroussky in der Rolle des Ruggiero in Händels »Alcina« beim »Festival d’Aix-en-Provence« zu hören. In der Saison 2016/17 singt er diese Rolle in Zürich.

Philippe Jaroussky, geboren 1978, studierte zunächst Violine, Klavier und Komposition an den renommierten französischen Musikakademien von Versailles und Boulogne. Sein Gesangsstudium begann er 1996 bei Nicole Fallien, daran schlossen sich Studien in Alter Musik bei Michel Laplenie und Kenneth Weiss an der Pariser École de Musique National-Régional an.

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Im März 2019 erklärte Philippe Jaroussky noch: »In drei oder vier Jahren werde ich meine erste Barockoper dirigieren.« 2021 ist es im Konzerthaus schon so weit. Alessandro Scarlattis Oratorium »Il primo omicido« mit seinem hervorragenden Sängercast ist ein Counterfest – das Philippe Jaroussky erstmals vom Dirigentenpult mitgestaltet. [short_introduction] => [search_tags] => , Alessandro Scarlatti Scarlatti: »Il primo omicidio« Oratorium in zwei Teilen (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) »Il primo omicidio« Oratorium in zwei Teilen (konzertante Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln) , Konzertante Oper , Jean de Sainte-Colombe (Vater) , Bruno de Sà , Christophe Dumaux , Sandrine Piau , Kresimir Spicer , Yannis François , Paul-Antoine Bénos-Djian , Ensemble Artaserse , Philippe Jaroussky , Bruno de Sá , Curating Artist Philippe Jaroussky , [vortrag] => Array ( [eManagement_id] => 49701 [projekt] => Curating Artist - Jaroussky [presenter_id] => 147599 [customer_id] => 0 [start] => 19.00 [end] => 2021-03-13 19:30:00 [endchecked] => unchecked [taetigkeit] => Einführung [saal] => Komponistenfoyer [anweisung] => [notiz] => [event_id] => 0 [absid] => [repeat_id] => 0 [status] => 1 [ts] => 2020-04-03 18:28:37 ) [evortrag] => Array ( [eManagement_id] => 49703 [projekt] => Curating Artist - Jaroussky [presenter_id] => 147599 [customer_id] => 0 [start] => 19.40 [end] => 2021-03-13 19:50:00 [endchecked] => unchecked [taetigkeit] => Expresseinführung [saal] => Komponistenfoyer [anweisung] => [notiz] => [event_id] => 0 [absid] => [repeat_id] => 0 [status] => 1 [ts] => 2020-04-03 18:29:18 ) [betreuung] => [shorttext] =>
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Der 1979 geborene Christophe Dumaux nahm bereits als Teenager an Meisterkursen von Noëlle Barker und James Bowman teil und studierte anschließend am Conservatoire National Supérieur de Musique in Paris

Im Alter von nur 22 Jahren gab Christophe Dumaux im Juli 2002 sein offizielles Debüt als Eustazio in Händels »Rinaldo« beim »Festival de Radio France et Montpellier«. Die Produktion unter der musikalischen Leitung von René Jacobs war anschließend auch bei den »Innsbrucker Festwochen« und an der Berliner Staatsoper zu sehen. Eine Aufnahme wurde 2003 bei Harmonia Mundi veröffentlicht. Es folgten internationale Einladungen zu Opernproduktionen und Konzertengagements an den wichtigsten Häusern und Festivals – darunter die Metropolitan Oper New York, das »Glyndebourne Festival«, die Opéra National de Paris, das Theater an der Wien, die Opernhäuser in Chicago und Santa Fe, die Berliner Staatsoper, die »Salzburger Festspiele« sowie die Opernhäuser in München und Zürich.

Sein Repertoire umfasst die Rollen des Tamerlano (»Spoleto Festival«, USA), La Calisto (Luxemburg), Eliogabalo (La Monnaie in Brüssel), Sosarme (St. Gallen), Orlando (Théâtre des Champs-Elysées Paris); Unulfo in »Rodelinda«(Metropolitan Opera, Dallas); Tolomeo (Paris, Glyndebourne, Pittsburg, Barbican, Vienna, Chicago, Madrid); Armindo in»Agrippina« (Kopenhagen); Giasone (Vlaamse Opera); Fernando in »Don Chisciotte in Sierra Morena« (Amsterdam). Bisherige Engagements umfassen außerdem Neuproduktionen von »Jephta« unter Ivor Bolton und Brittens »Death in Venice« am Theater an der Wien.

2001 kehrte Christophe Dumaux für zwei Neuproduktionen an die Opéra de Paris zurück: »Akhmatova« von Bruno Mantovani und »Giulio Cesare« (in der Rolle des Tolomeo). Im gleichen Jahr gab er seine Debüts in den Titelrollen von »Giulio Cesare« im Schloss von Versailles und »Rinaldo« in Glyndebourne. Beide Produktionen wurden von der Kritik hoch gelobt.

2012 debütierte Dumaux bei den »Salzburger Festspielen« in einer Neuproduktion von »Giulio Cesare« und gab sein Debüt am Opernhaus Zürich. 2013 kehrt er an die Metropolitan Opera, die Opéra de Paris und nach Zürich zurück.

Konzerte führten ihn zu zwei Konzerten mit Cecilia Bartoli (»Semele« und »Giulio Cesare«) in den Salle Pleyel. Er gab außerdem ein Solo-Recital mit den Moscow Soloists und dem renommierten Freiburger Barockorchester und gab sein Debüt im berühmten Concertgebouw Amsterdam.

Dumaux veröffentlichte eine CD mit Bach-Arien, die bei Naïve/Ambroisie erschien, sowie eine Aufnahme von Pergolesis »Septem verba a Christo« bei Harmonia Mundi.

In dieser Saison kehrt Christophe Dumaux nach Zürich zurück und wird in Peter Sellars‘ Produktion von Purcells »Indian Queen« am Teatro Real Madrid und in Perm zu sehen sein.

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Philippe Jaroussky hat sich mittlerweile als einer der großen Sänger unserer Zeit international etabliert. Mühelos klettert seine Stimme in hohe Sopranlagen und bewältigt virtuoseste Koloraturen nuancenreich und mit schwebender Leichtigkeit. Kein Wunder, dass Philippe Jaroussky bereits zahlreiche Preise erhielt. 2010 bekam er seinen vierten »Victoire de la Musique« als »Sänger des Jahres«. Darüber hinaus war er 2013 nominiert in der Kategorie »Bester männlicher Opernsänger«. Ebenfalls als »Sänger des Jahres« wurde er 2008 mit einem »ECHO Klassik« ausgezeichnet – als erster Countertenor in der Geschichte dieses Preises. 2013 gewann er zusammen mit dem Ensemble Concerto Köln und dem Sänger Max Emanuel Cencic unter der Leitung von Diego Fasolis den »ECHO« für die »Beste Operneinspielung des Jahres« (Vincis »Artaserse«). Zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra und Andrea Marcon war sein Album »Farinelli – Porpora Arias« für den »Grammy Award« 2015 nominiert. Ebenfalls 2015 erhielt Philippe Jaroussky den »Händel-Preis« der Stadt Halle sowie den »ECHO Klassik« für die Welt-Ersteinspielung von Agostino Steffanis Oper »Niobe, regina di Tebe«.

Für seine bisherigen über 25 CD-Veröffentlichungen, die exklusiv bei Erato / Warner Classics erscheinen, bekam er u. a. für sein Vivaldi-Album »Heroes« (2007) die »Goldene Schallplatte« in Frankreich überreicht. Des Weiteren wurde diese CD u. a. mit einem »Diapason d’Or«, einem »Choc du Monde de la Musique« und einem »Gramophone Award« ausgezeichnet. Das Album »Carestini – Story of a Castrato« wurde mit einem »Victoire de la Musique« (2008) und einem »Midem Classical Award« (2009) prämiert. 2010 erhielt Philippe Jaroussky einen »Choc de l’année« des französischen Fachmagazins »Classica« für seine Einspielung »Caldara in Vienna« (mit Concerto Köln unter Emmanuelle Haïm). Mit einem »Diapason d’Or« wurde auch die CD »La Dolce Fiamma« (mit Opernarien Johann Christian Bachs) ausgezeichnet. Einen besonderen Erfolg konnte Philippe Jaroussky mit seinem CD-Projekt »Opium« 2009 feiern. Hier singt er Lieder des Fin de Siècle zusammen mit seinem Klavierpartner Jérôme Ducros. 2014 erschien eine Reihe von CDs mit Philippe Jaroussky, u. a. im Januar Pergolesi Stabat Mater mit Julia Lezhneva, I Barocchisti und Diego Fasolis, im Oktober 2014 Vivaldi (»Pietà – Sacred works«) mit seinem Ensemble Artaserse. Dieses Programm war auch im Anschluss an die Veröffentlichung auf einer internationalen Tournee u. a. in Südamerika, Spanien, Deutschland und Frankreich mit großem Erfolg zu hören. 2015 setzten sich die Veröffentlichungen fort: im Januar die Oper »Niobe« von Agostina Steffani mit Opernaufführungen auch im KONZERTHAUS DORTMUND und im Februar das Nachfolgeprojekt von »Opium«: »Green - Mélodies françaises sur des poèmes de Verlaine« mit einer Reihe von Konzerten u. a. in Baden Baden, Berlin, Düsseldorf, Frankfurt und Wien.

Schon diese kurze Aufzählung zeigt sein vielfältiges Repertoire. Neben den bekannten Arien der Barockzeit sucht er vergessenes Repertoire, etwa von Antonio Caldara, Johann Christian Bach und Nicola Porpora. Daneben widmet er sich aber auch den französischen Liedern sowie zeitgenössischen Kompositionen. Für Philippe Jaroussky ist u. a. das Werk »Sonnets de Louise Labé« für Countertenor und Orchester von Marc-Andre Dalbavie komponiert worden. 2012 wurde die auch eigens für ihn komponierte Oper »Caravaggio« von Suzanne Giraud uraufgeführt. Im März 2016 wirkte er in einer Uraufführung von Kaija Saarihos »Only the Sound Remains« in Amsterdam mit. Auch dieses Werk hat die Komponistin speziell für seine Stimme geschrieben.

Philippe Jaroussky tritt mit den renommiertesten Barockorchestern auf wie dem Venice Baroque Orchestra, Concerto Köln, Ensemble Matheus, Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre, Le Concert d’Astrée, Le Cercle de l’Harmonie, Freiburger Barockorchester und Europa Galante unter Dirigenten wie Andrea Marcon, Fabio Biondi, William Christie, Emmanuelle Haïm, René Jacobs, Marc Minkowski, Jérémie Rhorer und Jean-Christophe Spinosi. In der Saison 2015/16 war Philippe Jaroussky Artist in Residence im Konzerthaus Berlin. Während dieser Residenz zeigte er verschiedene Facetten seines Repertoires in fünf Konzertprogrammen von Monteverdi, Pergolesi und Scarlatti bis zum zeitgenössischen Dalbavie mit verschiedenen Partnern. Zudem singt Philippe Jaroussky zum ersten Mal auf Deutsch Kantaten von Bach und Telemann. In der Saison 2016/17 ist Philippe Jaroussky Artist in Residence beim NDR Elbphilharmonie Orchester. Auch hier präsentiert er dem Publikum ein breit gefächertes Repertoire. Auf der Opernbühne konnte man Philippe Jaroussky u. a. 2012 in der Produktion »Giulio Cesare« mit Cecilia Bartoli bei den »Salzburger Festspielen« hören. Die musikalische Zusammenarbeit mit Cecilia Bartoli spiegelt sich in weiteren gemeinsamen Opernproduktionen sowie der gegenseitigen Einladung zu CD-Einspielungen wider (»Farinelli« bzw. »Mission«). 2015 war Philippe Jaroussky in der Rolle des Ruggiero in Händels »Alcina« beim »Festival d’Aix-en-Provence« zu hören. In der Saison 2016/17 singt er diese Rolle in Zürich.

Philippe Jaroussky, geboren 1978, studierte zunächst Violine, Klavier und Komposition an den renommierten französischen Musikakademien von Versailles und Boulogne. Sein Gesangsstudium begann er 1996 bei Nicole Fallien, daran schlossen sich Studien in Alter Musik bei Michel Laplenie und Kenneth Weiss an der Pariser École de Musique National-Régional an.

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Unter der Leitung seiner Chefdirigentin, der jungen litauischen Mirga Gražinytė-Tyla, ist das City of Birmingham Symphony Orchestra (CBSO) ein Aushängeschild des Musiklebens in Birmingham und den West Midlands sowie eines der führenden internationalen Orchester.

Das CBSO hat seinen Stammsitz in Birminghams Symphony Hall und gibt jährlich über 150 Konzerte in Birmingham, Großbritannien und im Ausland mit Musik von klassisch bis zeitgenössisch, Filmmusik und sogar Symphonic Disco. Mit einem umfangreichen Community-Music-Programm und einer Familie aus Chören und Jugendensembles ist es in jeder Facette des Musikmachens in den Midlands involviert. Im Mittelpunkt stehen dabei das Ensemble aus 75 hervorragenden Profimusikern und die 98-jährige Tradition des Musizierens auf Weltniveau im Herzen von Birmingham. Diese Tradition wurde durch das erste Sinfoniekonzert des Orchesters 1920 unter der Leitung von Edward Elgar begründet. 1980 begann mit dem jungen britischen Dirigenten Simon Rattle der internationale Aufstieg des CBSO. Rattles Nachfolger Sakari Oramo und Andris Nelsons festigten das weltweite Ansehen des Orchesters und bauten die Rolle des CBSO als Flaggschiff der Stadt Birmingham aus.

Im Februar 2016 verkündete das CBSO die Verpflichtung von Mirga Gražinytė-Tyla als Chefdirigentin ab September 2016. Mit Wurzeln in der großen Chortradition der baltischen Staaten (ihr Vater ist Chorleiter in Litauen) und nach ihrem Engagement als Musikdirektorin am Salzburger Landestheater leitet sie in Birmingham auch Opernprojekte und arbeitet eng mit Simon Halsey für Projekte mit dem international renommierten CBSO Chorus zusammen.

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Im Frühjahr 2019 erschien Mirga Gražinytė-Tylas Debüt-CD bei der Deutschen Grammophon. Sie begeisterte Kritiker und Zuhörer weltweit und wurde als maßgeblicher Beitrag zur Wiederentdeckung von Mieczysław Weinbergs Œuvre gefeiert. Die Aufnahmen entstanden in Kooperation mit dem City of Birmingham Symphony Orchestra, der Kremerata Baltica und Gidon Kremer, mit dem sie schon seit 2013 einen intensiven künstlerischen Austausch pflegt. Seit Beginn der Saison 2016/17 ist Mirga Gražinytė-Tyla Musikdirektorin des City of Birmingham Symphony Orchestra, wo sie in der Nachfolge von Dirigenten wie Sir Simon Rattle, Sakari Oramo und Andris Nelsons steht. 2020 feiert das City of Birmingham Symphony Orchestra sein 100-jähriges Bestehen und setzt seine umfangreiche Tourtätigkeit mit Konzerten in Deutschland, Frankreich, Belgien, der Schweiz und Österreich fort.

Als Kind einer Musikerfamilie im litauischen Vilnius aufgewachsen, studierte Mirga Gražinytė-Tyla zunächst Chor- und Orchesterdirigieren an der Grazer Universität für Musik und darstellende Kunst in Österreich. Anschließend vertiefte sie ihre Studien am Konservatorium in Bologna, an der Musikhochschule Leipzig und an der Zürcher Hochschule der Künste. Von 2011 bis 2014 wirkte sie als Kapellmeisterin am Theater und Orchester Heidelberg und am Konzert Theater Bern, bevor Sie ans Landestheater Salzburg wechselte, wo sie von 2015 bis 2017 Musikdirektorin war. International machte Mirga Gražinytė-Tyla 2012 auf sich aufmerksam, als sie bei den »Salzburger Festspielen« mit dem begehrten »Salzburg Festival Young Conductors Award« ausgezeichnet wurde. Auf ein Dudamel Fellowship beim Los Angeles Philharmonic folgten Einladungen zahlreicher Orchester und Opernhäuser weltweit. Von 2014 bis 2016 war Mirga Gražinytė-Tyla Assistant Conductor und von 2016 bis 2017 Associate Conductor des Los Angeles Philharmonic.

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Was sein Curating-Artist-Programm ausmacht und wie er sich seine Zukunft ausmalt, darüber spricht Jaroussky mit Intendant Raphael von Hoensbroech in einem Salon. Für musikalische Kostproben und Programmerläuterungen kommt das Publikum natürlich auch in den Genuss seiner Stimme. [short_introduction] => Im Gespräch mit Raphael von Hoensbroech spricht Philippe Jaroussky über sein Festival und seine Zukunft. [search_tags] => , Kammerkonzert , Philippe Jaroussky , Raphael von Hoensbroech , [vortrag] => [evortrag] => [betreuung] => [shorttext] =>
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Für seine bisherigen über 25 CD-Veröffentlichungen, die exklusiv bei Erato / Warner Classics erscheinen, bekam er u. a. für sein Vivaldi-Album »Heroes« (2007) die »Goldene Schallplatte« in Frankreich überreicht. Des Weiteren wurde diese CD u. a. mit einem »Diapason d’Or«, einem »Choc du Monde de la Musique« und einem »Gramophone Award« ausgezeichnet. Das Album »Carestini – Story of a Castrato« wurde mit einem »Victoire de la Musique« (2008) und einem »Midem Classical Award« (2009) prämiert. 2010 erhielt Philippe Jaroussky einen »Choc de l’année« des französischen Fachmagazins »Classica« für seine Einspielung »Caldara in Vienna« (mit Concerto Köln unter Emmanuelle Haïm). Mit einem »Diapason d’Or« wurde auch die CD »La Dolce Fiamma« (mit Opernarien Johann Christian Bachs) ausgezeichnet. Einen besonderen Erfolg konnte Philippe Jaroussky mit seinem CD-Projekt »Opium« 2009 feiern. Hier singt er Lieder des Fin de Siècle zusammen mit seinem Klavierpartner Jérôme Ducros. 2014 erschien eine Reihe von CDs mit Philippe Jaroussky, u. a. im Januar Pergolesi Stabat Mater mit Julia Lezhneva, I Barocchisti und Diego Fasolis, im Oktober 2014 Vivaldi (»Pietà – Sacred works«) mit seinem Ensemble Artaserse. Dieses Programm war auch im Anschluss an die Veröffentlichung auf einer internationalen Tournee u. a. in Südamerika, Spanien, Deutschland und Frankreich mit großem Erfolg zu hören. 2015 setzten sich die Veröffentlichungen fort: im Januar die Oper »Niobe« von Agostina Steffani mit Opernaufführungen auch im KONZERTHAUS DORTMUND und im Februar das Nachfolgeprojekt von »Opium«: »Green - Mélodies françaises sur des poèmes de Verlaine« mit einer Reihe von Konzerten u. a. in Baden Baden, Berlin, Düsseldorf, Frankfurt und Wien.

Schon diese kurze Aufzählung zeigt sein vielfältiges Repertoire. Neben den bekannten Arien der Barockzeit sucht er vergessenes Repertoire, etwa von Antonio Caldara, Johann Christian Bach und Nicola Porpora. Daneben widmet er sich aber auch den französischen Liedern sowie zeitgenössischen Kompositionen. Für Philippe Jaroussky ist u. a. das Werk »Sonnets de Louise Labé« für Countertenor und Orchester von Marc-Andre Dalbavie komponiert worden. 2012 wurde die auch eigens für ihn komponierte Oper »Caravaggio« von Suzanne Giraud uraufgeführt. Im März 2016 wirkte er in einer Uraufführung von Kaija Saarihos »Only the Sound Remains« in Amsterdam mit. Auch dieses Werk hat die Komponistin speziell für seine Stimme geschrieben.

Philippe Jaroussky tritt mit den renommiertesten Barockorchestern auf wie dem Venice Baroque Orchestra, Concerto Köln, Ensemble Matheus, Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre, Le Concert d’Astrée, Le Cercle de l’Harmonie, Freiburger Barockorchester und Europa Galante unter Dirigenten wie Andrea Marcon, Fabio Biondi, William Christie, Emmanuelle Haïm, René Jacobs, Marc Minkowski, Jérémie Rhorer und Jean-Christophe Spinosi. In der Saison 2015/16 war Philippe Jaroussky Artist in Residence im Konzerthaus Berlin. Während dieser Residenz zeigte er verschiedene Facetten seines Repertoires in fünf Konzertprogrammen von Monteverdi, Pergolesi und Scarlatti bis zum zeitgenössischen Dalbavie mit verschiedenen Partnern. Zudem singt Philippe Jaroussky zum ersten Mal auf Deutsch Kantaten von Bach und Telemann. In der Saison 2016/17 ist Philippe Jaroussky Artist in Residence beim NDR Elbphilharmonie Orchester. Auch hier präsentiert er dem Publikum ein breit gefächertes Repertoire. Auf der Opernbühne konnte man Philippe Jaroussky u. a. 2012 in der Produktion »Giulio Cesare« mit Cecilia Bartoli bei den »Salzburger Festspielen« hören. Die musikalische Zusammenarbeit mit Cecilia Bartoli spiegelt sich in weiteren gemeinsamen Opernproduktionen sowie der gegenseitigen Einladung zu CD-Einspielungen wider (»Farinelli« bzw. »Mission«). 2015 war Philippe Jaroussky in der Rolle des Ruggiero in Händels »Alcina« beim »Festival d’Aix-en-Provence« zu hören. In der Saison 2016/17 singt er diese Rolle in Zürich.

Philippe Jaroussky, geboren 1978, studierte zunächst Violine, Klavier und Komposition an den renommierten französischen Musikakademien von Versailles und Boulogne. Sein Gesangsstudium begann er 1996 bei Nicole Fallien, daran schlossen sich Studien in Alter Musik bei Michel Laplenie und Kenneth Weiss an der Pariser École de Musique National-Régional an.

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Für seine bisherigen über 25 CD-Veröffentlichungen, die exklusiv bei Erato / Warner Classics erscheinen, bekam er u. a. für sein Vivaldi-Album »Heroes« (2007) die »Goldene Schallplatte« in Frankreich überreicht. Des Weiteren wurde diese CD u. a. mit einem »Diapason d’Or«, einem »Choc du Monde de la Musique« und einem »Gramophone Award« ausgezeichnet. Das Album »Carestini – Story of a Castrato« wurde mit einem »Victoire de la Musique« (2008) und einem »Midem Classical Award« (2009) prämiert. 2010 erhielt Philippe Jaroussky einen »Choc de l’année« des französischen Fachmagazins »Classica« für seine Einspielung »Caldara in Vienna« (mit Concerto Köln unter Emmanuelle Haïm). Mit einem »Diapason d’Or« wurde auch die CD »La Dolce Fiamma« (mit Opernarien Johann Christian Bachs) ausgezeichnet. Einen besonderen Erfolg konnte Philippe Jaroussky mit seinem CD-Projekt »Opium« 2009 feiern. Hier singt er Lieder des Fin de Siècle zusammen mit seinem Klavierpartner Jérôme Ducros. 2014 erschien eine Reihe von CDs mit Philippe Jaroussky, u. a. im Januar Pergolesi Stabat Mater mit Julia Lezhneva, I Barocchisti und Diego Fasolis, im Oktober 2014 Vivaldi (»Pietà – Sacred works«) mit seinem Ensemble Artaserse. Dieses Programm war auch im Anschluss an die Veröffentlichung auf einer internationalen Tournee u. a. in Südamerika, Spanien, Deutschland und Frankreich mit großem Erfolg zu hören. 2015 setzten sich die Veröffentlichungen fort: im Januar die Oper »Niobe« von Agostina Steffani mit Opernaufführungen auch im KONZERTHAUS DORTMUND und im Februar das Nachfolgeprojekt von »Opium«: »Green - Mélodies françaises sur des poèmes de Verlaine« mit einer Reihe von Konzerten u. a. in Baden Baden, Berlin, Düsseldorf, Frankfurt und Wien.

Schon diese kurze Aufzählung zeigt sein vielfältiges Repertoire. Neben den bekannten Arien der Barockzeit sucht er vergessenes Repertoire, etwa von Antonio Caldara, Johann Christian Bach und Nicola Porpora. Daneben widmet er sich aber auch den französischen Liedern sowie zeitgenössischen Kompositionen. Für Philippe Jaroussky ist u. a. das Werk »Sonnets de Louise Labé« für Countertenor und Orchester von Marc-Andre Dalbavie komponiert worden. 2012 wurde die auch eigens für ihn komponierte Oper »Caravaggio« von Suzanne Giraud uraufgeführt. Im März 2016 wirkte er in einer Uraufführung von Kaija Saarihos »Only the Sound Remains« in Amsterdam mit. Auch dieses Werk hat die Komponistin speziell für seine Stimme geschrieben.

Philippe Jaroussky tritt mit den renommiertesten Barockorchestern auf wie dem Venice Baroque Orchestra, Concerto Köln, Ensemble Matheus, Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre, Le Concert d’Astrée, Le Cercle de l’Harmonie, Freiburger Barockorchester und Europa Galante unter Dirigenten wie Andrea Marcon, Fabio Biondi, William Christie, Emmanuelle Haïm, René Jacobs, Marc Minkowski, Jérémie Rhorer und Jean-Christophe Spinosi. In der Saison 2015/16 war Philippe Jaroussky Artist in Residence im Konzerthaus Berlin. Während dieser Residenz zeigte er verschiedene Facetten seines Repertoires in fünf Konzertprogrammen von Monteverdi, Pergolesi und Scarlatti bis zum zeitgenössischen Dalbavie mit verschiedenen Partnern. Zudem singt Philippe Jaroussky zum ersten Mal auf Deutsch Kantaten von Bach und Telemann. In der Saison 2016/17 ist Philippe Jaroussky Artist in Residence beim NDR Elbphilharmonie Orchester. Auch hier präsentiert er dem Publikum ein breit gefächertes Repertoire. Auf der Opernbühne konnte man Philippe Jaroussky u. a. 2012 in der Produktion »Giulio Cesare« mit Cecilia Bartoli bei den »Salzburger Festspielen« hören. Die musikalische Zusammenarbeit mit Cecilia Bartoli spiegelt sich in weiteren gemeinsamen Opernproduktionen sowie der gegenseitigen Einladung zu CD-Einspielungen wider (»Farinelli« bzw. »Mission«). 2015 war Philippe Jaroussky in der Rolle des Ruggiero in Händels »Alcina« beim »Festival d’Aix-en-Provence« zu hören. In der Saison 2016/17 singt er diese Rolle in Zürich.

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Philippe Jaroussky hat sich mittlerweile als einer der großen Sänger unserer Zeit international etabliert. Mühelos klettert seine Stimme in hohe Sopranlagen und bewältigt virtuoseste Koloraturen nuancenreich und mit schwebender Leichtigkeit. Kein Wunder, dass Philippe Jaroussky bereits zahlreiche Preise erhielt. 2010 bekam er seinen vierten »Victoire de la Musique« als »Sänger des Jahres«. Darüber hinaus war er 2013 nominiert in der Kategorie »Bester männlicher Opernsänger«. Ebenfalls als »Sänger des Jahres« wurde er 2008 mit einem »ECHO Klassik« ausgezeichnet – als erster Countertenor in der Geschichte dieses Preises. 2013 gewann er zusammen mit dem Ensemble Concerto Köln und dem Sänger Max Emanuel Cencic unter der Leitung von Diego Fasolis den »ECHO« für die »Beste Operneinspielung des Jahres« (Vincis »Artaserse«). Zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra und Andrea Marcon war sein Album »Farinelli – Porpora Arias« für den »Grammy Award« 2015 nominiert. Ebenfalls 2015 erhielt Philippe Jaroussky den »Händel-Preis« der Stadt Halle sowie den »ECHO Klassik« für die Welt-Ersteinspielung von Agostino Steffanis Oper »Niobe, regina di Tebe«.

Für seine bisherigen über 25 CD-Veröffentlichungen, die exklusiv bei Erato / Warner Classics erscheinen, bekam er u. a. für sein Vivaldi-Album »Heroes« (2007) die »Goldene Schallplatte« in Frankreich überreicht. Des Weiteren wurde diese CD u. a. mit einem »Diapason d’Or«, einem »C